Михеева Людмила - Музыкальный словарь в рассказах - Скачать бесплатно
способностью: его звучание всегда словно <<эподстраивается>> к той
тональности, в которой играют в это время другие инструменты. Партия
тамтама записывается в виде разных длительностей на одной линейке --
<<энитке>>.
В симфонический оркестр тамтам пришел недавно. Используется он для создания
особых звуковых эффектов. Его звучность может быть самой разнообразной --
от таинственного, еле слышного пианиссимо до мощного, подчас зловещего и
грозного фортиссимо. Не случайно в операх тамтам нередко применяют для
имитации погребального звона. Звучанием тамтама сопровождаются сцены
волшебства, заклинаний, молений жрецов.
С целью создания яркого колористического звучания он был введен и в те
произведения, с которых начался наш рассказ.
ТАНЕЦ. С древнейших времен и до наших дней люди танцуют -- праздниках или
просто в свободные вечера, непринужденно веселясь или участвуя в
торжественной церемонии.
Много веков тому назад танцы можно было увидеть и на сельских площадях, где
крестьяне кружились под немудреные звуки самодельных инструментов, и в
пышных дворцовых залах, в сопровождении труб, виол или оркестра...
Большинство этих танцев в той или иной форме дожили до нашего времени.
Конечно, они очень отличаются один от другого в зависимости от страны, в
которой родились, от времени, когда это произошло, от того, кто и где их
исполнял.
Вот, например, аллеманда. Серьезная, неторопливая. Как бытовой и придворный
танец аллеманда появилась в Англии, Франции и Нидерландах в середине XVI
века.
Родилась аллеманда из приветственных сигналов трубачей, звучавших при
встрече высоких особ -- князей, владетелей графств и герцогств. Под эти
приветственные звуки двигалось торжественное шествие придворных, поэтому
размер танца четный, как у марша -- ^2/_4, реже ^4/_4.
Войдя в сюиту как часть цикла, аллеманда стала богато разработанной
торжественной пьесой вступительного характера.
Французский танец куранта (courante -- бегущая, текущая) -- тоже
придворного происхождения, но довольно быстрый -- об этом говорит название,
-- отличающийся сложными, затейливыми фигурами и соответствующей им
затейливой музыкой. Размер его трехдольный -- ^3/_4 или ^3/_8.
Совсем иная сарабанда. Это медленный, величественный танец, родившийся в
Испании. Он возник из торжественного похоронного обряда, когда все
присутствовавшие на погребении в молчании ступали вокруг гроба.
Происхождение танца отразилось в его названии -- sacra banda -- по-испански
-- святое шествие. Сказался в сарабанде и горделивый испанский характер.
Несмотря на то, что сарабанда -- танец-шествие, размер ее ^3/_4 в
трехдольном движении удобнее было совершать многочисленные повороты во
время спуска по крутой винтовой лестнице в усыпальницу, шествовать вокруг
гроба.
Жига (от англ. jig) старинный танец английских моряков -- быстрый, веселый,
непринужденный. Музыка его словно льется безостановочно, ровными триолями,
как веселый ручеек, в размере 3, 6, 9 или 12 восьмых.
Аллеманда, куранта, сарабанда и жига -- именно в таком порядке, составляя
контрастные сочетания, они вошли в старинную сюиту.
Красивы и очень отличны по характеру танцы разных народов. Своеобразны
норвежские крестьянские танцы. Парный <<эпрыжковый танец>> -- спрингар --
отличается острым чеканным ритмом, яркой мелодией в трехдольном размере.
Парни, весело подпрыгивая и притопывая, ведут девушек, которые ступают
мелкими шажками.
Халлинг -- сольный танец, в котором юноша показывает силу, проворство и
ловкость. Халлинг изобилует высокими прыжками, вращениями, перевертываниями
в воздухе. Музыка его, в размере ^2/_4 носит мужественно-суровый характер,
имеет упругий и прихотливый ритм.
Гангар -- неторопливый, спокойный. Его танцуют парами, торжественно и
чинно, в размере ^6/_8.
Эти три самых распространенных в Норвегии танца широко использовал в своем
творчестве Григ, который сам любовался ими, записывал их мелодии.
Множество чудесных танцев издавна бытует в Польше. Наиболее известны из них
-- полонез, краковяк и мазурка.
Самый древний танец -- полонез. В старину он назывался <<эвеликим>>, или
<<эпешим>> танцем. Нынешнее его название -- французское, в переводе означает
<<эпольский>>. Сначала его танцевали только мужчины. Полонезом -- парадным
шествием, в котором все гости должны были принять участие, открывались
придворные балы. Под горделивое, величественное звучание музыки --
своеобразного торжественного марша, но в трехдольном размере, длинной
вереницей выступали танцующие, изящно приседая в конце каждого такта
музыки. Кроме придворного, существовал и крестьянский полонез -- более
спокойный и плавный.
Излюбленный польский танец -- мазурка, точнее -- мазур (от названия одной
из областей Польши -- Мазовии). Народная мазурка -- с веселой, задорной,
резко акцентированной мелодией в трехдольном размере -- это парный танец, в
котором нет заранее придуманных фигур. Ее импровизируют партнеры. В
шляхетской, дворянской мазурке больше блеска, ее па как бы символизируют
военную удаль. В XIX веке мазурка стала одним из самых популярных бальных
танцев.
Краковяк (краковяки -- жители города Кракова) -- отличается четким
двудольным размером. Вначале его танцевали тоже только мужчины: парами, в
которых один изображал рыцаря, а другой -- его оруженосца. Затем краковяк
стали танцевать в паре с дамой: она -- плавно, изящно, он -- с резкими
притоптываниями.
Все эти танцы представлены в творчестве великого сына Польши -- Шопена.
Особенно часто обращался он к мазурке. Среди шопеновских мазурок -- и
блестящие бальные, и задорные крестьянские, и опоэтизированные нежные
мелодии -- настоящие миниатюрные поэмы. Кажется, сама душа Польши
воплотилась в этих прекрасных творениях.
Народный танец полька по созвучию многим тоже кажется польским. Однако он
принадлежит другому славянскому народу -- чехам. Название его происходит от
слова pulka -- половина, так как танцевали его мелкими шажками. Это живой
непринужденный танец в двудольном размере, который танцуют парами по кругу.
Полька обычно открывала деревенский бал, и, заслыша ее веселые звуки, никто
не мог устоять на месте. Этот самый любимый из чешских народных танцев
завоевал широкую популярность во всей Европе. Он звучит в опере чешского
композитора Бедржиха Сметаны <<эПроданная невеста>>.
Интересна судьба австрийского танца лендлера. Этот парный круговой
трехдольный танец получил свое название от австрийской области Ландль. В
начале XIX века он перекочевал из сел в города Австрии и Германии. Его
стали танцевать на балах, и постепенно он превратился во всем известный и
всеми любимый вальс.
