Реферат
Музыка ХХ века
Составил
А. Ракитин, 11А
Музыка ХХ века
План
I. Введение
II. Советская музыка первой половины ХХ века
1) С. С. Прокофьев
2) Арам Хачатурян
3) Д. Д. Шостакович
III. Становление классического джаза
1) Африканские корни
2) Первые звуки джаза: “Original Dixieland Jazz Band”
3) Сидней Беше и Джозеф “Кинг” Оливер
4) Джелли Ролл Мортон
5) Луи Армстронг - первый гений
IV. Развитие рок-музыки
1) Рок 50-х
2) Рок 60-х
3) Рок 70-х
4) Рок 80-х
5) Рок 90-х
V. Заключение
Введение
Развитие мировой музыки в ХХ столетии шло столь быстрыми темпами,
описать все направления, течения и ответвления в одном реферате не
представляется возможным. В астоящем реферате я решил осветить развитие и
течение тех жанров, которые я считаю наиболее характерными для этого
временного периода либо наиболее близкими для меня лично. К последним
относится в первую очередь советская музыка, потому как она является в
большой степени отражением истории моего народа.
Советская музыка первой половины ХХ века
Мне кажется будет объективным показать историю развития советской
музыки на примере творчества нескольких ярчайших композиторов. Для себя я
выбрал лишь троих: С.С. Прокофьев, Д. Д. Шостакович и Арам Хачатурян.
Разумеется, ими не исчерпывается список выдающихся композиторов советской
эпохи. Но, мне кажется, работы трёх очень разных, самобытных творцов
достаточно полно характеризуют музыкальную картину того времени.
С. С. Прокофьев
Сергей Сергеевич Прокофьев родился 23 апреля 1891 года в Сонцовке
Екатеринославской губернии. Музыку он слышал в доме с самого рождения. Мать
Мария Григорьевна играла сонаты Бетховена, мазурки и ноктюрны Шопена, пьесы
Чайковского. В пять с лишним лет Серёжа уже сочинил фортепианную пьеску под
названием "Индийский галоп". Вскоре появились и другие сочинения. Мария
Григорьевна была и его первой учительницей музыки.
Окончив в 1904 году консерваторию, Прокофьев много лет выступал как
пианист во Франции, Испании, Англии, Америке, Японии, на Кубе и во многих
европейских странах. Повсюду композитор играл свои сочинения, а его новые
оперы и балеты исполнялись в разных городах мира. Так, в 1921 году в Чикаго
состоялась премьера весёлой, блестящей оперы Прокофьева "Любовь к трём
апельсинам" (по сказке итальянского писателя Карло Гоцци). В том же году
композитор закончил третий концерт для фортепиано. Самые лучшие сочинения
Прокофьева тех лет были посвящены Родине.
Сюжет балета о строительстве новой жизни в России, названного
"Стальной скок", оказался наивным, "индустриальным". "Прокофьев
путешествует по нашим странам, но отказывается мыслить по-нашему", писали
зарубежные газеты о премьере балета, поставленного в Париже и Лондоне в
1927 году. За границей Прокофьев встречался со многими выдающимися
деятелями искусства (композиторами Равелем, Стравинским, Рахманиновым,
дирижёрами Стоковским и Тосканини, киноартистом Чарли Чаплином и многими
другими). Но атмосфера лихорадочной художественной жизни Парижа 20-х годов
не удовлетворяла его.
Возвратившись в Россию, Прокофьев вновь встречается со своими
друзьями Мясковским и Асафьевым. В 1935 году создан балет "Ромео и
Джульетта" (по трагедии Шекспира). Нужно отметить, что до Прокофьева
крупные музыканты, писавшие балетную музыку, не решались обращаться к
шекспировским трагедиям, считая, что они слишком сложны для балета.
Прокофьев пишет музыку не только для театра, но и для кино. Например,
"Александр Невский"(1938г), "Иван Грозный"(1945г). В произведениях
советского периода композитор особенно стремился к ясности, доступности,
простоте. В эти годы написана опера "Семён Котко" (по повести В. Катаева "Я
сын трудового народа"), а также симфоническая сказка "Петя и Волк".
