Михеева Людмила - Музыкальный словарь в рассказах - Скачать бесплатно

или, попросту, половинки ([Image] [Image]); четверти
([Image] [Image] [Image] [Image]); восьмые ([Image]); шестнадцатые
([Image]) и так далее. Если восьмые и более мелкие длительности попадаются
по одной, их изображают вот так: [Image]. Есть и соответствующие по
длительности значки для пауз-перерывов в звучании. Если длительность ноты
или паузы нужно увеличить в полтора раза, к ней справа приписывают точку.
Например, звук, который должен тянуться три четверти (то есть половину и
четверть) изображается так: [Image]; звук длительностью в три восьмых --
так: [Image]. Бывают и особые, <<энечетные>> длительности -- триоли,
квинтоли и т. д., то есть звуки, которых на одну единицу, например,
половину или четверть, приходится, соответственно, по три, пять и т. д. Они
пишутся так: [Image] или другим подобным образом.

ДОМБРА. Тридцать лет назад, в начале 50-х годов, археологи производили
раскопки в Средней Азии, в тех местах, где когда-то располагалось древнее
государство Хорезм. Среди других находок им попалось несколько терракотовых
статуэток. Статуэтки изображали музыкантов, которые держали в руках
инструменты. В этих двухструнных щипковых инструментах ученые узнали
предков домбры, и поныне широко распространенной в Киргизии и Казахстане.

Домбра -- родственница русских домры и балалайки. Две ее струны натянуты на
небольшой корпус грушевидной формы и очень длинный гриф, разделенный ладами
(что это такое, посмотрите в рассказе о балалайке). Настроены струны в
кварту или квинту. Звук из них извлекается щипком, ударом кисти или
медиатора.

Игрой на домбре сопровождают свое пение народные сказители - акыны.

[Image]
ДОМБРА

ДОМИНАНТА. Этим торжественным словом (по-латыни dominus -- господин,
dominantis -- господствующий) называется пятая ступень гаммы. Такое
название она получила потому, что является очень важной, опорной ступенью.
Она расположена на квинту (см. Интервал) выше основного, тонического звука
гаммы и поэтому называется иногда верхней доминантой. А на квинту вниз от
тоники расположена нижняя доминанта, которую обычно называют субдоминанта.
Так же называются и аккорды, построенные на этих ступенях.

Доминанту и субдоминанту условились обозначать латинскими буквами D и S.
Кроме того, их обозначают римскими цифрами V и IV, в соответствии со
ступенями, на которых они расположены.

ДОМРА. Многие из вас, наверное, видели этот струнный щипковый инструмент
с овальным корпусом, длинным грифом и натянутыми на них тремя -- четырьмя
струнами.

Домра входит в состав оркестра народных инструментов, причем в нескольких
видах -- пикколо, малая, альтовая, басовая и контрабасовая.

[Image]
ДОМРА

А сто лет назад никто не знал, как выглядит домра. Ни одного инструмента не
существовало в России, и даже рисунков ее не сохранилось: в XVII веке ее
казнили, как преступницу.

В средневековой Руси домра была основным инструментом народных музыкантов и
актеров-скоморохов. Скоморохи ходили по селам, по городам, устраивали
веселые представления. Но они не только веселили народ. В своих шутейных
представлениях они высмеивали пороки и часто затрагивали сильных мира сего.
Позволяли себе шутки, не всегда безобидные, и над христианской религией.
Это вызывало гнев властей, как церковных, так и светских. Начались
преследования скоморохов. Их жестоко наказывали, ссылали, а порою и
казнили. Вместе с ними преследовали и домру. И она исчезла.

Лишь в самом конце XIX века руководитель первого оркестра русских народных
инструментов В. В. Андреев, интересовавшийся не только балалайкой, но и
другими русскими народными инструментами, нашел изображение домры и по нему
восстановил инструмент, а потом создал и целое семейство домр, аналогичное
семейству балалаек.

ДУДА (иначе называется дудка или сопель) -- см. Волынка.

ДУХОВОЙ ОРКЕСТР -- см. Оркестр.

ДУХОВЫЕ ИНСТРУМЕНТЫ. Так называются музыкальные инструменты, в которых
звук возникает благодаря колебанию воздуха в полой трубке. Одни из них
прямые и сравнительно короткие, как у кларнета, флейты или гобоя. Другие
длинные, для удобства <<эсвернутые>>, как у фагота, валторны, трубы. Одни
изготовляются из дерева, другие -- из металла. И форма инструментов, и
материал, из которого они сделаны, имеют большое значение: они определяют
характер, окраску звучания, то есть тембр. Особую роль играет материал:
ведь звук у металла совсем иной, чем у дерева. Поэтому духовые инструменты
делятся на две группы -- деревянные и медные. Но все они имеют одно общее
качество: в отличие от клавишных и струнных инструментов они одноголосны.
Каждый инструмент может исполнить только одну мелодию. Поэтому в оркестре
применяются обычно по два и более инструментов одного вида.

ДУЭТ -- см. Ансамбль. * Ж *

ЖАЛЕЙКА. Сейчас жалейку (иначе она называется брелка) можно увидеть,
пожалуй, только в оркестре русских народных инструментов. А когда-то она
была широко распространена по России, Белоруссии, Украине и Литве.

--- Table start-------------------------------------------------------------
[Image] | ЖАЛЕЙКИ |
--- Table end---------------------------------------------------------------


Как и самый близкий ее родственник, пастуший рожок, жалейка -- небольшая
трубка из дерева или тростника. Только у рожка, который делается еще и из
бересты, трубка расширяется и заканчивается раструбом, а у жалейки нижний
конец цилиндрической трубки вставляется в раструб из коровьего рога или
бересты.

В боковых стенках трубки есть несколько отверстий. Зажимая их пальцами,
можно извлекать звуки различной высоты.

Тембр жалейки пронзительный и гнусавый. Жалейка невелика -- всего
сантиметров десять. Рожок бывает значительно длиннее, поэтому его иногда
сгибают, как трубу или валторну.

ЖАНР. В литературе, музыке и других искусствах за время их существования
сложились различные виды произведений. В литературе это, например, роман,
повесть, рассказ; в поэзии -- поэма, сонет, баллада; в изобразительном
искусстве -- пейзаж, портрет, натюрморт; в музыке -- опера, симфония... Род
произведений в пределах одного какого-то искусства называют французским
словом жанр (genre).

Не все музыкальные жанры возникли в одно время. Опера, например, родилась в
Италии в конце XVI века, а симфоническую поэму создал в середине XIX века
Ференц Лист.