Вот уже целых два века живет и пользуется неизменной любовью этот
увлекательный, вечно юный танец. В Германии, Австрии, Чехии, крестьяне на
праздничных вечеринках весело кружились парами (отсюда происхождение
названия танца -- немецкое walzen -- прокатывать). Постепенно движение
становилось все более плавным, кругообразным, из него уходили типичные для
народного танца подпрыгивания и притопывания. Рождался вальс. На рубеже
XVIII и XIX века вальс быстро распространился по многим странам.
Прежде всего новый танец завоевал Вену. Вальсы композиторов Лайнера и
Иоганна Штрауса-отца звучали в австрийской столице повсюду. Вальсы же
Иоганна Штрауса-сына покорили не только Вену, но и весь мир. Поэтичные,
изящные, с обаятельными, свободно льющимися мелодиями, они пленяли слух.
Они пронизывали и оперетты И. Штрауса. Начиная с <<эПриглашения к танцу>>
Вебера, вальс попал в сферу симфонической музыки. В России великолепным
образцом такого симфонического вальса стал <<эВальс-фантазия>> Глинки.
Зазвучали в концертах и фортепианные вальсы -- <<эМефисто-вальс>> Листа,
<<эСентиментальный вальс>> Чайковского и, конечно, многочисленные вальсы
Шопена -- то блестящие, бравурные, то нежные и мечтательные. В наше время
любимы вальсы Прокофьева -- из балета <<эЗолушка>> и оперы <<эВойна и мир>>,
вальс Хачатуряна из музыки к драме Лермонтова <<эМаскарад>>.
В Венгерских рапсодиях Листа, в Венгерских танцах Брамса звучат характерные
мелодические обороты, острые ритмические фигуры. Они сразу узнаются на
слух. Это -- интонации венгерского танца чардаша. Название его происходит
от слова csarda -- трактир, корчма. Венгерские корчмы издавна служили
своеобразными клубами, где собирались окрестные жители. В них или на
площадке перед ними и танцевали. Чардаш возник не в крестьянской или
придворной среде, а в городе, в начале XIX века. Танец этот двудольный и
состоит из двух частей -- довольно медленного патетического лашшана и
стремительной, огневой фришки.
На юге Италии расположился город Таранто. Он дал имя национальному
итальянскому танцу тарантелле. Тарантелла распространена по всему югу
Италии. Особенно любят ее в Неаполе и в Сицилии. Стремительный, веселый
танец, исполняемый под гитару и кастаньеты, ярко выражает характер
темпераментных южан. Размер тарантеллы ^3/_8 или ^6/_8 с характерным,
непрерывным и непринужденным движением триолями. Жизнерадостный ритм
тарантеллы привлек к себе многих композиторов разных стран -- Листа,
Шопена, Чайковского, Прокофьева. Верди использовал тарантеллу в опере
<<эСицилийская вечерня>>, а Россини создал в ее ритме песню, пользующуюся
большой популярностью.
Яркостью, темпераментом отличается и южнофранцузский -- провансальский --
танец фарандола. Его участники пляшут в хороводе, держась за руки, то
быстро, то медленно, в сопровождении тамбуринов и пронзительно звучащей
флейточки-галубе. Прекрасную фарандолу написал Бизе к драме А. Доде
<<эАрлезианка>>.
Очень колоритны танцы Испании. Хота -- любимый танец Арагона, Каталонии,
Валенсии, -- отличается быстрым темпом, трехдольным размером, острым
ритмом, который подчеркивается щелканьем кастаньет. Это парный танец,
исполняемый под гитару или мандолину. Своеобразием хоты пленился Глинка во
время своего путешествия по Испании. Его оркестровая <<эАрагонская хота>>
написана на подлинную народную тему.
Другой распространенный испанский танец -- болеро (от испанского voler --
летать), более умеренный, с ритмом, напоминающим ритм полонеза.
Сопровождается он тоже гитарой и кастаньетами, но часто и пением. Русские
композиторы -- Глинка, Чайковский, Даргомыжский, Кюи -- писали романсы в
ритме болеро. Пожалуй, самое известное произведение в этом ритме --
<<эБолеро>> французского композитора Мориса Равеля.
Русские танцы -- и веселые пляски, и плавные хороводы, часто сопровождаются
пением. Среди танцев народов нашей страны известны украинские гопак и
<<эКазачок>> (существуют также <<эКазачки>> кубанский и терский) --
двудольный танец импровизационного характера, в котором партнер повторяет
движение своей подруги; задорная молдавеняска и молдавский танец-хоровод
коло, известный также на Украине. Коло танцуют и за пределами нашей родины
-- в Болгарии, Румынии, Югославии, Польше.
Большую известность среди наших народных танцев приобрел грузинский танец
лезгинка. Быстрая, темпераментная, требующая большой силы и ловкости от
юноши, плавности и изящества от девушки, она является их своеобразным
соревнованием. Музыка лезгинки -- с четким ритмом, двудольным размером и
энергичными движениями -- привлекла к себе внимание многих композиторов.
Так, Глинка в <<эРуслане и Людмиле>>, Рубинштейн в <<эДемоне>> поместили
бурную, полную стихийной силы и страсти лезгинку.
ТАРЕЛКИ. Не правда ли, странное название для музыкального инструмента? И
тем не менее тарелки -- плоские металлические пластинки -- один из самых
распространенных ударных инструментов. В оркестре тарелки появились еще в
XVII веке, а известны были на много веков раньше. На тарелках играли еще 4
тысячи лет тому назад в Древнем Египте.
В оркестре бывает обычно пара тарелок (поэтому, как и литавры, называются
они во множественном числе). Звук извлекается ударом тарелок друг о друга,
ударом по тарелке палочкой от барабана или литавр, ударом металлической
метелкой. Звук тарелок, в зависимости от способа и силы удара, может
получиться самый разнообразный, от звонкого, пронзительного, до еле
слышного шопота.
Чаще всего удары тарелок совпадают со звучанием большого барабана. Бывает,
что одна из тарелок привинчивается к барабану, и играет на обоих
инструментах один исполнитель.
Тарелки -- инструмент с неопределенной высотой звука. Партия их
записывается на одной линейке -- <<энитке>>.
ТЕМА. Что означает это слово, без сомнения, знают все. Каждый день в
школе вы слышите: <<эТема сегодняшнего урока...>>, <<эК следующему разу
повторите темы...>>, <<эТема сочинения, которое вы будете писать...>> А в
музыке термин <<этема>> приобретает иное значение. Там вы можете услышать:
<<эТема вражды...>>, <<эГлавная тема первой части...>>, <<эОсновная тема
финала...>>, <<эТема Снегурочки...>>. Какой же смысл вкладывается в этот
музыкальный термин?