Главной работой композитора в годы Великой Отечественной войны была
грандиозная патриотическая опера "Война и мир". Прокофьев и раньше
задумывался над тем, чтобы воплотить в музыке образы великого произведения
Льва Толстого. Интересно, что опера "Война и мир" написана не на условный
стихотворный текст либретто, а подлинный текст романа. Прокофьеву важна
была сама интонация толстовской речи, которую он сумел передать в музыке.
В послевоенные годы увидели свет следующие значительные произведения
композитора: пятая симфония, посвящённая "величию человеческого духа";
первая серия кинофильма "Иван Грозный" - новая совместная работа с Сергеем
Эйзенштейном; светлый сказочный балет "Золушка"; опера "Повесть о настоящем
человеке"; балет "Сказ о каменном цветке"; сюита для детей "Зимний костёр".
Последнее законченное произведение Прокофьева - Седьмая симфония -
было задумано вначале как симфония специально для детей, но в процессе
работы приобрело более широкое значение - мудрой симфонической сказки,
утверждающей красоту и радость жизни.
Умер С. С. Прокофьев в Москве 5 марта 1953 года.
Арам Хачатурян
При первых же звуках поэтического "Вальса" по "Маскараду" Лермонтова,
или танца с саблями из балета "Гаяна" сразу чувтвуется - это музыка
Хачатуряна. Чувствуется особый колорит восточных мелодий, стремительность
танцевальных ритмов и особая красочность оркестра.
В музыке Хачатуряна есть одна отличительная черта -
импровизационность. "Импровизация помогает взлёту моей фантазии, но я
всегда помню, что фантазию нужно обуздывать строгой формой. В произведении
должен быть замысел, идея."
Хачатурян начал серьёзно заниматься музыкой, когда ему исполнилось 19
лет. Он приезжает в Москву и поступает в техникум им. Гнесиных, в класс
виолончельной игры. Там он приступает к серьёзным музыкальным сочинениям.
Индивидуальный почерк проявился в его музыке с первых шагов. Обучение он
продолжил в Московской консерватории. Там же создал несколько симфонических
и камерных произведений.
Первая симфония Хачатуряна - дипломная работа после окончания
консерватории - признана выдающимся произведением. Она состоит из трёх
частей, лирические темы в ней противопоставлены танцевальным. Очень быстрая
третья часть походит на национальный грузинский танец "лезгинку".
Вслед за Первой симфонией появляется блестящий по виртуозности
фортепьянный концерт с оркестром. Яркий по национальному характеру музыки и
в то же время близкий классическим фортепьянным концертам Чайковского,
концерт Хачатуряна широко известен. Кроме камерных и симфонических
произведений, композитор ещё в 30-х годах пишет музыку к кинофильмам. В
сочной по краскам оркестровке Хачатуряна слышимы звучания, близкие
национальным народным инструментам. Своеобразность танцевальных ритмов
придаёт музыке стремительность, напряжённость.
Концерт для скрипки с оркестром (1940) по характеру музыки близок к
фортепьянному концерту композитору. Он посвящён одному из лучших скрипачей
того времени - Д. Ф. Ойстраху. В последствии Хачатуряном были созданы
балеты "Гаяна" и "Спартак", "Ода памяти Ленина" и другие произведения. Арам
Хачатурян умер в 1978 году.
Д. Д. Шостакович
Первое опубликованное сочинение Шостаковича было написано в 1922
году, в возрасте 16-и лет. Это известные в наше время "Три фантастических
танца". В то время Шостакович вынужден был подрабатывать игрой на сеансах
немого кино, несмотря на то, что получал стипендию в консерватории. Его
дипломная работа - Первая симфония - сразу привлекла к себе внимание
зрителей. С неё началась широкая известность Шостаковича. В последующие
годы созданы симфонии, оперы "Нос" и "Леди Макбет Мценского уезда", балеты
"Золотой век", "Болт", "Светлый ручей", написана музыка к спектаклям и
кинофильмам.
