Михеева Людмила - Музыкальный словарь в рассказах - Скачать бесплатно
Конечно, каждое музыкальное произведение обладает своими неповторимыми
чертами. Но все же на протяжении нескольких веков развития европейской
музыки сложились определенные закономерности, принципы, по которым строятся
отдельные типы произведений.
С одной из музыкальных форм вы все, без сомнения, очень хорошо знакомы. Это
куплетная форма, в которой пишутся песни (ей посвящен рассказ о слове
<<экуплет>>). Сходна с ней ведущая от нее свое происхождение старинная форма
рондо. Основаны они на двух (или -- в рондо -- нескольких) различных
тематических материалах. Форма в таких случаях строится на сопоставлении,
развитии, а иногда и столкновении этих часто контрастных, а порою даже
конфликтных тем.
Распространены в музыкальной практике также трехчастная и двухчастная
формы. Трехчастная строится по схеме, которую принято изображать буквами
так: АВА. Это означает, что начальный эпизод в конце, после контрастного
ему среднего эпизода, повторяется. В этой форме пишутся средние части
симфоний и сонат, части сюит, различные инструментальные пьесы, например,
многие ноктюрны, прелюдии и мазурки Шопена, песни без слов Мендельсона,
романсы русских и зарубежных композиторов.
Двухчастная форма распространена меньше, так как имеет оттенок
незавершенности, сопоставления, словно бы <<эбез вывода>>, без итога. Схема
ее: АВ.
Существуют и музыкальные формы, основанные на одной только теме. Это,
прежде всего, вариации, которые точнее можно назвать темой с вариациями
(вариациям тоже посвящен отдельный рассказ в этой книжке). Кроме того, на
одной теме построены многие формы полифонической музыки, такие как фуга,
канон, инвенция, чакона и пассакалья. С ними вас знакомят рассказы
<<эполифония>>, <<эфуга>>, <<эвариации>>.
Встречается в музыке и так называемая свободная форма, то есть композиция,
не связанная с установившимися типовыми музыкальными формами. Чаще всего
композиторы обращаются к свободной форме при создании программных
произведений (далее вы сможете прочесть, что такое программная музыка), а
также при сочинении всевозможных фантазий и попурри на заимствованные темы.
Правда, часто и в свободных формах присутствуют черты трехчастности --
наиболее распространенной из всех музыкальных построений.
Не случайно и самая сложная, высшая из всех музыкальных форм -- сонатная --
в основе своей также трехчастна. Ее главные разделы -- экспозиция,
разработка и реприза -- образуют сложную трехчастность -- симметричное и
логически завершенное построение. Об этом вы прочтете в рассказе,
посвященном сонате.
МУЗЫКАЛЬНЫЙ СЛУХ -- см. Слух.
МУЗЫКОВЕД. Вечером по телевидению транслируют оперу. До начала спектакля
вы слушаете пояснительное слово, в котором рассказывается история создания
произведения, раскрываются его особенности.
Вы хотите узнать побольше о композиторе, музыка которого вам очень
нравится. В библиотеке вам дают книжку о нем.
Состоялась премьера музыкального спектакля. В газетах и журналах появляются
на него рецензии.
В концертном зале, перед началом вечера симфонической музыки, слушатели
покупают программы. В них вложена аннотация -- рассказ о музыке, которую
предстоит услышать.
В музыкальных школах, кроме занятий по специальности, то есть обучения игре
на том или другом инструменте, существуют еще уроки сольфеджио и
музыкальной литературы.
Если вам непонятно значение какого-то музыкального термина или нужно узнать
что-либо, относящееся к музыке, вы берете музыкальный словарь или
энциклопедию...
Во всех этих случаях вы сталкиваетесь с одной из сторон деятельности
музыковеда.
Специалисты-музыковеды получают образование в консерватории, на
теоретико-композиторском факультете.
Там они получают знания по истории русской, советской и зарубежной музыки,
гармонии, полифонии, инструментовке, анализу музыкальных форм, получают
педагогическую, лекторскую практику, обучаются основам редактирования.