Тема в музыке -- это как бы герой музыкального произведения, его
действующее лицо. С точки зрения музыкальной <<этехнологии>> это построение,
способное явиться основанием для разработки. Поэтому композиторы стремятся
сочинять темы, яркие по характеру, выразительные, запоминающиеся. Есть
такие формы музыкальных произведений, в которых используется всего одна
тема. Так бывает, например, в фуге (если это обычная, а не двойная или
тройная фуга -- в тех, соответственно, две и три темы), в вариациях. Чаще
их несколько. Например, в первой части сонаты или симфонии есть главная и
побочная партии, в каждой из которой действует самостоятельная тема, а
иногда и не одна (об этом можно прочесть в рассказе о сонате). В следующих
частях симфонии тоже по нескольку тем -- по две или три, а в финале может
быть гораздо больше.
Темы могут быть протяженными, развернутыми, могут быть и краткими,
лаконичными. Но во всяком случае тема должна быть относительно законченным
построением. Иногда понятие темы совпадает с понятием лейтмотива. Именно в
этом смысле говорится обычно: <<эТема любви...>>, <<эТема борьбы за
счастье>>, <<эТема кольца нибелунга>> (о лейтмотивах вы, наверное, уже
читали на предшествующих страницах).
ТЕМБР. Ярко, радостно, звонко поют трубы. У валторны звук мягкий и
сочный. Голос фагота -- густой, грубоватый, иногда чуть ворчливый. Скрипка,
королева оркестра, звучит нежно и трепетно. А флейта заливается, словно
прекрасная певчая птица.
Звучание разных инструментов не перепутаешь, если даже они будут играть
одну и ту же мелодию. Чем же отличаются их голоса?
Оказывается -- тембром. Слово это произошло от французского timbre, что
означает колокольчик, а также метка, то есть отличительный знак. Другими
словами, тембр и является отличительным знаком каждого инструмента. Это
специфическая окраска звука, характер, присущий тому или иному инструменту
или голосу. Зависит тембр от многих причин: от материала, из которого
сделан инструмент, от того, каким способом извлекается звук, от размеров
инструмента (огромный контрабас и небольшая скрипка сделаны из одного
материала, и звук на них извлекается одинаково; однако разница есть не
только в высоте, но и в тембре звучания).
Роль тембра в музыке очень велика. Композиторы учитывают ее при
инструментовке своих сочинений. Вы можете прочитать об этом в рассказе об
инструментовке.
ТЕМП. Это слово не нуждается в особенных объяснениях. Мы часто слышим
его, употребляем сами и прекрасно знаем, что означает оно скорость
движения. При этом, как ни странно, происходит этот термин не от слова
скорость, а от слова время (латинское tempus). В музыке от скорости
движения зависят и характер, настроение пьесы. Вы могли прочесть об этом, в
частности, в строчках, посвященных словам Адажио, Аллегро, Анданте.
Основные музыкальные темпы -- это:
* ларго (largo) -- очень медленно и широко;
* адажио (adagio) -- медленно, спокойно;
* анданте (andante) -- в темпе спокойного шага;
* аллегро (allegro) -- быстро;
* престо (presto) -- очень быстро.
Кроме этих, основных темпов, часто встречаются такие их разновидности, как
* модерато (moderato) -- умеренно, сдержанно;
* аллегретто (allegretto) -- довольно оживленно;
* виваче (vivace) -- живо.
Иногда к этим определениям темпа прибавляют такие итальянские слова, как
molto или assai -- очень; poco -- немного; non troppo -- не слишком.
ТЕМПЕРАЦИЯ. Латинское слово < > означает соразмерность,
правильное соотношение. Образованным от него музыкальным термином называют
выравнивание соотношений между ступенями звукоряда, установление системы
звуков различной высоты.
Сейчас все рояли имеют равномерную темперацию: каждая октава делится в них
на 12 равных промежутков -- полутонов. Так было не всегда. В Средние века
существовали другие музыкальные системы. В них темперация была
неравномерной, и в paзных тональностях одни и те же по названиям интервалы
звучали по-разному.
Именно поэтому, когда был изобретен предок современных роялей и пианино,
первый инструмент с равномерной темперацией, восхищенный им Иоганн
Себастьян Бах сочинил свой знаменитый цикл прелюдий и фуг во всех двадцати
четырех тональностях и назвал его <<эХорошо темперированный клавир>>.
ТЕНОР. Энрико Карузо. Леонид Витальевич Собинов. Марио Ланца. Марио дель
Монако. Это имена известных во всем мире певцов, обладавших редким по
красоте голосом -- голосом, который покоряет всех своим светлым, звонким и
в то же время мягким тембром. Голос этот -- тенор.
Тенорам композиторы всех стран наиболее часто поручали партии главных
героев в своих операх. Фауст в одноименной опере Гуно и Хозе в опере Бизе
<<эКармен>>, Ленский в <<эЕвгении Онегине>> и Герман в <<эПиковой даме>>
Чайковского, Гвидон в <<эСказке о царе Салтане>> и Герцог в <<эРиголетто>>
Верди. Какие они разные! Разнообразны и разновидности этого, пожалуй,
самого популярного голоса в мире.
Самый высокий из теноров -- тенор-альтино. Для этого голоса
Римский-Корсаков написал партию Звездочета в опере <<эЗолотой петушок>>.
Тенор-альтино используется композиторами довольно редко.
Лирический тенор, как и лирическое сопрано, -- самый распространенный. Он
использован буквально в каждой классической и современной опере. Лирический
тенор -- это Ленский и Фауст, это Альфред в <<эТравиате>> Верди и Надир в
<<эИскателях жемчуга>> Бизе, Пьер Безухов в <<эВойне и мире>> Прокофьева и
еще много-много других ролей.
Такой голос был у великого русского певца Леонида Витальевича Собинова.
Записи его исполнения соло и в дуэте с Антониной Васильевной Неждановой
можно слышать и сейчас. Наверное, знаете вы искусство таких прекрасных
советских певцов, как Сергей Яковлевич Лемешев и Иван Семенович Козловский.
Драматический тенор встречается среди оперных партий значительно реже, но
именно для него созданы великолепные роли в операх, которые по праву
считаются одними из лучших в мире:
Хозе, Отелло в одноименной опере Верди, Герман. Все это -- образы людей с
противоречивыми характерами, судьба которых складывается трагически.
Наверное, вы слышали хотя бы одну из арий этих героев и можете представить,
насколько она напряженнее, драматичнее, чем любая ария лирического тенора.
Драматические тенора -- уже упоминавшийся выше Марио дель Монако, советские
певцы Георгий Михайлович Нэлепп, Нодар Андгуладзе, Зураб Анджапаридзе.
ТЕРЦЕТ -- см. Трио, Ансамбль.
ТОККАТА. Слово <<этокката>> произошло от итальянского toccare, что значит
трогать, касаться. Когда-то так называли всякое произведение для клавишных
инструментов -- клавесина, органа. А в прошлом веке токкатой стали называть
инструментальные пьесы быстрого равномерно-четкого движения. Таковы
фортепианные токкаты Шумана, Прокофьева, Хачатуряна и многих других
композиторов. в характере токкаты написаны и некоторые страницы оркестровой
музыки, например, третья часть Восьмой симфонии Шостаковича.
ТОНАЛЬНОСТЬ -- см. Лад.