За время своего существования различные жанры сильно изменялись, но все
сохранили при этом свои основные признаки. Так, опера -- это произведение
для музыкального театра, которое имеет сюжет, ставится в декорациях и
исполняется артистами-певцами и оркестром. Ее не спутаешь с балетом или
симфонией. Но ведь и оперы бывают разные: исторические, героические,
комические, лирические... Все они имеют свои характерные черты, хотя
принадлежат к одному и тому же оперному жанру. И тогда, когда нам надо
уточнить, о каком именно виде оперы идет речь, мы снова, но в более узком
значении слова, употребляем термин жанр. Мы говорим: жанр лирической оперы,
жанр музыкальной драмы, жанр эпической оперы... Внутри общего понятия
(жанра) вокальной музыки мы различаем жанры романса, песни и т. д.

Есть у этого термина еще одно значение. Может быть, вам приходилось
слышать, как о художнике говорят: он жанрист. Это значит, что художник
создает картины на бытовые сюжеты. Такие картины писал, например, В. Перов.
Из живописи слово жанр в таком значении перешло в другие искусства, в том
числе и в музыку. Если мы говорим о каком-нибудь произведении: <<эВ нем есть
жанровые эпизоды>>, -- это значит, что композитор ввел в него песню, танец
или марш.

ЖЮРИ. Вы, может быть, не догадываегесь, но у этого слова, которое звучит
во французском произношении, хотя и происходит от английского термина, в
русском языке есть много родственников. Юрист, юридические и тому подобные
слова -- все они, оказывается, родственники.

Первоначальное значение английского слова jury переводилось, как суд
присяжных. Вы спросите, что общего между судом присяжных и жюри?
Оказывается -- есть.

Жюри -- это комиссия, состоящая (как и суд присяжных) из нескольких человек
и присуждающая (видите -- тот же корень!) на музыкальных конкурсах премии и
почетные дипломы, определяющая, какое место занял тот или иной участник. В
состав жюри входят самые авторитетные, самые компетентные музыканты. Судить
участников международных конкурсов обычно приглашают музыкантов из разных
стран -- крупнейших педагогов, музыкантов-исполнителей, композиторов. * З
*

ЗАПЕВ -- см. Куплет.

ЗАПЕВАЛА. У вас в школе, наверное, есть хор. Может быть, и сами вы в нем
поете. И тогда, конечно, знаете, что есть в нем один или два особенно
голосистых участника, мальчик или девочка. Именно им обычно поручают
запевать песню, которую потом все дружно подхватывают. Это и есть запевала
-- солист, который исполняет запев песни; а весь хор подхватывает припев.

Со временем слово запевала стало употребляться и в переносном смысле.
Сейчас его часто применяют в значении зачинателя какого-то дела, того, кто
идет впереди и увлекает за собой других. Это и не удивительно. Ведь
где-нибудь в походе, в трудных условиях, когда песня -- не концертный
номер, а помощник, который подбадривает, прибавляет сил, помогает идти
вперед, запевалой становится вовсе не тот, у кого просто лучше, красивее
голос. Запевает бодрую песню тот, кто сильнее духом, у кого крепче воля,
кто умеет преодолевать трудности и вести вперед.

ЗВУК. Мы живем в океане звуков. Мир вокруг нас наполнен и даже, порою,
переполнен звучаниями. Стук захлопнувшейся двери, звон водопроводной струи,
непрерывный гул машин за окном, шум трамвая, голоса разговаривающих людей,
гул пылесоса, жужжание электробритвы. Это город. Это его голос. Или
стрекотание сверчка, разноголосый хор птиц, шелест листьев, шум далекой
электрички, пыхтение теплохода на реке, доносящиеся откуда-то гудки... Все
это звуки. Мы слышим их. Благодаря им мы полнее, ярче воспринимаем
окружающее.

Что же такое звук? С точки зрения физики это волна. Волна, которая
возникает в результате колебания какого-то упругого тела. Его колебание
передается воздуху, а воздушная волна, в свою очередь, действует на нашу
барабанную перепонку, и мы слышим звук.

Но звуки бывают очень разные. Те, что слышатся вокруг нас и создают
постоянный фон нашей жизни -- звуки, не организованные в какую-то стройную
систему, не связанные между собой. И звуки, обладающие особыми свойствами:
более чистые, более звонкие, обладающие определенной высотой, обладающие
смысловой выразительностью -- звуки музыкальные. Издают их музыкальные
инструменты или голос -- тоже своего рода музыкальный инструмент, притом
самый совершенный. Звуковая волна в них возникает от колебания струны,
металла, натянутой кожи или, наконец, столба воздуха, заключенного внутри
металлической или деревянной трубки.

Звуки различаются между собой по высоте; по длительности, то есть
протяженности, продолжительности звучания; по тембру -- специфической
окраске, которая зависит от материала, величины и формы инструмента, от
способа звукоизвлечения; и, наконец, по динамике, то есть силе звучания.
Обо всех этих свойствах вы можете прочесть в рассказах <<эВысота звука>>,
<<эДлительность>>, <<эТембр>> и <<эДинамические оттенки>>.

Звуков неизмеримо много, но в музыке может быть применено сравнительно
ограниченное количество. Возникают эти ограничения как из-за свойств самих
звуков, так и из-за особенностей человеческого восприятия.

Так, например, чересчур высокие или чересчур низкие звуки наше ухо не
воспринимает. Это так называемые ультразвук и инфразвук. Они применяются
человеком. Ультразвуком лечат; инфразвук действует на психику: вызывает
чувство страха. Другими словами, мы их воспринимаем, но не в качестве
звука. Или ограничения в длительности: самым коротким может быть звук,
который человек все же способен издать или извлечь из инструмента, а вот
протяженность его не может быть чрезмерной. Есть границы и для динамики:
чересчур сильный звук перестает быть эстетической категорией. Он может даже
причинить настоящую физическую боль, не говоря уже об отрицательном
воздействии на психику. Кстати, поэтому вредно распространившееся в
последние годы увлечение слишком громкими звучаниями. Не следует включать
на полную мощность магнитофон, проигрыватель или радиоприемник. Самое
меньшее, к чему это приведет -- ухудшение слуха, частичная глухота.

В XX веке появились особые виды музыки -- так называемая конкретная и
электронная музыка. В конкретной музыке используются немузыкальные звуки,
такие, как шорохи, различные шумы и стуки, визг пилы и прочие, которые
композитор организует по своему усмотрению. В электронной музыке слышны
звуки, возникающие или преобразованные при помощи различных приборов. И тот
и другой виды музыки часто применяют в кинофильмах. Особенно любят
композиторы использовать электронные звучания в фантастических фильмах.

ЗУРНА. Этот древний инструмент, предшественник гобоя, и сейчас широко
известен в Армении и Грузии, Азербайджане и Дагестане, в Узбекистане и
Таджикистане.

[Image]
ЗУРНА

Зурна -- деревянная трубка с раструбом и несколькими отверстиями на боковых
стенках. Диапазон ее звучания невелик -- около полутора октав, а тембр
яркий и пронзительный. Поэтому играют на зурне обычно на открытом воздухе,
сопровождая народные танцы.