Музыковеды -- это ученые, авторы исследований о творчестве композиторов, о
той или иной эпохе в развитии музыкальной культуры, о различных средствах
музыкальной выразительности.
Музыковеды -- это и многочисленные педагоги всех уровней, от профессоров
консерватории, авторов учебников по истории музыки, музыкальной литературе,
гармонии и т. д. до преподавателей музыкальных школ, руководителей
музыкальных кружков.
Музыковеды работают в архивах и в музеях, редактируют книги о музыке и
ноты; подготавливают музыкальные радиопередачи и программы концертов; пишут
критические статьи. Это очень интересная, многосторонняя профессия,
требующая больших и разнообразных знаний, умения разбираться и в музыке
прошлого, и в музыкальных событиях и явлениях современности, умения хорошо
и свободно владеть словом, выражать свои мысли устно и в письменной форме
и, конечно, свободного владения роялем, без которого настоящий профессионал
просто немыслим.
Советское музыковедение знает имена многих выдающихся музыкальных ученых.
Есть среди них даже академик Б. Асафьев, которому принадлежит много книг и
статей, посвященных русским, советским и зарубежным композиторам. * Н *
НАРОДНАЯ МУЗЫКА -- см. Фольклор.
НОКТЮРН. Темные, почти черные берега. Темное зеркало реки. Спокойное небо
и на нем огромная зеленоватая луна. Ее отражение волшебной дорожкой
пересекает кажущуюся недвижной воду.
Удивительным покоем и тишиной веет от этого живописного полотна. Каждый,
хоть раз видевший эту картину, никогда ее не забудет. Это А. И. Куинджи,
<<эНочь на Днепре>>. А вот еще одна картина:
Тиха украинская ночь.
Прозрачно небо.
Звезды блещут.
Своей дремоты превозмочь
Не хочет воздух.
Чуть трепещут
Сребристых тополей листы.
Луна спокойно с высоты
Над Белой Церковью сияет
И пышных гетманов сады
И старый замок озаряет.
И картину Куинджи, и отрывок из поэмы Пушкина <<эПолтава>> можно определить
как своего рода ноктюрн.
Французское слово < > как и итальянское < > в буквальном
переводе означает -- ночной. Термин этот, употребительный в разных
искусствах, появился в музыке XVIII века. Тогда ноктюрнами называли пьесы,
предназначенные для исполнения на открытом воздухе в ночное время.
Многочастные произведения, чаще всего для нескольких духовых и струнных
инструментов, по характеру были близки инструментальным серенадам или
дивертисментам (о них вы тоже можете прочесть на страницах этой книжки).
Иногда звучали вокальные ноктюрны -- одночастные сочинения для одного или
нескольких голосов.
В XIX веке сложился совершенно другой ноктюрн: мечтательная, певучая
фортепианная пьеса, навеянная образами ночи, ночной тишиной, ночными
думами. И картина Куинджи, и стихи Пушкина ассоциируются именно с таким
ноктюрном.
Впервые лирические фортепианные ноктюрны стал сочинять ирландский
композитор и пианист Джон Филд. Филд долгое время жил в России. У него брал
уроки фортепианной игры юный Глинка. Быть может, поэтому и великий русский
композитор написал два фортепианных ноктюрна. Второй из них, с названием
<<эРазлука>>, широко известен.
Писали ноктюрны Чайковский, Шуман и другие композиторы. Однако больше всего
известны ноктюрны Шопена. То мечтательные и поэтичные, то строгие и
скорбные, то бурные и страстные, они составляют значительную часть
творчества этого поэта фортепиано.
НОТА. Кажется, с этим словом все очень просто: нота -- значит... А вот
если задуматься, не так уж просто!
Вы держите в руках маленькую книжечку. На ней написано: блокнот. Кстати,
раньше это слово писали по-другому, вот так: блок-нот!