ТОНИКА. С понятием тоники вы могли уже познакомиться, если прочли строки,
посвященные ладу. Греческое слово < > и латинское tonus означают
звук. От них и произошло итальянское tonica -- термин, которым обозначают
основную, самую устойчивую ступень лада. Тоника -- первая, начальная
ступень, поэтому ее сокращенное, условное обозначение -- римская цифра I
или буква Т. Такое же обозначение имеет и тоническое трезвучие -- аккорд,
построенный на первой ступени мажорного или минорного ладов.
ТРАКТОВКА -- см. Интерпретация.
ТРАНСКРИПЦИЯ. Наверное, вам иногда приходилось слышать, как, объявляя
очередной номер концертной программы, ведущий фортепианного вечера говорит:
<<эБах -- Бузони. Чакона>>. Или: <<эШуберт -- Лист. Серенада>>. <<эГлинка --
Балакирев. "Жаворонок">>.
Что же это значит? Что Бах, Шуберт или Глинка написали объявленные
произведения не самостоятельно, а с помощью соавторов?
Нет, конечно. Речь в таких случаях идет не об оригинальных сочинениях, а о
транскрипциях -- переложениях, переработках музыкального произведения. В
данном случае -- о фортепианных транскрипциях скрипичного (Чакона) и
вокальных произведений.
Из этого можно сделать вывод, что транскрипция -- это обработка, но не
простая, элементарная, а виртуозная и притом <<эсвободная>>.
Композитор, создающий транскрипцию какого-то сочинения, не придерживается
строго оригинала, а распоряжается его музыкальными темами свободно, часто
развивает их по-своему.
Обычно транскрипции пишут для своих инструментов те из исполнителей на них,
которые обладают и композиторским даром. Так, замечательный скрипач США
Хейфец любил делать скрипичные транскрипции оперных отрывков.
Больше всего транскрипций у Листа. Для своего любимого инструмента --
фортепиано, которым Лист владел в совершенстве, он сделал транскрипции
симфоний Бетховена, песен Шуберта, многих оперных страниц, в том числе --
Глинки, музыку которого он очень высоко ценил. Широко известны также его
парафразы на темы оперы Верди <<эРиголетто>>, делал Лист и транскрипции
собственных произведений. Вы, наверное, слышали в разных исполнениях его
Мефисто-вальс.
ТРЕМБИТА. Далеко в чистом горном воздухе разносятся звуки трембиты --
карпатского пастушьего рога. Если вы встретите пастуха с трембитой, то
наверное, пожалеете его: каково таскать с собой такой огромный, в целых два
метра длиной, инструмент; а между тем трембита почти невесома. Сделана она
из тонкой древесной коры, свернутой в трубку. Этот инструмент дал название
и оперетте Ю. Милютина <<эТрембита>>.
--- Table start-------------------------------------------------------------
ГУЦУЛЬСКИЙ ПАСТУХ, ИГРАЮЩИЙ НА ТРЕМБИТЕ | [Image] |
--- Table end---------------------------------------------------------------
ТРЕМОЛО. Итальянское слово < > означает дрожащий. В музыке этим
термином называют очень быстрое повторение одного и того же звука,
возможное на струнных смычковых инструментах, балалайках, литаврах и
некоторых других инструментах симфонического и русского народного
оркестров. Так же называется и быстрое многократное чередование двух
созвучий или несоседних звуков. Чередование звуков, расположенных рядом,
называется трелью.
ТРЕУГОЛЬНИК. Этим геометрическим термином называется музыкальный
инструмент, который входит в группу ударных и довольно часто применяется в
симфонической и оперной музыке. По форме инструмент представляет собой
равносторонний треугольник. Сделан он из стального прута.
--- Table start-------------------------------------------------------------
[Image] | ТРЕУГОЛЬНИК |
--- Table end---------------------------------------------------------------
Треугольник подвешивают к пульту и легонько ударяют металлической палочкой.
Звук получается высокий (неопределенной высоты), звонкий и нежный, а при
сильном ударе пронзительный, напоминающий колокольчики. В музыке Грига к
драме Ибсена <<эПер Гюнт>> треугольник введен в танец Анитры. Его звенящая
трель подчеркивает изящный, капризный характер танца. А в <<эШехеразаде>> и
<<эИспанском каприччио>> Римского-Корсакова ритмичное позвякивание
треугольника придает музыке еще больший блеск, живость, задор.
ТРЕЩОТКИ.
И сейчас же щетки, щетки
Затрещали как трещотки
И давай меня тереть,
Приговаривать...
Все мы с детства помним эти строчки знаменитого, ставшего классическим
<<эМойдодыра>> Чуковского, но вот что такое трещотки, пожалуй, ответить
затруднимся. Ясно только одно: они трещат, что и следует из их названия.
--- Table start-------------------------------------------------------------
[Image] | ТРЕЩОТКА |
--- Table end---------------------------------------------------------------
Трещотки -- старый русский народный инструмент. Состоит он из сухих тонких
дощечек, которые нанизаны на шнур или ремешок и отделены одна от другой
узкими планками. Играющий на трещотках держит шнур за концы и, по-разному
встряхивая его, извлекает звонкие и сухие звуки в различных ритмах.
ТРИО. Так называют ансамбль из трех музыкантов -- инструментальный или,
реже, вокальный. Так же называются и произведения, написанные для этого
состава исполнителей. Впрочем, пьеса для трех певцов чаще называется
терцетом.
Наиболее часто композиторы пишут трио для скрипки, виолончели и фортепиано.
Может быть, вы слышали <<эТрио памяти великого артиста>>, посвященное его
автором -- Чайковским -- памяти Николая Рубинштейна? Это трио положило
начало традиции русской музыки -- именно такое произведение посвящать
памяти ушедших. Свое <<эЭлегическое трио>>, написанное в год смерти
Чайковского, Рахманинов посвятил его памяти. А Шостакович Второе трио
посвятил памяти друга, выдающегося музыкального деятеля И. И.
Соллертинского.
Встречаются трио, написанные для другого состава инструментов. Например,
<<эПатетическое трио>> Глинки предназначено для кларнета, фагота и
фортепиано.
Есть у слова трио еще одно значение. Так именуется средний раздел менуэта
или скерцо. И вот почему: когда-то давно в менуэте среднюю часть играли
только три инструмента. Потом менуэт вошел в симфонию, сонату, квартет как
одна из средних частей. Еще позднее вместо менуэта композиторы стали писать
в симфониях скерцо. И в нем, по традиции, для среднего раздела сохранилось
то же определение.
ТРОМБОН. В 1840 году французский композитор Гектор Берлиоз написал
симфонию, которую назвал <<эТраурно-триумфальной>>. Он посвятил ее памяти
жертв французской революции 1830 года. Вторая часть симфонии --
своеобразная музыкальная надгробная речь. Композитор поручил произнести ее
тромбону.
Почему же именно тромбон выбрал Берлиоз для скорбного и торжественного,
патетического монолога?