Живая мысль композитора упрямо пробивалась сквозь наносное, чуждое
духу русского искусства. Молодой Шостакович с успехом выступает и как
пианист: исполняет не только свою музыку, но и классику.
В 1937 году Шостаковичем создана Пятая симфония - это итог длительных
поисков своего выразительного языка, своей темы в музыке. Открывается
период зрелости композитора.
Успех приносят Шостаковичу и произведения последних лет: Шестая
симфония, квинтет, музыка к фильмам "Выборгская сторона", "Великий
гражданин", "Человек с ружьём".
Во время войны Шостакович не хочет уезжать из блокадного Ленинграда.
Он создаёт Седьмую симфонию - "о наших людях, которые становятся героями,
которые борются во имя торжества над врагом... о величии нашего народа... о
нашей прекрасной природе, о гуманизме, о красоте..." Седьмая симфония
впервые была исполнена в марте 1942 года. Лучшие дирижёры- Тосканини,
Стоковский и др - добивались права первыми её исполнить.
Тема суровых военных испытаний звучит и в других сочинениях
Шостаковича тех лет - в трио и Восьмой симфонии. Борьбе за мир посвятил
Шостакович свою Десятую симфонию. В 1954 году композитор был удостоен
Международной премии Мира.
Послевоенное творчество особенно многообразно. Он очень много и
продуктивно работает. Им созданы Второй фортепьянный, скрипичный и
виолончельный концерты, оратория "Песнь о лесах", хоровые поэмы, 24
прелюдии и фуги для фортепьяно, романсы, музыка к кинофильмам.
Дальнейшее творческое продвижение показала Оденнадцатая симфония
Шостаковича "1905-й год", прозвучавшая в 1957 году. Это первая программная
симфония композитора. Всего Шостаковичем было создано 15 симфоний.
Всемирно известный композитор, пианист, общественный деятель,
педагог, воспитавший немало замечательных музыкантов, Д. Д. Шостакович -
один из выдающихся творцов музыки ХХ столетия.
Становление классического джаза.
В наше время, когда человек, вооруженный достижениями науки и техники,
научился распространять информацию по всему земному шару с легкостью ветра,
гоняющего листья по лужайке, трудно кого-либо удивить тем, что идеи той или
иной культуры неожиданно обнаруживаются в другом, далеком от нее районе
мира. И повсеместное распространение за какие-нибудь шестьдесят - семьдесят
лет такого уникального явления, как джаз, едва ли не самый поразительный
факт нового времени. В период первой мировой войны, когда джаз Нового
Орлеана и прилегающего к нему районов еще был народной музыкой, количество
джазовых музыкантов не превышало несколько сотен, а число слушателей, в
основном представителей негритянской бедноты из дельты Миссисипи, не
достигало и пятидесяти тысяч. К 1920 году джаз стал известен, иногда в виде
довольно неумелых имитаций, всюду в Соединенных Штатах Америки. Через
десять лет его стали исполнять и слушать в большинстве крупных городов
Европы. К 1940 году его уже знали во всем мире, а к 1960 году он был
повсеместно признан как самостоятельный музыкальный жанр, даже как особый
вид искусства.
Джаз никогда не был популярной музыкой. Несомненно, время от времени
отдельные формы джаза становились популярными: так было с “джазовой”
музыкой 20-х, со “свингом” 1935 - 1945 гг., так обстоит дело со стилем
“ритм-энт-блюз” сегодня (конечно, популярность в бывшем СССР эти стили не
имели). В данном случае будет уместно говорить о так называемом
“псевдоджазе” - все вышеперечисленные направления имели какие-то небольшие
элементы джаза и “выдавались” за настоящий джаз, и слушатели, покупавшие
такие пластинки, как правило не разбирались в джазе. Но подлинный джаз -
тот, который сами джазмены считают своей музыкой, - редко приобретает
сколько-нибудь широкую популярность.
Джаз оказывал и продолжает оказывать влияние на всю современную
музыку. “Рок”, “фанк” и “соул”, эстрадная музыка, музыка кино и
телевидения, значительная часть симфонической и камерной музыки
заимствовали многие элементы джаза. Без преувеличения можно сказать, что
именно на фундаменте джаза выросло здание современной поп-музыки.