Вы включаете радио и слышите: <<эНота советского правительства...>>
А на улице, на одном из магазинов, видите вывеску: <<эНоты>>. Каждый раз
значение этого слова иное.
По-латыни nota означает знак, заметка. Поэтому блокнот -- книжечка (блок
листов) для заметок. А в музыке нотами называют знаки, при помощи которых
изображаются звуки. Различные значки, по-разному расположенные, передают
длительность и высоту звука (о длительности и высоте вы можете прочесть в
соответствующих рассказах). Длинные ноты -- целые -- изображаются кружками
-- [Image], которые называются головками. У половинной ноты к головке
присоединен штиль -- вертикальная палочка: [Image]. Четвертная нота
выглядит так же, как половинная, только головка ее не белая, а черная:
[Image]. Более мелкие длительности обозначаются присоединением к штилю
вязок или ребер [Image] или флажков, которые иногда называют попросту
хвостиками: [Image].
Высота звука определяется положением ноты на нотном стане. Нотный стан или
нотоносец -- это пять длинных горизонтальных линеек, на которых и между
которыми располагаются ноты. Счет линейкам ведется снизу вверх, вот так:
[Image]. Они помогают определить, какая из нот обозначает звук более
высокий, какая более низкий. При взгляде на нотный стан вы сразу видите
рисунок мелодии. Однако для того, чтобы знать точно, какие именно звуки
записаны, нужно посмотреть, какой ключ стоит в начале нотоносца, какие
около него проставлены знаки альтерации. И о ключах и об альтерации вам
нужно прочесть на посвященных этим терминам страничках. * О *
ОБЕРТОН. Проделайте такой опыт: беззвучно нажмите клавишу фортепиано, а
потом сильно ударьте и сразу отпустите клавишу октавой ниже (например,
держите до второй октавы, а ударьте до первой). Взятый вами тон быстро
угаснет, но еще долго будет слышаться тихий, но отчетливый звук нажатой
вами клавиши. Можно беззвучно нажать клавишу двумя октавами выше ударяемой.
Соответствующий ей звук тоже будет слышен, хотя и менее отчетливо.
Давайте разберемся, почему это происходит. Если вы прочли, что
рассказывается о звуке, то уже знаете, что он возникает в результате
колебания упругого тела, в данном случае -- струны. Высота звука зависит от
длины струны. Вы ударили, например, до первой октавы. Задрожала,
завибрировала струна, послышался звук. Но колеблется струна не только вся
целиком. Вибрируют все ее части: половина, третья часть, четверть и так
далее. Таким образом, одновременно слышится не один звук, а целый
многозвучный аккорд. Только основной тон, самый низкий, слышен гораздо
лучше других и воспринимается ухом как единственно звучащий.
Остальные же, образованные частями струны и поэтому более высокие обертоны
(Oberton по-немецки <<эверхний тон>>), или гармонические призвуки, дополняют
звучание, влияют на качество звука -- его тембр.
Все эти гармонические призвуки вместе с основным тоном образуют так
называемый натуральный звукоряд или шкалу обертонов, которые нумеруются
снизу вверх по порядку: первый звук -- основной, второй октавой выше,
третий -- октава + чистая квинта, четвертый -- октава + чистая квинта +
чистая кварта (то есть на 2 октавы выше основного). Дальнейшие призвуки
расположены на более близком расстоянии друг от друга.
Этим свойством -- издавать не только основной звук, но и обертоны -- иногда
пользуются при игре на струнных инструментах. Если в момент извлечения
звука смычком слегка прикоснуться пальцем к струне в том месте, где она
делится пополам или на третью, четвертую и т. д. часть, то колебания
больших частей исчезают, и раздастся не основной звук, а более высокий
(соответственно оставшейся части струны) обертон. На струнных такой звук
называется флажолетом. Он очень нежный, несильный, холодноватого тембра.
Композиторы пользуются флажолетами струнных как особой краской.