Как правило, один зурначи (так называют исполнителя на зурне) играет
мелодию, а другой вторит ему долгими протяжными звуками. Есть в этом
ансамбле и третий музыкант: он выбивает сложный, прихотливый ритм на
ударном инструменте. * И *

ИМИТАЦИЯ. Это латинское слово (imitatio) означает подражание. Имитировать
-- значит подражать. В искусстве, да и в жизни, имитация встречается очень
часто. Почти каждый человек умеет имитировать манеру разговора, жесты и
мимику других людей, пение птиц, голоса животных. В некоторых видах
искусства -- в театре, в кино, в радиопередачах и телеспектаклях часто
приходится изображать -- имитировать -- шум дождя, свист ветра, удары
грома, гул морского прибоя и другие звуки.

В музыке термин <<эимитация>> означает особый прием развития. Им принято
называть повторение мелодии, которая только что прозвучала в другом голосе
или у другого инструмента. Чаще всего имитация встречается в произведениях
полифонического склада (термины <<эполифония>> и <<эгомофония>> объясняются в
рассказе о многоголосии). Если вам приходилось слушать фуги Баха или
Шостаковича, то вы, наверное, заметили, что начинается фуга одноголосно.
Затем мелодию, исполненную первым голосом, повторяет второй -- от другого
звука. Далее с той же мелодией вступает третий, а затем и четвертый голос.

Имитация встречается и в гомофонной музыке, однако если в полифонической
она -- основной и совершенно непременный прием сочетания голосов, то в
музыке гомофонно-гармонического склада она используется лишь изредка.

ИМПРОВИЗАЦИЯ. Обычно композитор, сочиняя какое-нибудь произведение,
предварительно обдумывает его, делает наброски, а потом уже записывает
сочинение на нотной бумаге, тщательно отделывая каждую деталь.

Но бывает и так: музыкант садится за рояль, берет несколько несвязных
аккордов, а затем, словно размышляя, начинает играть. Звучат пассажи,
возникают и исчезают мелодии, вновь сменяясь разливами пассажей... Спросите
этого музыканта, что он играл, и он ответит: да так, ничего, просто
импровизировал.

Латинское слово improvisus означает -- непредвиденный. Импровизировать --
значит играть, одновременно сочиняя, или, вернее, сочинять без
предварительной подготовки, тут же исполняя сочиненное.

Бывают импровизаторы не только музыканты, но и поэты. Об одном из
поэтов-импровизаторов рассказывает Пушкин в оставшейся незаконченной
повести <<эЕгипетские ночи>>.

В старину искусство музыкальной импровизации было развито очень широко.
Каждый музыкант, выступая в концерте, должен был импровизировать по заказу
публики произведение в определенной форме -- вариаций, фуги, сонаты, на
тему, предложенную кем-нибудь из присутствовавших.

Рассказывают такой случай. В XVII и XVIII веках было принято устраивать
состязания между исполнителями. И вот, осенью 1717 года в Дрезден приехал
весьма модный французский органист, клавесинист и композитор Луи Маршан.
Туда же вызвали Иоганна Себастьяна Баха, в то время еще мало кому
известного немецкого музыканта.

За день до назначенного состязания Бах явился в королевский дворец
послушать своего конкурента. Маршан играл блестяще. Ему много аплодировали,
а потом предложили и немецкому музыканту <<эпопробовать инструмент>>. Бах
тут же повторил песенку, на тему которой импровизировал Маршан, и
варьировал ее с огромным искусством, совершенно затмив соперника. Потом Бах
написал на листочке бумаги мелодию и передал ее Маршану. Это была тема, на
которую французский музыкант должен был назавтра импровизировать. Бах, в
свою очередь, попросил у Маршана тему для своей импровизации.

На следующий день придворное общество долго ожидало прибытия во дворец
знаменитого француза, но он так и не явился. Оказалось, что он бежал, не
решившись соперничать с гениальным импровизатором.

А вот отрывок программы одного из концертов маленького Моцарта (вы,
наверное, знаете, что Моцарт с самого раннего возраста проявил себя как
гениальный музыкант. В шесть -- семь лет он уже выступал с концертами в
разных странах):

<<6. Ария, которую господин Амадео (так звали Моцарта в Италии) тут же
сочинит на предложенные ему стихи и затем исполнит, аккомпанируя себе на
клавикорде.

7. Соната на тему, которую предложит по своему выбору первый скрипач
оркестра, сочинит и исполнит господин Амадео...

10. Фуга на тему, предложенную экспромтом...>>

В одном итальянском городе слушатели, которые не могли поверить, что
ребенок способен так вдохновенно импровизировать, потребовали, чтобы он
снял с пальца кольцо. Они решили, что кольцо волшебное и управляет руками
мальчика. Конечно, сняв кольцо, Моцарт продолжал играть так же хорошо.

Великолепным импровизатором был и Бетховен, и многие другие композиторы
прошлого. О гениальном скрипаче и композиторе Никколо Паганини, например,
рассказывали, что лучшие его произведения -- не те, что записаны, изданы и
известны всем, а те, что он импровизировал по настроению и никогда больше
не повторял.

В наше время искусство импровизации почти совсем забыто. Лишь крайне редко
встречаются музыканты, способные сочинять <<эна глазах у публики>>.
Произошло это прежде всего потому, что в музыке, как и во всех областях
нашей жизни, господствует <<эузкая специализация>>: композиторы теперь не
являются одновременно концертирующими музыкантами-исполнителями, а
профессиональные инструменталисты-концертанты, как правило, не обладают
выдающимися композиторскими данными. Старые традиции импровизирования
сохранились разве лишь у некоторых органистов.

Так, в начале 60-х годов в нашу страну на гастроли приезжал Томанер-хор --
хор лейпцигской церкви святого Фомы, в которой когда-то давно многие годы
работал И. С. Бах. Руководитель хора Гюнтер Рамин импровизировал на
клавесине прелюдию и фугу, темы для которых ему предложили советские
музыканты, присутствовавшие на концерте.

ИНВЕНЦИЯ. Этим словом, означающим по-латыни <<эизобретение>> (inventio),
И. С. Бах назвал небольшие полифонические пьесы, которые он сочинял
специально для своих учеников. Это были своего рода упражнения, необходимые
для того, чтобы овладеть приемами исполнения сложных полифонических
произведений, в частности -- фуг.

Название для своих пьес композитор подобрал чрезвычайно точно, так как его
инвенции действительно полны выдумок, остроумных сочетаний и чередований
голосов.

Но инвенции -- не только упражнения. Это яркие художественные произведения,
в каждом из которых воплощено определенное настроение. Бах считал, что его
инвенции могут помочь начинающему музыканту не только исполнять, но и
сочинять музыку. Вот как он определил в предисловии к инвенции их
назначение: <<эЧистосердечное руководство, дающее возможность любителям
клавирного искусства и в особенности жаждущим его изучения не только
научиться чисто играть двухголосие, но при дальнейших успехах уверенно и
умело обращаться и с трехголосием... выработать певучую манеру игры и,
вместе с тем, развить в себе сильное предрасположение к композиции...>>

ИНСТРУМЕНТОВКА. Сочиняя оркестровое произведение, композитор представляет
его себе во всем богатстве разнообразных тембров. Но записывает, как
правило, музыку сначала двустрочно в виде так называемого клавира, лишь в
отдельных случаях помечая около той или другой ноты: это играет тромбон;
это -- гобой; здесь вступают скрипки. Далеко не случайно поручает автор те
или иные эпизоды своей музыки одним или другим инструментам.