Понять сущность джаза было всегда нелегко. Когда Луи Армстронга
спросили, что такое джаз, он ответил так: “Если вы спрашиваете, то вам
этого никогда не понять”. Утверждают, что Фэтс Уоллер в подобной же
ситуации сказал: “Раз вы сами не знаете, то лучше не путайтесь под ногами”.
Раз уж такие великие музыканты не смогли объяснить, что такое джаз, то и
простому смертному это не под силу, и именно поэтому я не пытаюсь в этой
работе раскрыть сущность джаза, а ставлю целью раскрыть истоки этого
феномена в музыке и его развитие.
В становлении джаза выделяют три периода:
1) зарождение классического джаза;
2) зрелый период (эра свинга);
3) совремеменный джаз: стили боп и кул-джаз.
Мне кажется, что наибольший интерес представляет собой первый период,
т.е. зарождение классического джаза. Поэтому только его я постараюсь
осветить в этой работе.
Африканские корни
То, что джаз является детищем американских негров, несомненно. Ясно,
что негры, попадая из Африки в Америку, привозили оттуда свои обычаи,
традиции. Особенность коренных африканцев в том, что они постоянно ощущают
свою связь с общиной, поэтому обычаи и традиции негра в основном
показывают, выражают его связь с общиной: он отождествляет себя со своим
племенем точно так же, как мальчишка - с любимой спортивной командой: ее
победы и поражения переживаются им как личные. Все, что касается племени,
касается и самого африканца.
Что же представляет собой эта музыка? Наиболее общая характеристика ее
состоит в том, что она неотделима от движений человеческого тела. Она
неразрывно связана с хлопками в ладоши, притоптыванием и, что особенно
важно, с пением. Африканская музыка - это прежде всего музыка вокальная.
Далеко не все африканцы играют на барабане или на других инструментах, но
любой африканец поет и как солист, и в группе, например во время
коллективного труда, или участвует в респонсорном пении. Африканцы чаще
всего поют в унисон, настоящее гармоническое пение у них встречается редко.
Понять, насколько сложен и труден - по крайней мере для нас - ритм
африканской музыки, немузыканту совсем непросто. Возможно, лучший способ
получить представление о нем - это попытаться равномерно отбить ногой два
удара, а руками за то же время сделать три хлопка. Опытный музыкант легко
справится с такой задачей; студент музыкального учебного заведения тоже
должен суметь сделать это. А теперь, сохраняя постоянный ритм ударов ногой,
постарайтесь удвоить или утроить каждый хлопок руками, или чередовать
тройной и двойной хлопки, или синкопировать. Такая задача может оказаться
трудновыполнимой даже для опытного профессионала. А африканец делает это с
необычайной легкостью, причем на фоне не единичного метрического пульса, а
сразу нескольких, часть которых нам покажется совершенно не связанной с
остальными. Такая игра с использованием “перекрестных ритмов” - основа
африканской музыки.
Какие же музыкальные течения и стили повлияли на становление джаза?
Кроме африканской культовой музыки, которую негры привезли с собой на
американскую землю (спиричуэлы, которые были неотъемлемой частью
негритянских религиозных церемоний, стрит-край - песни уличных торговцев,
уорк-сонг - песни, которые исполнялись неграми при совершении какой-либо
монотонной работы) свое влияние оказали блюз и рэг-тайм - стили, которые
появились в начале 20-х годов.
Первые звуки джаза: “Original Dixieland Jazz Band”
Широкоизвестная легенда гласит, что джаз родился в Новом Орлеане,
откуда на старых колесных пороходах добрался по Миссисипи до Мемфиса, Сент-
Луиса и наконец до Чикаго. Обоснованность этой легенды в последнее время
ставилась под сомнение рядом историков джаза, и в наши дни бытует мнение,
что джаз возник в негритянской субкультуре одновременно в разных местах
Америки, в первую очередь в Нью-Йорке, Канзас-Сити, Чикаго и Сент-Луисе.