Ну а произведенный нами опыт с беззвучно нажатой клавишей? Когда мы это
сделали, то, не ударяя по струне фортепиано, освободили ее от глушителя, и
она стала колебаться в резонанс половине более длинной -- задетой нами
струны. Та, когда клавиша возвратилась на место, остановилась, а колебания
верхней струны продолжились. Ее звучание вы и услышали.
ОПЕРА. Погас свет в зрительном зале. К дирижерскому пульту прошел
дирижер. Взмах дирижерской палочки -- и в затихший зрительный зал полились
звуки увертюры... Начался спектакль, в котором органично сплелись пение и
симфоническая музыка, драматическое действие, балет, живопись. Началась
опера.
Опера -- это жанр синтетический, появившийся на основе содружества
различных искусств (итальянское < > буквально -- труд, дело,
сочинение). Однако роль их в опере не равноценна.
Уже несколько столетий существует опера. И все это время не утихают споры о
том, что в ней главное -- музыка или текст. Был в истории оперы период,
когда ее автором считался поэт, либреттист, а композитор -- лицо
второстепенное -- должен был во всем подчиняться не только либреттисту, но
и певцам, которые требовали выигрышных арий в удобных для себя местах.
Настало время и для другой крайности -- когда на содержание перестали
обращать внимание. Опера превратилась в своего рода концерт в костюмах. Но
это действительно крайности. В XVIII и XIX веках окончательно сформировался
жанр оперы в таком виде, как мы его знаем и любим сейчас.
Главное в опере -- все-таки музыка. Ради нее мы идем в оперный театр. Вот
герой поет арию. В это время на сцене ничего занимательного не происходит:
действие останавливается. Все слушают музыку. Музыку, которая рассказывает
о сокровенных чувствах и мыслях героя, раскрывает нам его характер. Ария --
очень важная составная часть оперы, поэтому ей посвящается отдельный
рассказ. Ее, так же, как и другие сольные оперные номера -- ариозо,
каватину, балладу -- можно сравнить с монологом в драматической пьесе.
А теперь давайте вспомним, что поет Иван Сусанин перед началом своей
знаменитой арии <<эТы взойдешь, моя заря>>. <<эЧуют правду! Смерть близка,
мне не страшна она. Свой долг исполнил я. Прими мой прах, мать земля>>.
Звучат медленные, короткие, разделенные остановками фразы. Это пение, но
очень похожее на декламацию. Называется оно речитатив (латинское слово
recitare -- читать вслух, громко произносить). Значение речитатива в опере
очень велико. Он -- основной <<эинструмент>> развития действия. Ведь тогда,
когда звучат законченные музыкальные номера-арии, ансамбли -- действие
обычно останавливается. Оперы без речитатива не существует. Но зато бывают
оперы, полностью построенные на речитативе.
Большую роль в опере играет хор. С его помощью композиторы изображают
картины народной жизни. А в операх М. П. Мусоргского <<эБорис Годунов>> и
<<эХованщина>> народ, по определению самого композитора, является даже
главным действующим лицом.
Еще один из важных компонентов, без которого не может обойтись опера, это
оркестр. Он исполняет увертюру, симфонические антракты, звучит во время
всего действия, создает яркие картины, раскрывает чувства героев.
Возникло оперное искусство почти четыреста лет тому назад, в конце XVI
века. Первый музыкальный спектакль с пением на сюжет древнегреческого мифа
о борьбе бога Аполлона со змеем Пифоном был поставлен в итальянском городе
Флоренции в 1594 году. С тех пор опера прошла большой, сложный путь.
Родившись в Италии, она попала далее и в другие страны Европы,
Возникнув как произведение мифологическое, теперь она удивительно
разнообразна по сюжетам.
В XIX веке в разных странах сложились национальные оперные школы. Самые
яркие их представители в Италии -- Россини, Верди и Пуччини, во Франции
Мейербер, Гуно и Бизе, в Германии Вебер и Вагнер. Несколько раньше, в конце
XVIII века, опера получает расцвет в Австрии, в творчестве Моцарта.