Совсем не все равно, какой инструмент будет играть мелодию, сопровождение к
ней, какой-то подголосок или длинные выдержанные аккорды... Можно ли,
скажем, поручить тяжеловесной и неповоротливой тубе быстрые пассажи? А
нежную поэтичную мелодию фаготу в низком регистре? Конечно, с этой
<<эролью>> лучше справятся скрипки, флейты или гобои. Зато туба необходима
для того, чтобы создать в звучании басовую опору, а несколько тромбонов
блестяще исполнят торжественные аккорды.

Композитор всегда точно учитывает характер звучания, особенности тембра и
силу звука различных инструментов.

После того, как музыка сочинена, композитор создает оркестровую партитуру,
в которой записывает партии всех инструментов. Процесс создания оркестровой
партитуры и называется инструментовкой. Бывает, что композитор сразу, без
предварительных эскизов, пишет партитуру.

Инструментовка -- очень важное выразительное средство музыки, которое
глубоко индивидуально у каждого композитора. Н. А. Римский-Корсаков
определил ее как <<эодну из сторон души самого сочинения>>. Сам он был одним
из непревзойденных мастеров инструментовки. Все оркестровые сочинения
Римского-Корсакова, наряду с содержательностью, отличаются яркой
красочностью, нарядностью и блеском.

Иногда слово инструментовка заменяют другим -- оркестровка. Но оно имеет
несколько иной оттенок. Чаще его употребляют, когда речь идет о переложении
для оркестра произведения, написанного для какого-нибудь инструмента или
для другого состава инструментов. Так, часто исполняются в концертах
оркестровые переложения Венгерских рапсодий Листа. А ведь композитор писал
их для фортепиано. Существуют оркестровые переложения <<эКартинок с
выставки>> Мусоргского, фортепианной фантазии Балакирева <<эИсламей>> и
множества других сочинений.

Термин <<эинструментовка>> имеет еще одно значение. Так называется учебная
дисциплина, которую изучают в консерваториях. Студентов -- композиторов и
музыковедов -- учат инструментовать музыку, объясняют особенности каждого
инструмента, законы их сочетания. Показывают, какие тембры хорошо
сливаются, сочетаются друг с другом, а какие соединять не рекомендуется.
Как распределить между разными инструментами звучность, чтобы все хорошо
прослушивалось, чтобы одни инструменты не заглушали другие.

ИНТЕРВАЛ. Общепринятое значение слова интервал безусловно известно всем.
Как указывает латинский <<эпрародитель>> слова -- intervallum -- это
промежуток, расстояние. Мы часто встречаемся с ним в повседневной жизни.
Например, на остановке автобуса написано: <<эИнтервал в часы пик пять
минут>>.

В музыке интервал -- тоже расстояние. Но не во времени, а в высоте звуков.
Подойдите к роялю или пианино, которое наверное стоит у вас в школе, Доме
пионеров или клубе. Нажмите клавишу. Зазвучит какая-то нота. Повторите ее.
В музыке это тоже считается интервалом -- самым маленьким из всех
возможных. Называется он прима (по-латыни prima -- первая). Если нажать две
расположенные рядом белые клавиши, получится следующий по величине интервал
-- секунда (secunda -- вторая).

Посмотрите внимательно на клавиатуру: между белыми клавишами в определенном
порядке расположились черные. Кое-где две белые находятся рядом, а кое-где
черная отделяет две белые друг от друга. Если между нажатыми вами белыми
клавишами черной не оказалось, то расстояние между звучащими нотами --
полтона. Эта секунда называется малой. Если же черная клавиша между ними
есть, то расстояние между двумя звуками вдвое больше -- два полутона или
целый тон. Эта секунда называется большой.

Если нажать клавиши через одну белую (тогда между ними окажутся еще и одна
или две черных), то зазвучит красивый, благозвучный интервал терция (tertia
-- третья). В зависимости от расстояния в полтора или два тона (теперь уже
вы сами можете это подсчитать) терция получится малая или большая. Именно
по терциям часто располагаются звуки в аккордах.

Следующие интервалы называются кварта (четвертая), квинта (пятая), секста
(шестая), септима (седьмая), октава (восьмая). Октава -- очень важный
интервал. Существует октавная периодичность звуков. Восьмой повторяет
первый, но звучит октавой выше. Поэтому и названий звуков всего семь -- до,
ре, ми, фа. соль. ля, си,.. а дальше снова до, ре...

Нижний звук каждом интервале называется основанием, верхний -- вершиной.
Как вы уже заметили, интервалы отличаются один от другого не только своей
шириной (она определяется названием), но и качеством (то есть, какой он).
Некоторые интервалы бывают большие или малые, другие -- чистые, уменьшенные
и увеличенные. Впрочем, увеличенными могут быть все интервалы без
исключения, а уменьшенными все, кроме примы, которой уменьшаться некуда.

Существуют интервалы и больше октавы. Они называются составными: это,
например, нона (секунда через октаву), децима (терция через октаву) и др.

Звуки, составляющие интервал, могут быть взяты последовательно, один за
другим. Тогда получается мелодический интервал. Если же извлечь оба звука
одновременно, получится гармонический интервал.

ИНТЕРМЕДИЯ. Случалось вам в театре или по телевизору познакомиться с
оперой Чайковского <<эПиковая дама>>? Если да, то вы, верно, помните третью
картину оперы Прием в богатом петербургском доме. Ждут самых знатных, самых
высоких гостей. Среди приглашенных -- и главные герои оперы: графиня с
внучкой Лизой, жених Лизы Елецкий, Герман, Развивается действие оперы,
происходят какие-то события, непосредственно с ним связанные, и вдруг...
<<эХозяин просит дорогих гостей прослушать пастораль под титлом
<<эИскренность пастушки>>, -- слышите вы. И начинается прелестная пастораль,
своего рода спектакль в спектакле: очаровательная пастушка отвергает богача
Златогора ради своего милого дружка, пастушка Миловзора. Пастораль изящная
сценка в стиле XVIII века, персонажи которой воспринимаются как ожившие
фарфоровые фигурки, останавливает основное действие оперы, на время
отвлекает от него. Тем напряженнее оно развернется в следующих картинах.

Это и есть интермедия (латинское слово < > означает находящаяся
посередине), то есть вставная пьеса, исполняемая во время перерыва в
основном театральном представлении. Когда-то такие интермедии были широко
распространены и в драматическом, и в оперном театре.

Из интермедий возник целый жанр -- комическая опера которая первоначально
не ставилась самостоятельно, а звучала в антрактах между действиями
серьезного спектакля, так называемой оперы-сериа.