Но, возможно, самое убедительное свидетельство в пользу того, что
родина джаза - Новый Орлеан, заключается в характере самого города. Новый
Орлеан не похож ни на один город США. Этот город буквально пронизан музыкой
и танцами. Веселый, шумный, пестрый, он выделялся среди других городов
своей музыкальностью и поэтому давал негру больше возможностей для
самовыражения, чем любой другой город на Юге США. С точки зрения джаза
особенно важен тот факт, что в Новом Орлеане сушествовала уникальная
субкультура темнокожих креолов.
В период между 1895 и 1910 годами в Новом Орлеане складывается большая
группа музыкантов, игравших самую различную музыку - блюзы, регтаймы,
марши, популярные в быту песни, попурри на темы из оперных увертюр и арий,
собственные оригинальные пьесы. Армстронг впоследствии часто включал в свои
импровизации фрагменты популярных оперных мелодий. Как правило, цветные
креолы не играли блюзы, предпочитая им классическую музыку, а негров,
напротив, влекла музыка “грубая”, насыщенная рег-ритмами и синкопами,
близкими их родному фольклору. Эти два направления постепенно сливались:
марш, регтайм, уорк-сонг, блюз - европеизированная африканская музыка и
африканизированная европейская музыка - все варилось в одном котле. И вот
однажды из этой мешанины возникла музыка, доселе неведомая, ни на что не
похожая, - музыка, которой за три последующих десятилетия предстояло
покинуть улицы Нового Орлеана, увеселительные заведения и танцзалы и
завоевать весь мир.
26 февраля 1917 года в Нью-Йоркской студии фирмы “Victor” записали
первую джазовую грампластинку. Значение этого события в истории джаза
переоценить невозможно. До выхода в свет этой пластинки джаз был скромным
ответвлением музыкального фольклора, круг его исполнителей ограничивался
несколькими сотнями негров и горсткой белых новоорлеанцев, за пределами
этого города его слышали крайне редко. После выхода пластинки “джаз” в
течение нескольких недель ошеломил Америку, а пятеро белых музыкантов стали
знаменитостями. Они назвали свой оркестр “Original Dixieland Jazz Band”.
Многие десятилетия исследователи джаза не могут скрыть недовольства и
раздражения по поводу того, что запись первой джазовой пластинки
принадлежит группе белых музыкантов, а не негритянскому оркестру.
“Original Dixieland Jazz Band” считался ансамблем без руководителя, но
на самом деле центральной фигурой в нем был корнетист Ник де Ла Рокка,
который не только задавал тон как исполнитель, но и руководитель всеми
делами группы. В последующие годы ансамбль записал около дюжины пластинок и
совершил гастрольную поездку по Англии. Со временем он приобретал все более
коммерческий характер и в середине 20-х годов распался. В 1936 году
ансамбль вновь попытались возродить, но, поскольку он не имел успеха у
публики, из этой затеи ничего не вышло.
Появление фонографа и механического пианино вызвало повальное
увлечение музыкой, которую широкая публика называла джазом. В
действительности большая часть того, что она слушала, была или обычной
танцевальной музыкой, или обработками популярных мелодий с минимальными
элементами джаза. Такую коммерческую музыку играли как негры, так и белые
музыканты. Самым известным из них был Пол Уайтмен.
Уайтмен родился в 1890 году, музыкальное образование получил по классу
скрипки; играл в симфонических оркестрах Денвера и Сан-Франциско. В 1919
году он возглавил танцевальный оркестр и за два-три года сделал его самым
популярным коллективом в США. Когда джазовый бум достиг апогея, он присвоил
себе титул “короля джаза”. Сам Уайтмен был джазменом, но хорошо разбирался
в этой музыке, и в разное время в его оркестре играли все лучшие белые
музыканты джаза тех лет. Исполняемая оркестром музыка была импозантной и
полнозвучной” сверхдетализированная в нотной записи, она претендовала на
“серьезность” и при этом была почти полностью лишена духа джаза. Правда,
некоторым музыкантам оркестра, особенно Бейдербеку, иногда дозволялось
играть короткие джазовые соло.