В России оперное искусство достигло высочайших вершин в творчестве Глинки,
Даргомыжского, Бородина, Мусоргского, Римского-Корсакова, Чайковского,
Прокофьева и Шостаковича.
В большинстве случаев оперы пишутся на сюжеты, взятые из литературы.
<<эРуслан и Людмила>> Глинки, <<эРусалка>> Даргомыжского, <<эЕвгений Онегин>>,
<<эМазепа>> и <<эПиковая дама>> Чайковского, <<эТравиата>>, <<эРиголетто>> и
<<эОтелло>> Верди, <<эКармен>> Бизе, <<эСнегурочка>> Римского-Корсакова,
<<эБорис Годунов>> Мусоргского, <<эНос>> и <<эКатерина Измайлова>> Д.
Шостаковича, <<эВойна и мир>> и <<эПовесть о настоящем человеке>> С.
Прокофьева, <<эТихий Дон>> и <<эПоднятая целина>> И. Дзержинского, <<эКола
Брюньон>> и <<эСемья Тараса>> Кабалевского -- много на свете опер, в основе
которых лежат хорошо известные романы, повести, драматические пьесы...
Партитура готовой оперы передается в театр. Над ней работает дирижер, свои
партии разучивают солисты и хор, режиссер осуществляет постановку,
художники пишут декорации. Только в результате общего труда всех этих людей
возникает оперный спектакль.
ОПЕРЕТТА. Оперетта -- итальянское слово (operetta) и означает буквально
-- маленькая опера. Становление оперетты связано с Францией второй половины
50-х годов прошлого века.
Оперетта возникла из театральных интермедий -- коротеньких представлений,
которые шли в антрактах крупных пьес, из злободневных спектаклей-обозрений.
Во Франции она стала зеркалом общественной жизни, обличающим пороки,
высмеивающим недостатки.
Лучшие французские оперетты связаны с именем композитора Жака Оффенбаха.
Это <<эОрфей в аду>>, <<эПрекрасная Елена>>, <<эСиняя борода>> и др. Сюжеты
оперетт, казалось бы столь далекие от действительности, -- мифические и
сказочные, -- неожиданно оказывались очень современными. Действующие лица
их были всем весьма хорошо знакомы, с ними зрители встречались чуть ли не
каждый день. Они только рядились в костюмы богов и героев. Орфей у
Оффенбаха из мифологического певца превращался во влюбленного учителя
музыки, а боги оказывались не всемогущими, а, напротив, беспомощными и
смешными...
Содержание оперетт часто было пародийным. А музыка? Музыка всегда
оказывалась веселой и увлекательной. Оффенбах включал в оперетту песенки,
марши, танцы -- кадрили, галопы, вальсы, болеро...
В оперетте не только пели, но и говорили. При этом в тексте часто
встречались реплики на злобу дня, намеки на происходящие, волнующие всех
события.
Несколько другой стала оперетта в Австрии, в Вене. Она так и называется --
венская оперетта. Наверное, вы слышали оперетты Иоганна Штрауса-сына
<<эЛетучая мышь>>, <<эЦыганский барон>>. Они напоены чудесными мелодиями.
Говорили, что благодаря Штраусу оперетта стала легкой, жизнерадостной,
остроумной, нарядно приодетой и ярко звучащей музыкальной комедией.
Традиции Штрауса продолжил венгерский композитор Имре Кальман, написавший
такие известные оперетты, как <<эСильва>>, <<эМарица>>, <<эПринцесса цирка>>.
Много оперетт, или, как их у нас чаще называют, музыкальных комедий,
создано советскими композиторами. В 20-е годы в этом жанре работал Н.
Стрельников. По его оперетте <<эХолопка>> поставлен кинофильм <<эКрепостная
актриса>>. В театрах Советского Союза идут лучшие оперетты И. Дунаевского
<<эЗолотая долина>>, <<эВольный ветер>>, <<эБелая акация>>.