Возник тромбон в XV веке из трубы: ее сильно удлинили, сделали
выдвигающуюся трубку-кулису. В зависимости от положения кулисы -- более или
менее вдвинутой -- изменяется общая длина инструмента, изменяется длина
колеблющегося внутри трубки столба воздуха, а следовательно и высота звука.
Диапазон тромбона -- от соль контроктавы до ре второй октавы.
Тромбон занимает одно из почетных мест в группе медных духовых
инструментов. У него очень сильный голос, легко пронизывающий звучание
всего оркестра. А когда несколько тромбонов играют вместе, это придает
музыке торжественность и блеск.
--- Table start-------------------------------------------------------------
ТРОМБОН | [Image] |
--- Table end---------------------------------------------------------------
Тембр тромбона в среднем и высоком регистрах светлый, мужественный, а на
низких нотах мрачный, даже зловещий. Очень хорошо удаются тромбону
героические, трагические мелодии. Он может звучать как ораторская речь,
полная пафоса. Этим и воспользовался Берлиоз в Траурно-триумфальной
симфонии. Нередко поручал тромбонам выразительные патетические монологи в
своих симфониях австрийский композитор Густав Малер. Но все же чаще три
тромбона и туба, объединенные в одну группу, играют аккорды, выполняя роль
аккомпанемента.
ТРУБА. Есть в Польше такая легенда. В древние времена на башне крепостной
стены города Кракова стоял в дозоре воин. Зорко смотрел он вдаль: не
покажется ли враг. В руках он держал медную трубу, чтобы подать сигнал в
случае опасности. И вот однажды увидел он вдали вихрь пыли. А через
несколько мгновений сомнений уже не было: враги! Дозорный вскинул трубу, и
над Краковом зазвучал сигнал тревоги. Тучей посыпались стрелы на башню.
Одна из них вонзилась в грудь трубачу. Собрав все силы, он доиграл сигнал.
Только на последнем звуке труба выпала из рук...
Многие столетия бережно хранится в народе память о герое, спасшем свой
город ценою жизни. И сейчас позывные Кракова -- древний боевой сигнал
трубы, обрывающийся на последнем звуке.
--- Table start-------------------------------------------------------------
ТРУБА | [Image] |
--- Table end---------------------------------------------------------------
Труба -- один из самых древних медных духовых инструментов. Ее изображения
находят при раскопках Древнего Египта, Древней Греции. Она извещала об
опасности, поддерживала отвагу воинов в бою, открывала торжественные
церемонии, призывала к вниманию.
А в XVII веке труба вошла в состав оперного оркестра. Сначала она выполняла
скромную роль: изредка играла короткие сигнальные мотивы, участвовала в
исполнении аккордов. В то время ей были доступны только несложные мелодии,
построенные по звукам трезвучия. Однако шли годы, инструмент
совершенствовался, увеличивался его диапазон. Труба смогла исполнять более
сложные и выразительные партии. Ее яркий, чистый, чуть резковатый тембр все
чаще привлекал композиторов. Трубы зазвучали в торжественных, героических,
а иногда и лирических эпизодах.
В партитуре партия труб расположена над партией тромбонов, так как трубы
ближе всего к ним по характеру звучания, лучше других инструментов
сливаются с ними в оркестре, а по диапазону более высоки: от ми малой до ре
третьей октавы.
ТУБА. Самый низкий из медных духовых инструментов -- фундамент медной
группы, подобно контрабасу у струнных, -- туба была изобретена в 1835 году.
Диапазон ее -- от ми контроктавы до фа первой октавы, тембр суровый,
массивный. Как правило, роль тубы в оркестре ограничивается исполнением, на
октаву ниже, партии третьего тромбона (обычно в оркестр входят три тромбона
и туба). Иногда для нее пишут и самостоятельную басовую партию. Сольные
эпизоды у тубы встречаются крайне редко. Один из них -- мелодия в пьесе
<<эБыдло>> из <<эКартинок с выставки>> Мусоргского, оркестрованных
французским композитором Равелем.
--- Table start-------------------------------------------------------------
[Image] | ТУБА |
--- Table end---------------------------------------------------------------
ТУТТИ. Итальянское слово tutti означает <<эвсе>>. Его пишут в партитуре
оркестровых произведений тогда, когда после прозрачного звучания отдельных
групп оркестра, отдельных, может быть, солирующих инструментов, вступает
весь оркестр полностью, создавая впечатление торжественности и мощи. * У
*
УВЕРТЮРА. Известно ли вам, что знаменитую увертюру к опере <<эСевильский
цирюльник>> Россини написал значительно раньше, когда не думал еще о
создании оперы по бессмертной комедии Бомарше? Он предназначал ее для оперы
<<эАврелиан в Пальмире>>. Но опера эта провалилась, и вскоре после премьеры
о ней уже никто не вспоминал. Тогда композитор перенес увертюру в одну из
следующих своих опер, <<эЕлизавету, королеву английскую>>. И лишь годом
позднее, в 1816 году, она была исполнена перед началом <<эСевильского
цирюльника>>, вместе с которым и приобрела всемирную известность.
Сейчас такую историю трудно себе представить, а в те времена это было в
порядке вещей. Увертюру тогда еще не было принято непременно связывать с
содержанием оперы. В XVII веке оперная увертюра вообще представляла собой
что-то вроде оркестрового сигнала: она звучала как призыв к вниманию,
предупреждение зрителям, что нужно собираться в зале, так как скоро
начинается действие оперы. Во время исполнения увертюры входили,
рассаживались, не боясь шуметь.
Кстати, само слово ouverture в переводе с французского означает -- начало,
открытие.
Конечно, прекрасные увертюры Россини служили вовсе не для того, чтобы
рассаживаться под их звуки. Их и слушали с удовольствием. Но главной их
целью было только создать праздничное, приподнятое настроение у зрителей,
привлечь их внимание к порталу сцены.
Правда, еще предшественник Россини, великий оперный реформатор Глюк говорил
о том, что увертюра должна <<эпредупредить слушателей о характере
предстоящего действия и оповестить их о содержании>> оперы. Для этого
необходимо было строить увертюру на музыкальных темах, которые в дальнейшем
встречались бы в опере. И не просто встречались, а играли бы важную роль в
ее драматургии.
Вспомним увертюру к <<эРуслану и Людмиле>> Глинки. В ней нет ни одной
мелодии, которая затем не использовалась бы в опере. Первая, радостная и
сильная, звучит в финале, вторая -- певучая восторженная -- в арии Руслана,
когда он мысленно обращается к Людмиле. А странные пугающие аккорды
слышатся в сцене похищения Людмилы злым карлой Черномором. Музыка
становится грозной, растет напряжение борьбы. Но вот, наконец, возвращается
радостная, торжествующая мелодия. Увертюра заканчивается.
О чем же нам рассказала ее музыка? О том, что героям оперы предстоят
трудные испытания, но в конце концов добро и свет восторжествуют над силами
зла. Получилось, что в увертюре очень кратко передано содержание оперы.