Есть у слова интермедия еще одно значение. Так называется часть
полифонической пьесы -- фуги -- между двумя соседними проведениями темы.
Этому значению близок по смыслу другой термин: интерлюдия (по-латыни inter
-- между, ludus -- игра), которым называют также музыкальный отрывок или
небольшую пьесу, являющуюся своего рода связкой между двумя частями более
крупного произведения.

Еще один родственный термин -- интермеццо, происходящий от итальянского
intermezzo -- пауза, антракт. Так называется пьеса промежуточного значения,
находящаяся в циклических -- многочастных -- произведениях между другими,
более значительными. Ее роль -- оттенять их по характеру и настроению.
Иногда композиторы дают название интермеццо и самостоятельным пьесам, не
очень значительным по содержанию.

ИНТЕРПРЕТАЦИЯ. Пианист играл одну из последних мазурок Шопена. В ней были
изящество, пленительная легкость. Под пальцами музыканта возникала
очаровательная миниатюра, которой хотелось любоваться без конца. А через
несколько дней ту же мазурку исполнил другой пианист. Звучали те же ноты,
но что это?.. Воспринималась она совсем ло-другому. В ней слышались грусть,
мечтательность, неясные надежды...

Не будем сейчас выяснять, кто из музыкантов более верно понял мазурку.
Главное вот что: содержание каждого музыкального произведения настолько
обширно и многогранно, в нем заложено столько разнообразных возможностей,
что каждый исполнитель играет его по-своему. Он может подчеркнуть грацию
или мечтательность, сыграть строже или свободнее, выделить исполнением
основную мелодию или окружить ее мельчайшими мотивами-подголосками
аккомпанемента... Может по-своему расставить смысловые акценты, что-то
выделить динамически, где-то немножко ускорить или замедлить темп, и музыка
зазвучит совсем иначе.

Толкование музыкального произведения исполнителем и называется
интерпретацией (латинское interpretatio -- объяснение, толкование),
трактовкой. Но нельзя думать, будто исполнитель играет, не считаясь с
замыслом композитора, с указаниями, сделанными в нотах. Целью интерпретации
должно быть верное раскрытие замысла произведения. Исполнитель -- пианист,
дирижер, скрипач, певец -- стремится передать слушателям те чувства и
мысли, которые вложил в свою музыку композитор.

ИНТРОДУКЦИЯ. Наверное, нет такого любителя музыки, который не слышал бы
произведения для скрипки, называемого длинно и необычно: Интродукция и
Рондо каприччиозо. Автор его -- французский композитор Сен-Санс. Помните,
начинается оно довольно медленной, свободной мелодией, а после небольшого
вступительного раздела следует быстрая, прихотливая <<экапризная>> музыка. О
том, что означают слова рондо и каприччио, вы можете прочесть в посвященных
им рассказах. Ну а латинское слово introductio означает вступление. В
музыкальных произведениях так называется вступительный эпизод, по большей
части медленный, предваряющий вступление основных музыкальных тем. Бывают
интродукции перед оперным действием, частью кантаты или оратории. А Михаил
Иванович Глинка назвал интродукциями начальные сцены своих опер <<эИван
Сусанин>> и <<эРуслан и Людмила>>, те сцены, в которых еще не начинается
действие, а дается своего рода предисловие -- широко, крупными мазками
написанная картина к событиям, которые развернутся в дальнейшем. * К *

КАВАТИНА -- см. Ария.

КАДЕНЦИЯ. Если вам придется слушать -- в концертном зале или по
телевизору -- концерт для фортепиано, скрипки или виолончели с оркестром,
обратите внимание на конец его первой части. Звучит реприза (что это такое,
объясняется в рассказе о сонате). Слышатся те музыкальные темы, на которых
композитор построил первую часть. То сочетаются, то противостоят друг другу
оркестр и солирующий инструмент. Вот, кажется, уже совсем скоро
завершение... Но дирижер вдруг опускает палочку. Оркестр умолкает, и
начинается виртуозное соло. Это своего рода фантазия на темы концерта.
Сольный инструмент проявляет в ней все свои возможности. И быстрые пассажи,
и мощные аккорды, и певучие и энергичные мелодии сменяют одна другую. К
заключительному аккорду каденции присоединяется, по знаку дирижера,
оркестр, и уже вместе все музыканты завершают часть.

Когда-то, в XVIII веке, композиторы не сочиняли каденций. Каждый солист
импровизировал ее во время исполнения. Бетховен первый стал сочинять
каденции к своим концертам. Вслед за ним так стали поступать и другие
композиторы. И каденция приобрела более органичный характер, стала лучше
сливаться с формой всего сочинения.

У слова <<экаденция>> (от латинского cadere произошли итальянское cadenza и
французское cadence, что означает окончание) есть и другое значение: это
заключительный гармонический и мелодический оборот, завершающий небольшой
музыкальный эпизод, придающий ему законченность. В этом смысле чаще
употребляется слово каданс, то есть французский вариант термина.

КАМЕРНАЯ МУЗЫКА. В старину, когда не было концертных залов, филармоний,
инструментальная музыка и небольшие вокальные произведения исполнялись, в
основном, в домах любителей музыки. Собирались несколько друзей-музыкантов,
расставляли подставки для нот -- пульты, вынимали из чехлов и футляров
скрипки, альты, виолончели, а иногда и флейты и гобои, кто-то садился за
клавесин, и начинался домашний концерт. Звучали сонаты, трио, квартеты.
Иногда кто-нибудь пел под аккомпанемент клавесина или других инструментов.
Среди слушателей обычно было лишь несколько человек родственников и
знакомых.

Музицировали таким образом и в скромных домиках ремесленников, и в
аристократических салонах. Отсюда-то и пошло выражение -- камерная музыка
(camera по-итальянски -- комната), то есть музыка, предназначенная для
исполнения не в большом зале театра или в церкви, а в комнате, музыка
домашняя.

Понятно, что в комнате нельзя было играть симфонии, исполнять оперы или
оратории. Поэтому камерными называли произведения, написанные для
небольшого числа исполнителей -- сольные инструментальные пьесы, дуэты,
трио, квартеты, песни и романсы, которые можно было исполнить в домашних
условиях. И хотя со временем камерная музыка вышла из гостиных в концертные
залы, старое название ее сохранилось. Впрочем, и сейчас ее стараются
исполнять не в больших концертных залах, где обычно звучат симфонии и
оратории, а в меньших по размеру камерных залах.

КАМЕРТОН. Как проверить, правильно ли настроены фортепиано, скрипка,
виолончель? Как показать хору, поющему многоголосное произведение без
сопровождения, а капелла, звуки, с которых он должен начать петь? Для этого
существует специальный прибор -- камертон.

Иногда камертон сделан из металла в виде изогнутой пластинки. На месте
изгиба есть рукоятка с шариком на конце. Если легонько ударить по камертону
каким-нибудь твердым предметом, то свободные концы начинают дрожать --
вибрировать -- и слышится звук.