К жанру оперетты обращались Б. Александров, Ю. Милютин, Д. Шостакович, Д.
Кабалевский, Т. Хренников, А. Петров, А. Эшпай, В. Баснер, Р. Гаджиев и
многие другие композиторы.
Сейчас, в наши дни, все большее распространение получает разновидность
оперетты, называемая мюзикл. Наиболее известные из зарубежных мюзиклов --
<<эМоя прекрасная леди>> Ф. Лоу и <<эВестсайдская история>> Л. Бернстайна.
ОРАТОРИЯ. <<эТополи, тополи, скорей идите во поле...>> Слушая эту звонкую
песенку пионеров из оратории Шостаковича <<эПеснь о лесах>>, трудно
поверить, что жанр оратории зародился в церкви.
Это было в Риме, в конце XVI века, когда верующие католики стали собираться
в специальных помещениях при церкви -- ораториях (от латинского oratoria --
красноречие) -- для чтения и толкования библии. Обязательным участником
таких собраний была музыка, которая сопровождала проповеди и чтение. Так
возникли особые духовные произведения повествовательного склада для
солистов, хора и инструментального ансамбля -- оратории.
В XVIII веке появляется светская оратория, то есть не церковная, а
предназначенная для концертного исполнения. Ее создал великий немецкий
композитор Георг Фридрих Гендель. Героические оратории Генделя, написанные
на библейские сюжеты, нередко звучат и в наши дни.
В те же годы расцветает и близкий оратории жанр -- кантата. Когда-то этим
словом обозначали любое произведение для пения с инструментальным
сопровождением (cantare в переводе с итальянского -- петь). В XVII веке
кантата -- концертная вокальная пьеса лирического характера, состоящая из
арий и речитативов. Она исполнялась певцами-солистами или хором в
сопровождении оркестра. Вскоре появляются духовные кантаты философского или
назидательного содержания, а также кантаты приветственные, поздравительные.
Много замечательных кантат написал великий немецкий композитор Иоганн
Себастьян Бах.
В прошлом столетии жанр кантаты привлек русских композиторов. Постарайтесь
послушать торжественную кантату Чайковского <<эМосква>> для солистов, хора и
оркестра или поэтичную кантату Рахманинова <<эВесна>>, написанную на текст
известного стихотворения Некрасова <<эЗеленый шум>>.
Новую жизнь кантате и оратории дали советские композиторы. В их творчестве
уменьшаются различия между этими двумя жанрами, существовавшие в прошлом.
Раньше оратория, подобно опере, сочинялась на какой-либо драматический
сюжет. В кантате, как правило, такого сюжета не было, она воплощала ту или
иную мысль, идею. Например, кантата Глазунова написана к 100-летию со дня
рождения Пушкина. Теперь же часто встречаются сюжетные кантаты (например,
<<эАлександр Невский>> Прокофьева) и несюжетные оратории (как <<эПеснь о
лесах>> Шостаковича, с которой мы начали начали наш разговор об оратории,
или <<эНа страже мира>> Прокофьева). В наше время ораториями и кантатами
называют крупные многочастные вокально-симфонические произведения,
посвященные важным событиям народной жизни.
ОРГАН. Самый большой из всех музыкальных инструментов -- ор-ган. Играют
на нем, как на фортепиано, нажимая на клавиши. Но в отличие от фортепиано
орган не струнный, а духовой инструмент и родственником он оказывается не
клавишным инструментам а маленькой флейте.
--- Table start-------------------------------------------------------------
ОРГАНИСТ, ИГРАЮЩИЙ НА ДРЕВНЕМ ОРГАНЕ-ПОЗИТИВЕ. РИСУНОК С МИНИАТЮРЫ 1270
ГОДА | [Image] |
--- Table end---------------------------------------------------------------
В древние времена, когда сложных музыкальных инструментов еще не было,
несколько тростниковых дудочек разной величины стали соединять вместе.