Увертюры бывают не только в операх. Ими открываются балеты, оперетты,
иногда -- драматические спектакли и кинофильмы. Кинофильм <<эДети капитана
Гранта>> создан давно, и вы, может быть, не видели его. А вот прекрасная
увертюра Дунаевского -- романтическая, взволнованная, живо передающая
юношескую устремленность в неизведанное, -- часто звучит в концертах.
В XIX веке увертюрой стали называть и одночастные произведения для
симфонического оркестра. Испанские увертюры Глинки <<эАрагонская хота>> и
<<эНочь в Мадриде>> -- это красочные программные симфонические пьесы,
основанные на подлинных испанских мелодиях. Композитор сочинил их под
впечатлением своего путешествия по Испании. Свое симфоническое сочинение
<<эРомео и Джульетта>> Чайковский назвал увертюра-фантазия.
Можно считать, что начало этому жанру -- самостоятельной симфонической
увертюры -- положил Бетховен. Правда, симфонических увертюр как таковых он
не писал, но его увертюры к драмам <<эЭгмонт>> и <<эКориолан>>, а также
увертюра к опере <<эФиделио>>, которая имеет отдельное название --
<<эЛеонора>>, стали звучать отдельно от спектаклей, для которых
предназначались. А увертюра Мендельсона <<эСон в летнюю ночь>> была написана
как самостоятельное произведение, навеянное пьесой Шекспира, и лишь много
лет спустя появилась музыка ко всей комедии. А затем и многие композиторы
начали писать увертюры, не связанные со сценическими пьесами. Но
отличительным признаком увертюры осталось программное название, ее, хотя бы
косвенная, связь с каким-то конкретным сюжетом.
За последние сто лет созданы увертюры иного плана, такие как
<<эТоржественная увертюра>> Глазунова, <<эПраздничная увертюра>> Шостаковича.
УДАРНЫЕ ИНСТРУМЕНТЫ. Все музыкальные инструменты имеют очень древнее
происхождение. Струнные -- от охотничьего лука, духовые -- от раковины,
рога, тростника. Но самый почтенный возраст принадлежит, конечно, ударным
инструментам: они возникли еще у первобытных людей, которые стали
сопровождать свои пляски ритмичными ударами одного камня о другой.
Постепенно появились более совершенные инструменты. Оказалось, что если
натянуть кожу на полый деревянный или глиняный предмет, то звук станет
более гулким и сильным. Так родились предки барабанов и литавр.
В течение многих веков складывалась группа ударных инструментов -- самая
неустойчивая по составу, но и самая разнообразная в современном
симфоническом оркестре. Сейчас в нее входят литавры, большой и малый
барабаны, тарелки. Кроме них встречаются бубен или тамбурин, тамтам,
треугольник, колокола, кастаньеты, колокольчики, ксилофон, челеста,
вибрафон. Только некоторые среди этих очень разных инструментов обладают
звуками определенной высоты.
Как показывает название группы, звук получается, когда по инструменту
ударяют -- рукой, пальцами, металлической палочкой или специальной
колотушкой. Тарелки нужно ударять одна о другую, бубен -- просто
встряхивать.
В оркестр ударные инструменты пришли давно, однако только в XIX веке
ударная группа получила широкое применение. Ударные инструменты
подчеркивают ритм музыки, придают звучанию оркестра большую силу, а его
краскам -- большее разнообразие. Иногда они используются с целью
звукоподражания, например, для изображения грома, ливня и т. д. О каждом из
ударных инструментов вы можете узнать более подробно, прочитав
соответствующий рассказ в этой книжке.
УНИСОН. Итальянское слово < > означает однозвучный и произошло от
латинских unis -- один и sonus -- звук. Так называют слитное звучание двух
или нескольких звуков, совпадающих по высоте. Например, когда вы хором
поете одноголосную песню, вы поете ее в унисон. При унисонном звучании
между составляющими его голосами или инструментами возникает интервал
прима. * Ф *
ФАГОТ. Вспомним еще раз музыкальную сказку Сергея Сергеевича Прокофьева
<<эПетя и волк>>, о которой говорилось в рассказе, посвященном лейтмотиву.
Всех персонажей этой сказки изображают различные музыкальные инструменты:
кларнет, гобой, струнные... Прокофьев подбирал для характеристики каждого
персонажа тембр, который ярче всего его рисует. Роль дедушки в музыкальной
сказке <<эисполняет>> фагот.
У дедушки, наверное, должен быть низкий ворчливый голос (пожилые люди любят
поворчать на своих внуков!), может быть, немножко хриплый. Фагот как нельзя
лучше подходит к этой роли.
Появился фагот в начале XVI века, а с конца XVII века стал постоянным
участником оркестров и духовых ансамблей. В современном виде он существует
с начала XIX века.
[Image]
ФАГОТ
Фагот -- самый низкий по звучанию из деревянных духовых инструментов (еще
ниже него звучит только контрафагот). Трубка, в которой заключен воздух,
очень длинная, а поэтому играть на ней, как на флейте или кларнете, было бы
невозможно. Выход нашелся: трубку <<эсложили пополам>>. Диапазон фагота --
от си-бемоль контроктавы до ми второй октавы, тембр густой и грубоватый в
нижнем регистре. Очень быстрые, технически сложные пассажи на фаготе играть
трудно. Но все же фагот достаточно подвижен. Нередко исполняемая на нем
мелодия в быстром движении производит комическое впечатление.
Юмористический характер звучания у фагота отрывистых нот -- стаккато --
чудесно использовал Глинка для характеристики трусливого поклонника Людмилы
Фарлафа в опере <<эРуслан и Людмила>>: в сцене встречи Фарлафа с колдуньей
Наиной чередующееся стаккато двух фаготов передает его трусливую дрожь.
Но иногда фагот звучит трагически. Так, на фоне контрабасов, скорбную
сосредоточенную мелодию играет фагот соло в начале Шестой симфонии
Чайковского. И в симфониях Шостаковича фагот драматичен, патетичен, а
иногда -- весел или задумчив.
Контрафагот очень похож на фагот по тембру. Звук его полный, немного
хриплый. Диапазон по сравнению с фаготом сдвинут на октаву вниз.
Применяется он, как правило, для усиления басовых голосов оркестра.
ФАКТУРА. Латинское слово < > означает обработка, делание, а в
переносном значении -- устройство. Пожалуй, это последнее слово и определит
лучше всего, что такое фактура в музыке. Это самый склад, устройство
музыкальной ткани, совокупность ее элементов. А элементы фактуры, то, из
чего она складывается -- мелодия, аккомпанемент, бас, средние голоса и
подголоски.
Фактура бывает очень разнообразной. Музыканты говорят о плотной, аккордовой
фактуре или фактуре прозрачной, состоящей из двух -- трех мелодических
линий или мелодий и легкого аккомпанемента; о фактуре полифонической,
которая может быть и прозрачной и плотной, в зависимости от числа входящих
в нее голосов, и фактуре гомофонно-гармонической, то есть включающей в себя
самые различные элементы в любых нужных для композитора сочетаниях.