Именно эту музыку широкая белая публика принимала за джаз. Она,
однако, была не очень разборчива, и поэтому на эстраду проникало много
истинного джаза. Такая ситуация позволила пионерам джаза иметь постоянную
работу, совершенствовать свое мастерство, участвовать в записях на
пластинки. Именно благодаря тысячам грампластинок с записями первоклассных
музыкантов неуклонно возрастал интерес к новоорлеанской музыке.
Сидней Беше и Джозеф “Кинг” Оливер
Первые джазмены стали уезжать из Нового Орлеана еще в начале 10-х
годов, но массовый их отъезд начался в 1917 году, после закрытия Сторивилля
(район в Новом Орлеане, где были сосредоточены проституция, торговля
алкоголем и наркотиками и тд). Занятость музыкантов в связи с закрытием
Сторивилля (музыка в котором являлась неотъемлемой частью) отнюдь не
уменьшилась, так как большинство оркестров работали вне Сторивилля. Таким
образом, этот факт был чисто символический. Музыкантов влекли на Север
прежде всего экономические соображения, связанные с ростом негритянских
гетто в крупных городах северных штатов. Так или иначе, большинство ведущих
новоорлеанских джазменов покинуло свой родной город. Двое из них позднее
оставили заметный след в истории джаза. Речь идет о Джозефе “Кинге” Оливере
и Сиднее Беше.
Сидней Беше был для джаза фигурой нетипичной. Как правило, настоящий
джазовый музыкант - это “коллективист”, такова специфика джазового
искусства. А Беше был одиноким странником. Он с легкостью переезжал из
Нового Орлеана в Чикаго, из Чикаго в Нью-Йорк, из Нью-Йорка в Лондон, из
Лондона в Париж, а потом вновь возвращался в Новый Орлеан. Ему было все
равно, где играть.
Сиднея Беше отличало вечное стремление быть первым; в любой
музыкальной ситуации он всегда хотел быть в центре внимания, и как правило,
ему это удавалось. Едва ли это могло расположить к нему коллег-музыкантов.
Придирчивый и требовательный, неистовый и жизни, и в исскустве, он был
одним из самых ярких исполнителей в истории джаза. Дюк Эллингтон, горячо
любивший Беше, считал его “самым уникальным человеком в джазе”. В своей
оценке Эллингтон не одинок: влияние Беше на музыкантов раннего джаза было
огромным.
Однажды в Лондоне он случайно увидел инструмент, на котором ему еще не
приходилось играть, - сопрано-саксофон. В 20-х годах саксофон все еще был
новинкой и джазмены только начинали его осваивать. Быстро освоив его, Беше
стал первым известным саксофонистом джаза. Он играл на саксофоне все чаще и
чаще (периодически возвращаясь к игре на кларнете), а затем полностью
перешел на этот полюбившийся ему инструмент.
Беше вернулся в США в начале 20-х годов, и два последующих десятилетия
он работал в основном здесь. В 1929 году он, правда, гастролировал в Париже
, а в 30-х годах - в Германии и России, но это были непродолжительные
поездки. В 1949 году он окончательно поселился в Париже. Французы, хорошо
знавшие музыканта, приняли его с распростертыми объятиями - ведь в жилах
Беше текла французская кровь. Умер Беше во Франции в 1959 году, окруженный
почетом и славой.
Трудно переоценить влияние Беше на джаз. Никто не мог сравниться с ним
в игре на сопрано-саксофоне, да и редко кто пытался копировать его стиль. В
течение 20-х, 30-х и даже в начале 40-х многие джазмены испытывали на себе
его влияние. Джонни Ходжес - великий альт-саксофонист оркестра Дюка
Эллингтона и один из ведущих саксофонистов мира - сформировался как
музыкант, изучая Беше; судя по тому, как быстро росло мастерство
Армстронга (1923-1926), он, видимо, тоже перенял некоторые приемы джазовой
фразировки у своего новоорлеанского коллеги. Будучи одним из
родоначальников джаза,
|