Инструмент этот древние греки называли флейтой Пана. Считалось, что
придумал его бог лесов и рощ Пан. На одной дудочке играть легко: ей нужно
немного воздуха. А вот играть на нескольких сразу значительно труднее -- не
хватает дыхания. Поэтому уже в глубокой древности люди искали механизм,
заменяющий человеческое дыхание. Такой механизм нашли: нагнетать воздух
стали мехами, такими же как те, которыми кузнецы раздували огонь в горне.
Во втором веке до новой эры в Александрии изобрели гидравлический орган. В
нем воздух нагнетался не мехами, а водяным прессом. Поэтому он поступал
равномернее, и звук получался лучше -- ровнее и красивее.
Шли века, инструмент совершенствовался. Появился так называемый
исполнительский пульт или исполнительский стол. На нем несколько клавиатур,
расположенных одна над другой, а внизу огромные клавиши для ног -- педали,
которыми извлекались самые низкие звуки.
--- Table start-------------------------------------------------------------
[Image] | ОРГАН МОСКОВСКОЙ КОНСЕРВАТОРИИ |
--- Table end---------------------------------------------------------------
Конечно, давно были забыты камышовые дудочки -- флейты Пана. В органе
зазвучали металлические трубы, причем число их доходило до многих тысяч.
Понятно, что если бы каждой трубе соответствовала клавиша, то на
инструменте с тысячами клавиш невозможно было бы играть. Поэтому над
клавиатурами сделали регистровые ручки или кнопки. Каждой клавише
соответствуют несколько десятков, а то и сотен труб, издающих звуки одной
высоты, но разного тембра. Их можно включать и выключать регистровыми
ручками, и тогда, по желанию композитора и исполнителя, звук органа
становится похожим то на флейту, то на гобой или другие инструменты; он
может имитировать даже пение птиц.
В Средние века органами заинтересовалась церковь. Во всех католических
соборах и больших церквах были построены органы. Их торжественное и мощное
звучание как нельзя лучше подходило к архитектуре соборов с уходящими вверх
линиями, высокими сводами.
Лучшие музыканты мира служили церковными органистами. Много великолепной
музыки было написано для этого инструмента разными композиторами, в том
числе Бахом.
Разумеется, далеко не вся музыка, созданная для органа, была культовой,
связанной с церковью. Сочинялись для него и так называемые <<эсветские>>
произведения. В России орган был только светским инструментом, так как в
православной церкви, в отличие от католической, его никогда не ставили.
Начиная с XVIII века композиторы включают орган в оратории. А в XIX веке он
появился и в опере. Как правило это было вызвано сценической ситуацией --
если действие происходило в храме или около него. Чайковский, например,
воспользовался органом в опере <<эОрлеанская дева>> в сцене торжественной
коронации Карла VII. Мы слышим орган и в одной из сцен оперы Гуно <<эФауст>>
(сцена в соборе). А вот Римский-Корсаков в опере <<эСадко>> поручил органу
аккомпанировать песне Старчища-могуч-богатыря, который прерывает пляску
Морского царя. Верди в опере <<эОтелло>> при помощи органа имитирует шум
морской бури.
Иногда орган включается и в партитуру симфонических произведений. С его
участием исполняются Третья симфония Сен-Санса, Поэма экстаза и
<<эПрометей>> Скрябина
В симфонии <<эМанфред>> Чайковского тоже звучит орган, хотя композитор и не
предусмотрел этого. Он написал партию фисгармонии, которую там орган часто
заменяет.
ОРКЕСТР. В Древней Греции оркестрой (orchestra) называлось место перед
сценой, на котором во время представления трагедий помещался хор. Много
позднее, во время расцвета музыкального искусства в Европе, оркестром стали
называть большие ансамбли музыкантов, совместно исполняющие
инструментальные музыкальные произведения. В ансамблях этих участвовали
самые различные инструменты.