Таким образом, фактура -- это действительно <<эустройство>> музыкального
произведения, но устройство не <<эпо горизонтали>>, а <<эпо вертикали>>.
Фактура -- это словно бы <<эвертикальный разрез>> звучащего пласта.
ФАЛЬЦЕТ. Если вам приходилось слышать тирольские народные песни, так
называемые йодли, вы, наверное, обратили внимание на то, как необычно они
звучат. Мужской голос вдруг будто ломается, и слышатся высокие ноты совсем
другого тембра -- словно обесцвеченные. Это и есть фальцет (от итальянского
falso -- <<эложный>>) или фистула -- верхний регистр мужского голоса. В
профессиональном пении он используется крайне редко, только для особой
окраски звука.
ФАНТАЗИЯ. <<эАренский. Фантазия для фортепиано с оркестром на темы былин
Рябинина>>. <<эУвертюра-фантазия "Франческа да Римини">>. В этих названиях
присутствует одно и то же слово -- фантазия. Что же это означает?
Собственно, что оно означает, все вы прекрасно знаете. Не раз приходится
слышать любому, еще не достигшему взрослого возраста человеку: <<эВот еще
фантазии какие!>>, <<эБрось свои фантазии>>, <<эАх, ты, фантазер>>... И почти
всегда это звучит с укоризной.
Греческое слово phantasia переводится как <<эвоображение>>. Мы привыкли
употреблять его в значении -- причуда, вымысел. В музыке же фантазиями
стали называть произведения, своеобразные по форме, не укладывавшиеся в
рамки традиционных форм. <<эОн фантазирует>>, -- говорили иной раз об
импровизаторе. Так, в творчестве И. С. Баха фантазиями предварялись порою
органные фуги. Фантазии писали Моцарт, Бетховен, Шопен.
В XIX веке фантазии появились в программной музыке, там, где логика ее
развития должна соответствовать литературной программе. Такова <<эФранческа
да Римини>> Чайковского.
Другой распространенный тип музыкальной фантазии -- произведение,
сочиненное на темы, заимствованные композитором; темы народных песен,
оперных отрывков и т. п. Такова Фантазия Аренского. По радио вы можете
часто слышать фантазии на темы песен Дунаевского, Соловьева-Седого, на
музыку из оперетт и другие подобные этим оркестровые сочинения.
ФЕРМАТА. Итальянское слово <<эфермата>> (fermata) означает остановка,
задержка. В музыке им называется знак [Image]. Он ставится над нотой,
аккордом или паузой (реже -- в перевернутом виде под ними) и означает, что
исполнитель должен в этом месте увеличить длительность звука по своему
усмотрению.
ФЛЕЙТА. Это один из самых древних духовых инструментов. Археологи находят
изображения флейтистов на фресках Древнего Египта и Греции.
Возникшая из тростниковой дудки, флейта поначалу была простой деревянной
трубкой с отверстиями. В течение многих веков она совершенствовалась, пока
не приобрела современный вид. Раньше флейта была продольной, и держали ее в
вертикальном положении. Затем появилась так называемая поперечная флейта,
которую музыкант держит горизонтально. Этот вид флейты, усовершенствованный
в 1832 году немецким мастером Т. Бемом, постепенно вытеснил продольную, и
сейчас во все оркестры входит именно поперечная флейта.
[Image]
ФЛЕЙТА
Диапазон ее -- от до первой и до до четвертой октавы, нижний регистр
глуховатый, мягкий; средний и часть верхнего очень красивы, обладают нежным
и певучим тембром; самые высокие звуки пронзительные, свистящие.
В инструментальных ансамблях флейта принимала участие уже в XV веке.
Композиторов привлекало ее напевное звучание, а позднее, когда инструмент
усовершенствовался, -- богатые виртуозные возможности.
Флейте доступны самые сложные пассажи. Нередко она вступает в своеобразное
соревнование с колоратурным сопрано, которое отчасти напоминает и своим
тембром. Вспомните <<эСнегурочку>> Римского-Корсакова: колоратурным пассажам
дочери Мороза в начале оперы вторят <<эузорчатые>> наигрыши флейты.
Одна из применяемых в оркестре разновидностей этого инструмента -- флейта
пикколо (piccolo -- по-итальянски -- <<эмаленький>>). Она в два раза меньше
обычной флейты и звучит октавой выше. Ее резкий свист прорезает звучность
всего оркестра. Раньше флейту пикколо применяли лишь в тех музыкальных
эпизодах, в которых требовалось изобразить сражение, грозу, свист ветра.
Теперь же ей нередко поручают и мелодические партии.
В опере Римского-Корсакова <<эСказка о царе Салтане>> флейта пикколо играет
тему белки, грызущей золотой орех. В первом акте оперы Бизе <<эКармен>> две
флейты пикколо сопровождают хор мальчишек, бойко марширующих вслед за
солдатами.
ФОЛЬКЛОР. Знаете ли вы, как в далеком прошлом праздновали свадьбы на
Руси? Свадебная игра, как ее принято называть (во многих сказках вы,
наверное, слышали: <<эсыграли свадьбу>>), продолжалась несколько дней, а
иногда и несколько недель. Она складывалась из разнохарактерных сцен, то
лирических, то комических, а то и трагедийных, из различных игр и обрядов.
Очень большое место занимали в ней песни. Звучали песни торжественные,
величальные, славящие невесту и жениха; шуточные, комические, иногда
пародийные, чаще всего высмеивающие сватов; гостевые, застольные; веселые
плясовые. Много песен должна была петь невеста: она причитала, прощаясь с
родной семьей и девичьей долей, страшась неизвестного будущего в чужой
семье. Хоровые песни исполняли подруги невесты на девичнике и в утро
венчания.
В наше время некоторые хоровые коллективы воссоздают на сцене основные
моменты старинной свадьбы. <<эВсе в этом своеобразнейшем национальном
действии -- песни, хороводы, диалоги, прибаутки, движения, костюмы --
проникнуто мудростью и целомудренностью, красотой сердца русского народа>>,
-- написано в газете <<эПравда>> о <<эсценах русской народной свадьбы>>,
поставленных в 1945 году Государственным русским народным хором имени
Пятницкого.
Не только свадьба игралась в народе так ярко и красочно. Вся жизнь наших
предков сопровождалась пением, игровыми действиями. Существуют песни
бытовые: колыбельные, шуточные, лирические; песни-причитания, оплакивающие
умерших; песни-сказы, былины, повествующие о далеком прошлом. Множество
песен связано с годовым земледельческим кругом: все сельские работы, все
календарные праздники нашли в них свое отражение.
Это огромное песенное богатство объединяется термином <<эфольклор>> --
народное творчество.
В отличие от подавляющего большинства терминов, ведущих свое происхождение
от латинских и древнегреческих слов, этот термин пришел к нам из
староанглийского языка Быть может потому, что относится он не только к
музыке. Английское folk -- народ; -- учение. Вместе эти слова -- folklore
-- переводятся как <<энародная мудрость>>. Именно так, уважительно и даже
возвышенно, принято во всем мире называть устное народное творчество
музыкальное и литературное.