[Image]
КАМЕРТОН

Другой вид камертона -- маленькая трубочка, которaя издаeт звук если в нее
подуть. Обычно камертоны делаются так что они издают звук ля первой октавы.
Однако имеются камертоны, настроенные и на другие звуки.

Зная совершенно точно, как звучит одна нота, можно правильно настроить и
все остальные. Поэтому камертон очень нужен многим -- настройщикам роялей и
скрипачам, певцам, поющим без аккомпанемента, и дирижерам хоров.

КАНОН. По-гречески канон значит правило, образец. В жизни нам довольно
часто встречается это слово. Мы говорим: <<эПо строгим канонам...>>. Или
употребляем понятие канонический в смысле образцовый, подчиняющийся самым
строгим правилам. В музыке значение этого термина значительно уже. Так
называется многоголосная пьеса, в которой все голоса исполняют одну и ту же
мелодию, но не вместе, а вступая поочередно, иногда от одного и того же
звука, иногда -- от разных. Собственно говоря, канон -- это музыкальная
пьеса или ее эпизод, построенный на непрерывно проводимой имитации. Пример
такого эпизода -- дуэт Ленского и Онегина в сцене дуэли в опере Чайковского
<<эЕвгений Онегин>>. Еще недавно неразлучные друзья, они стоят один против
другого с пистолетами в руках. Мысли их одинаковы (<<эВраги! Давно ли друг
от друга нас жажда крови отвела?>>), поэтому мелодия одна и та же; но они
уже не вместе, они противники -- и поэтому их мелодии не совпадают по
времени, звучат каждая сама по себе. Так тонко, психологически обоснованно
использовал композитор старинную полифоническую форму,

Особая разновидность канона -- бесконечный канон. Мелодия в нем может
повторяться сколько угодно раз, переходя от окончания вновь к началу.

КАНТАТА -- см. Оратория.

КАНТЕЛЕ -- см. Гусли.

КАНТИЛЕНА. Так, от латинского cantilena -- распевное пение -- называется
широкая, свободно льющаяся мелодия. Прекрасные образцы кантилены есть в
операх Глинки, Чайковского, в операх и ораториях Прокофьева и Шостаковича,
в произведениях итальянских композиторов. Можно назвать этим словом и
многие русские народные песни.

КАПЕЛЛА. Всем любителям музыки хорошо известны такие хоровые коллективы,
как Ленинградская академическая капелла им. М. И. Глинки, Республиканская
хоровая капелла им. А. А. Юрлова. Однако слово капелла -- cappella -- в
переводе с итальянского означает <<эчасовня>>. Какое же отношение имеет
часовня к хору?

В католических храмах вот уже много веков богослужение сопровождается
музыкой. В соборах и крупных церквах издавна сооружались органы. Органисты
импровизировали, сопровождали своей игрой пение хора, и богослужение
получалось очень торжественным, производило сильное впечатление на
молящихся. А ведь это и нужно было церковникам. Но в маленьких церквах,
часовнях, органов не было. Хору там приходилось петь без сопровождения.
Поэтому со временем пение без инструментального аккомпанемента и стали
называть: <<экак в часовне>>. По-итальянски -- a cappella. А самый хор стали
называть капеллой.

Теперь это слово расширило свое значение. Им иногда называют не только
хоровой, но и инструментальный коллектив. Например, Капелла бандуристов
Украинской ССР.

КАПЕЛЬМЕЙСТЕР. В XVIII веке крупные аристократы часто заводили у себя
целый штат музыкантов -- оркестр, хор, солистов-певцов. Такой штат тоже
стал называться капеллой (см. о капелле предыдущий рассказ), а его
руководитель -- капельмейстером. Например, композитор Гайдн больше тридцати
лет прослужил капельмейстером в капелле князя Эстергази.

Первоначально обязанности капельмейстера были очень разнообразны. Он должен
был не только руководить всеми музыкантами, подбирать репертуар и сочинять
музыку, но и следить за состоянием музыкальных инструментов, за нотной
библиотекой, давать уроки пения, в общем заниматься всем, что соблаговолит
поручить ему господин.

Со временем у капельмейстера остались преимущественно дирижерские
обязанности. Еще позднее руководителя симфонического оркестра
капельмейстером называть перестали: этот термин относился до недавнего
времени только к дирижерам военного духового оркестра. Теперь же это звание
совсем вышло из употребления.

КАПРИЧЧИО. Итальянское слово < > означает каприз, прихоть. В
музыке оно или его производные встречаются довольно часто: так называют
пьесы, свободные по построению, капризного, изменчивого характера. Таково,
например, Итальянское каприччио Чайковского, написанное под впечатлением
его поездки в Италию. В этом оркестровом каприччио использованы
разнообразные народные напевы и ритмы, благодаря которым создается
красочная картина веселого итальянского карнавала.

Иногда употребляют не итальянскую, а французскую форму этого термина --
каприс (caprice). Широко известны скрипичные каприсы Паганини --
виртуозные, причудливые пьесы. Могли вы слышать и Вальс-каприс Рубинштейна,
написанный для фортепиано, но звучащий часто в оркестровом варианте.

КАСТАНЬЕТЫ. Этот своеобразный музыкальный инструмент ведет свое
происхождение из Испании. Под задорное щелканье кастаньет пляшут испанцы
болеро, сегедилью, хоту.

Кастаньеты принадлежат к числу ударных инструментов симфонического
оркестра. Применяют их довольно часто, как правило, в танцевальных
эпизодах: в испанских увертюрах Глинки <<эАрагонская хота>> и <<эНочь в
Мадриде>>, в испанских танцах из балетов Чайковского и Глазунова. В опере
Бизе <<эКармен>> во втором акте героиня танцует под кастаньеты, которыми она
выстукивает замысловатый ритм.

--- Table start-------------------------------------------------------------
[Image] | КАСТАНЬЕТЫ |
--- Table end---------------------------------------------------------------


Настоящие испанские кастаньеты делаются из дерева твердых пород -- черного
дерева, самшита, кокосовой пальмы. По форме они напоминают раковины и
соединены попарно шнурком, который стягивается вокруг большого пальца.
Техника игры на кастаньетах довольно сложна. Испанские танцовщики учились
ей с детства.

В оркестре применяется упрощенная разновидность кастаньет: две пары
деревянных раковин, насаженных на концы рукоятки.

КВАРТЕТ.

Проказница Мартышка,
Осел,
Козел,
Да косолапый Мишка
Затеяли сыграть Квартет.
Достали нот, баса, альта, две скрипки
И сели на лужок под липки, --
Пленять своим искусством свет.

Вы, конечно, знаете эту басню И. А. Крылова. Называется она <<эКвартет>>.
Слово это имеет не одно значение. Как и название интервала -- кварта (об
интервалах вы, наверное, успели прочитать) -- оно происходит от латинского
quartus -- четвертый. Что называют словом <<эквартет>>? Прочтите снова
строки басни: <<эзатеяли сыграть квартет...>> Значит, прежде всего квартет
-- это название произведения. Произведения многочастного (первая часть
которого написана, как правило, в сонатной форме) и предназначенного для
четырех -- отсюда и quartus -- исполнителей. Наиболее часто квартеты пишут
для двух скрипок, альта и виолончели. Крылов имел в виду именно такой
квартет: <<эбасом>> раньше называли виолончель. Называется он струнным, так
как рассчитан на исполнение одними только струнными инструментами. Струнные
квартеты писали Бетховен, Чайковский, Бородин, Шостакович и многие другие
композиторы.

--- Table start-------------------------------------------------------------
[Image] | СТРУННЫЙ КВАРТЕТ |
--- Table end---------------------------------------------------------------


Квартеты для другого состава инструментов встречаются значительно реже.
Например, фортепианный -- для скрипки, альта, виолончели и фортепиано.
Бывают и квартеты для духовых инструментов. В операх довольно часто
встречаются квартеты вокальные -- ансамбли, в которых участвуют четыре
действующих лица оперы. Например, в последнем акте оперы Верди
<<эРиголетто>> есть квартет Герцога, Джильды, Маддалены и Риголетто.

Участники исполнения квартетных пьес тоже называются квартетом. Так,
существовал одно время вокальный квартет сестер Федоровых, которые пели
специально для них сделанные четырехголосные обработки народных песен. Но
наиболее распространены, конечно, струнные квартеты в составе двух
скрипачей, альтиста и виолончелиста.

Квартеты носят иногда имена великих музыкантов. Так, один из старейших
коллективов в нашей стране -- квартет имени Л. Бетховена. Большой
известностью пользуются квартет имени А. П. Бородина, ленинградский квартет
имени С. И. Танеева. За последние годы сложились квартеты имени С. С.
Прокофьева и имени Д. Д. Шостаковича.

КЛАВЕСИН -- см. Фортепиано.

КЛАВИКОРДЫ -- см. Фортепиано.

КЛАВИР. У этого слова два значения. Одно -- общее название всех клавишных
инструментов. Им пользовались раньше, в основном до XIX века, когда были
распространены клавесины, клавикорды, клавицимбалы, спинеты. Позднее, когда
был изобретен рояль, общим названием для рояля и пианино стало фортепиано.
Это слово передает то главное качество, которым рояль и пианино отличаются
от клавесина и его современников -- на них можно менять динамику звука,
играть то громче (форте), то тише (пиано). А слово клавир осталось в другом
значении. Это -- сокращение длинного немецкого слова клавираусцуг
(Klavierauszug -- дословно -- извлечение для клавира). Так называются
переложения для фортепиано оркестровых и симфонических произведений, опер,
балетов, оперетт. Постепенно для удобства вторую половину этого чересчур
длинного слова произносить перестали, и теперь в нотном магазине вы может
услышать: <<эПокажите мне, пожалуйста, клавир "Пиковой дамы">>. <<эА клавир
"Лебединого озера" к вам не поступал?>>

Определение <<эклавирная музыка>> означает, что имеется в виду музыка,
написанная для любых клавишных инструментов, чаще всего -- предшественников
рояля. В наше время она, как правило. исполняется на фортепиано.

КЛАРНЕТ. Звучит увертюра-фантазия Чайковского <<эФранческа да Римини>>.
Отбушевали в оркестре адские вихри, и в затаенной тишине слышится грустное
пение кларнета-соло. Это рассказ Франчески о ее трагической судьбе.

--- Table start-------------------------------------------------------------
[Image] | КЛАРНЕТ |
--- Table end---------------------------------------------------------------


Кларнет -- один из самых певучих и виртуозных деревянных духовых
инструментов. Его диапазон -- от ре (иногда ре-бемоль) малой октавы до ля
-- си-бемоль третьей октавы -- делится на несколько отрезков (регистров),
имеющих разные тембры. Нижние ноты кларнета мрачные, средние матовые,
тусклые, высокие -- светлые и звонкие. Самые высокие звуки кларнета --
резкие, даже пронзительные. В соответствии с характером музыки композиторы
используют тот или иной регистр инструмента.

Возможности кларнета очень велики. Ему доступно и выразительное пение, и
блестящие виртуозные пассажи. Он может играть еле слышно, легчайшим
пианиссимо, но может и поразить сильным полным звуком. <<эРассказ>>
Франчески Чайковский поручил кларнету, играющему в том регистре, который
своим мягким, глубоким тембром напоминает звучание человеческого голоса. А
в начале Пятой симфонии Чайковского два кларнета в низком регистре
исполняют скорбную мелодию, которая благодаря тембру низких звуков кларнета
создает мрачное, зловещее впечатление.

Есть несколько разновидностей кларнета. Кроме основного, существует малый
кларнет с диапазоном на кварту выше обычного, отличающийся пронзительным
звуком, а также бас-кларнет, звучащий октавой ниже обычного. Тембр
бас-кларнета сочный, звенящий, а в низком регистре мрачный, угрюмый.

КЛЮЧ. Много разных значений имеет это слово. Ключ -- родник с чистой,
свежей и прохладной ключевой водой. Ключ от замка, которым запирают
квартиру, ворота или чемодан. Гаечный ключ, без которого не починить
велосипеда, не исправить системы водяного отопления. Наконец, самый
интересный ключ -- ключ к шифру, при помощи которого можно прочесть
таинственное послание.

Вот это последнее значение слова ключ больше всего напоминает его
музыкальный смысл. В самом деле: чтобы прочесть какие-то ноты, ключ
совершенно необходим, иначе запись их окажется зашифрованной. Посмотрите,
например, такую строчку:

[Image]

Несмотря на простоту мелодии, ни один музыкант не сможет воспроизвести ее,
пока в начале нотных линеек (они называются <<энотный стан>> или
<<энотоносец>>), на которых расположились ноты, не будет поставлен какой-то
ключ. Ведь какие именно здесь написаны ноты, неизвестно! Видно только, как
они соотносятся между собой (и то приблизительно: мы можем лишь
догадываться, где интервалы между звуками большие, а где малые), да
определен их ритм. А теперь поставим ключ:

[Image]

Сразу все стало ясно (конечно, для того, кто знает ноты). Правда? Вы можете
оказать, что и первую запись расшифровали так же? Будете неправы. Ее можно
прочесть и так:

[Image]

Выйдут другие ноты, другая октава, другая тональность и даже другой лад.

Так что же такое ключ? Это знак, который всегда ставится в начале нотного
стана и указывает положение на нем одной из нот, а в зависимости от нее и
всех остальных.

В далеком прошлом ключей применялось очень много, и наиболее распространены
были ключи, определяющие положение ноты до первой октавы.