Название это глубоко справедливо. В самом деле: в произведениях устного
народного творчества воплотились народный опыт, традиции, мировоззрение, то
есть действительно передана народная мудрость.
Музыкальный фольклор -- это народные песни и танцы, былины и
инструментальные наигрыши. В отличие от профессиональной музыки, фольклор
не знает авторства. Произведение живет в устной традиции, передается от
одного исполнителя к другому, подчас видоизменяется. Поэтому фольклористы
(так называются те кто изучает народное творчество) в разных местах от
разных исполнителей записывают порою очень отличающиеся друг от друга
варианты одной и той же песни или былины. <<эПесни народные, как музыкальные
организмы, отнюдь не сочинения отдельных музыкально-творческих талантов, а
произведение целого народа>>, -- писал в свое время видный русский
композитор и музыкальный критик А. Н. Серов.
Но фольклор -- это не только народная мудрость. Это еще и проявление души
народа. Нельзя спутать русскую песню с грузинской, с негритянскими
спиричуэлс или с блюзами, как нельзя неаполитанский напев спутать с
шотландским наигрышем. Потому что каждая из них -- порождение всей жизни
народа, его истории, его быта.
Народная песня, и шире -- весь музыкальный фольклор, -- это основа
профессионального композиторского творчества. <<эСоздает музыку народ, а мы,
художники, ее только аранжируем>>, -- сказал когда-то Михаил Иванович
Глинка. Во многих произведениях русских композиторов мы слышим напевы
народных песен, ритмы танцев. И вся без исключения русская музыка
проникнута почерпнутыми из родного фольклора интонациями, мельчайшими
оборотами, которые и создают отличие одной национальной музыкальной
культуры от другой.
ФОРТЕПИАНО. Зайдите в нотный магазин. На витрине, на полках лежат ноты:
сборники фортепианных пьес и этюдов, сочинения для голоса или какого-нибудь
инструмента с фортепиано, фортепианные переложения оркестровых
произведений... А скажите, задумывались ли вы когда-нибудь, что это,
собственно, за инструмент -- фортепиано, и почему оно занимает такое важное
место в музыке?
Конечно, вы знакомы с роялем. Его можно увидеть в концертных залах, во
Дворце пионеров, в музыкальной школе. Его вы видите на экранах телевизоров.
Он, большой и важный, стоит на почетном месте -- на эстраде, а иногда, в
торжественных случаях, у него поднимают крышку, и рояль становится похожим
на огромную диковинную птицу, взмахнувшую крылом.
--- Table start-------------------------------------------------------------
[Image] | РОЯЛЬ |
--- Table end---------------------------------------------------------------
Пианино вы, наверное, видели в школе или клубе, а возможно, оно есть у вас
или у ваших знакомых. Пианино гораздо скромнее своего <<эзнатного>>
родственника, занимает меньше места. Да и звук у него слабее, чем у рояля.
И на пианино, и на рояле играют совершенно одинаково, притом одни и те же
пьесы, на нотах которых написано: фортепианные. В чем же тут дело? Почему
такое странное название?
Чтобы ответить на эти вопросы, попробуем отправиться в путешествие в
далекое прошлое.
Очень-очень давно, в Древней Греции, еще во времена Пифагора, о котором
каждый школьник знает по знаменитой теореме, существовал музыкальный
инструмент, который называли монохордом (monos -- по-гречески один, chorde
-- струна). Это был длинный и узкий деревянный ящик с натянутой сверху
струной. От ящика, сделанного из специального дерева, зависели тембр и
громкость звука. Струна плотно прикреплялась к ящику неподвижными
подставками, а кроме них была еще одна -- подвижная. Она передвигалась по
струне, то укорачивая звучащую часть ее, то снова удлиняя и тем изменяя
высоту звука.
--- Table start-------------------------------------------------------------
[Image] | МОНОХОРД |
--- Table end---------------------------------------------------------------
Постепенно к одной струне стали прибавляться другие. Играли на них,
защипывая струны пальцами или особыми пластинками -- плектрами
(медиаторами), а иногда -- ударяя по струне палочками, молоточками.
Шли века, инструмент продолжал совершенствоваться. Ящичек стал
прямоугольным, а на одной из его сторон разместилась клавиатура, то есть
ряд клавиш (от латинского clavis -- ключ). Теперь играющий нажимал на
клавиши, а они приводили в движение так называемые тангенты --
металлические пластинки. Тангенты касались струн, и те начинали звучать.
Этот инструмент стал называться клавикордом (от латинского clavis и
греческого chorde). Его должны были ставить на стол и играть стоя.
Конечно, никто не считал этот инструмент пределом совершенства. Он возник,
как считают ученые, в XII веке, и на протяжении целых пяти веков мастера
разных стран старались его улучшить. Чтобы звук стал сильнее, решили на
каждую клавишу ставить не одну, а несколько струн, увеличили размер ящика.
Со временем у клавикорда стали делать несколько клавиатур. Они помещались
одна над другой в виде лесенки. Каждой клавиатуре соответствовал
определенный регистр инструмента.
Звук клавикорда был очень нежным и певучим. Исполнитель по своему желанию
мог играть громче или тише. Слегка покачивая клавишу, он тем самым
раскачивал струну, вызывая своеобразное трепетание звука. Современники
писали о клавикорде: <<эОн более пригоден для домашней и нежной музыки,
нежели для эстрады или больших помещений>>. Он служит <<...утешением в
страданиях и другом, участвующим в веселии>>.
--- Table start-------------------------------------------------------------
КЛАВИКОРДЫ | [Image] |
--- Table end---------------------------------------------------------------
Но был у клавикорда и существенный недостаток: несмотря на все
усовершенствования, большой громкости звука так и не удалось добиться.
Конечно, <<эутешал в страданиях>> клавикорд только очень богатых людей. Ведь
он был предметом роскоши, украшением гостиных и салонов. Поэтому клавикорды
делали нарядными, красиво изукрашенными перламутром, черепахой,
драгоценными породами дерева. В конце XVII века во Франции нижние клавиши
(те, что в современных роялях делаются белыми) стали вытачивать из черного
дерева, а верхние обкладывали слоновой костью. Говорят, это делалось для
того, чтобы на темном фоне лучше выделялись изящные белые руки знатных
дам-клавикордисток. Однако играть на такой клавиатуре было не очень удобно:
темные клавиши сливались, границы между ними оказывались незаметными. И в
XVIII веке расположение цветов на клавиатуре изменилось. Оно стало таким,
какое мы видим и теперь у пианино и роялей.
Клавикорд был не единственным клавишным инструментом. Одновременно с ним
возник и развивался другой, похожий на него и в разных странах называвшийся
по-разному: клавицимбал, чембало, вирджинал, клавесин. Последнее название,
самое распространенное, в конце концов стало общим, собирательным для всех
разновидностей этого инструмента.
|