Зачем было нужно много ключей? Судите сами: на пяти линейках нотного стана
и между ними можно удобно записать всего одиннадцать звуков. В музыке же
применяется гораздо больше. Для остальных нужно приписывать дополнительные
линейки, а это очень загромождает запись и затрудняет чтение. Выход,
конечно, нашелся. Наиболее распространена в те далекие времена была
вокальная музыка. Но ведь диапазон человеческого голоса довольно ограничен.
Значит, каждому исполнителю можно удобно записать его партию, если
расположить ее соответствующим образом. Например, сопрано -- это высокий
голос. Поет он, в основном, в первой, а часто и во второй октаве. Баритон,
наоборот, звучит вниз от определяющей ноты до. Поэтому ключ до для сопрано
и баритона располагается не одинаково. Сопрановый -- на первой линейке,
чтобы можно было записывать ноты вверх, баритоновый напротив, на пятой: его
партия, записанная на тех же пяти линейках, читается значительно ниже. А
между ними, соответственно на второй, третьей и четвертой линейках
помещаются меццо-сопрановый, альтовый и теноровый ключи.

[Image]
[Image]

Завитушка в середине знака каждый раз определяет положение ноты до первой
октавы. Конечно, этими ключами пользовались не только певцы. Они были
удобны и некоторым инструментам. Так, до сих пор сочинения для альта и его
партия в оркестровых партитурах записывается в альтовом ключе. Применяется
иногда и теноровый ключ. Но постепенно с развитием и все более широким
распространением инструментальной музыки оказалось, что все эти ключи еще
не дают достаточно удобной записи, не охватывают крайних регистров. Тогда
появились другие ключи, определяющие положение ноты соль первой октавы и фа
малой октавы. Из нескольких таких ключей со временем в музыкальной практике
остались только басовый и скрипичный. Они удобны тем, что как бы
<<эсцеплены>> между собой нотой до первой октавы, которая оказалась
расположенной на первой нижней добавочной в скрипичном ключе и на первой
верхней добавочной -- в басовом. Вместе эти ключи дают возможность записать
практически весь используемый звукоряд и поэтому стали универсальными. Вот
они (завитки обоих ключей показывают положение на нотном стане определяемых
ими нот):

[Image]

Остается сказать только, как появились такие значки: [Image], [Image],
[Image]. Это очень сильно изменившиеся в течение времени латинские буквы С
(то есть до), G (соль) и F (фа).

КОБЗА. Всем хорошо известно имя замечательного украинского поэта Тараса
Григорьевича Шевченко. А знаете ли вы, что сборник своих стихов он назвал
<<эКобзарь>>? Почему? Что хотел он сказать этим?

--- Table start-------------------------------------------------------------
[Image] | КОБЗА |
--- Table end---------------------------------------------------------------


Много веков назад появились на Украине кобзари. Это были странствующие
певцы, часто слепые. Но слепота не мешала им видеть зло, которое творилось
вокруг, беды, которые обрушивались на простых людей. Обо всем этом, о
судьбе народной, о борьбе украинцев с угнетателями пели кобзари,
аккомпанируя себе на кобзе -- инструменте, от которого и пошло их
прозвание.

Потому и Тарас Шевченко называл себя кобзарем: ведь он тоже воспевал
простых людей, призывал бороться с угнетением и произволом.

Итак, инструментом кобзарей, особенно распространившемся в XVI и XVII
веках, была кобза -- струнный щипковый инструмент с корпусом, похожим на
корпус лютни, и с небольшим, слегка отогнутым назад грифом. Играли на ней
при помощи плектра.

--- Table start-------------------------------------------------------------
БАНДУРА | [Image] |
--- Table end---------------------------------------------------------------


В XVIII веке кобза уступила место похожему на нее, но более сложному и
совершенному инструменту -- бандуре, у которой не один, а два набора струн.
Более длинные, басовые, настроенные по квартам и секундам, располагаются
прямо, на корпусе и грифе. Короткие, называемые приструнками, расположены
на корпусе веерообразно и настроены по ступеням гаммы, а в наши дни часто
по полутонам.

По сию пору бандура -- любимый украинский инструмент. На Украине
организована Государственная капелла бандуристов. Существуют и
самодеятельные ансамбли бандуристов.

КОДА. Итальянское слово coda означает хвост, конец, шлейф. Таким
<<энесерьезным>> термином в музыке называют дополнительное заключительное
построение, следующее иногда в музыкальной пьесе после основного
заключительного раздела.

В коде обычно закрепляется, утверждается главная тональность произведения,
звучат его основные темы.

КОЛОКОЛА. Заканчивается опера Глинки <<эИван Сусанин>>. Народ, собравшийся
на Красной площади, празднует победу над поляками. Знаменитый хор
<<эСлавься>> звучит торжественно и мощно, а в самом конце к нему
присоединяется колокольный звон. Гремит, переливается он под сводами
театрального зала.

Неужели настоящие колокола? Конечно, нет. Такие колокола, какие раньше
висели на церковных звонницах, какие вы можете увидеть и услышать в кино
или представить по знаменитому Царь-колоколу в Кремле, невозможно поместить
в оркестре. Оркестровые колокола -- это небольшие металлические трубки или
пластинки, подвешенные на перекладине. Их заставляют звучать, ударяя
колотушкой, обтянутой кожей (следовательно, колокола -- ударный
инструмент). Применяют их, главным образом, в музыке для театра, там, где
нужно изобразить колокольный звон -- в <<эИване Сусанине>>, в <<эБорисе
Годунове>> Мусоргского, в <<эСказке о царе Салтане>> Римского-Корсакова. И
звон получается самый настоящий, потому что оркестровые колокола очень
точно воспроизводят звучание настоящих колоколов.

--- Table start-------------------------------------------------------------
[Image] | ОРКЕСТРОВЫЕ КОЛОКОЛА, ТРУБЧАТЫЕ С ПЕДАЛЬНО-ДЕМПФЕРНЫМ УСТРОЙСТВОМ
|
--- Table end---------------------------------------------------------------


Колокола вошли в оркестр в эпоху Великой французской революции. Впервые их
использовал в своих произведениях композитор Керубини.

КОЛОКОЛЬЧИКИ. Как и колокола, это тоже ударный инструмент, но в отличие
от колоколов, звук колокольчиков слабый, нежный, прозрачный.

--- Table start-------------------------------------------------------------
[Image] | КЛАВИШНЫЕ КОЛОКОЛЬЧИКИ |
--- Table end---------------------------------------------------------------


Колокольчики -- это набор металлических пластинок разной величины,
укрепленных на деревянных брусках. Пластинки расположены, как клавиши на
фортепиано. Играют на них палочками или молоточками. Иногда колокольчики
имеют клавиатуру, посредством которой извлекается звук. Композиторы
используют этот инструмент в особых случаях. Делиб, например, в опере
<<эЛакме>> применил колокольчики в аккомпанементе арии главной героини, там,
где она поет о звоне волшебного колокольчика. Римский-Корсаков в <<эЗолотом
петушке>> вводит их для того, чтобы придать музыке необычайный,