Состав оркестра долгое время не был постоянным. Как правило, имелись
оркестры у богатых вельмож. Именно от богатства и вкусов хозяина зависело
число музыкантов и выбор инструментов. Постепенно в музыкальной практике
сложились определенные виды оркестра. Самый полный и совершенный по
звучанию среди них -- симфонический оркестр. Слышали вы, разумеется, и
духовой и эстрадный оркестры, оркестры русских народных инструментов.
оркестры инструментов других народов СССР.
В наше время, пожалуй, трудно найти человека, который бы никогда не слышал
звучания симфонического оркестра.
Симфонический оркестр исполняет симфонии и сюиты, симфонические поэмы и
фантазии, сопровождает подчас действие в кинофильме, участвует в исполнении
опер и ораторий, соревнуется с солистами в инструментальных концертах.
Много разных инструментов входит в состав симфонического оркестра. На
некоторых играют при помощи смычка, ведя его по струне. В другие нужно
подуть, чтобы получился звук. Есть инструменты, по которым нужно ударять.
Вот и определились основные группы, на которые делятся все инструменты:
струнные смычковые, духовые -- деревянные и медные, и ударные. Иногда в
оркестр включаются арфа, рояль, орган.
Если вы посмотрите на фотографию или схему симфонического оркестра, то
поймете, что сидят оркестранты не как кому захотелось, а в строго
определенном порядке. Раньше во всех оркестрах мира исполнители сидели
одинаково: слева впереди первые скрипки (самые главные инструменты в
оркестре, исполняющие красивые, выразительные мелодии, они располагаются на
<<эглавном месте>>), справа -- вторые, за вторыми скрипками -- альты, в
центре -- виолончели, за ними -- деревянные духовые.
Сейчас существует несколько вариантов посадки оркестра, зависящих от воли
дирижера, от особенностей исполняемого произведения. Но одно остается
неизменным: инструменты расположены по группам -- все медные духовые
(валторны, трубы, тромбоны и туба) друг около друга, все деревянные
(флейты, гобои, кларнеты, фаготы) вместе, струнные смычковые (скрипки,
альты, виолончели и контрабасы) тоже сгруппированы отдельно.
Струнных инструментов в оркестре много. Первых скрипок бывает от десяти до
восемнадцати, вторых -- от восьми до шестнадцати, альтов -- от шести до
четырнадцати, виолончелей -- от шести до двенадцати, контрабасов -- от
четырех до восьми. Это объясняется просто: звук струнных инструментов самый
слабый. Сравните, например, звучание скрипки и тромбона: если они будут
играть одновременно, скрипку совсем не будет слышно, как бы громко ни
старался играть скрипач. Для равновесия звучности и необходима в оркестре
большая струнная группа. Поэтому же и располагаются струнные всегда ближе
всех остальных инструментов к дирижеру, к слушателям.
С духовыми инструментами дело обстоит по-другому. Деревянных в оркестре
бывает по два или три основных или еще по одному дополнительному, который
называется видовым (в зависимости от этого состав оркестра называют двойным
или тройным): это флейта-пикколо (малая флейта), разновидность гобоя --
английский рожок, бас-кларнет и контрафагот.
Из медных инструментов в оркестре обычно четыре валторны, две трубы, три
тромбона и одна туба. Однако число медных духовых может быть и больше.
Ударная группа в оркестре не имеет постоянного состава. В нее в каждом
случае включаются те инструменты, которые значатся в партитуре исполняемого
произведения. Только литавры являются непременным участником каждого
концерта.
Духовые оркестры в основном предназначены не для концертов в закрытых
помещениях. Они сопровождают шествия, марши, а во время праздничных гуляний
звучат на эстрадах, расположенных на открытом воздухе -- на площадях, в
садах и парках. Звучность их особенно мощная и яркая.
Основные инструменты духового оркестра -- медные: корнеты, трубы, валторны,
тромбоны. Есть и деревянные духовые -- флейты и кларнеты, а в больших
оркестрах еще гобои и фаготы, а также ударные -- барабаны, литавры,
тарелки.
Существуют произведения, написанные специально для духового оркестра, но
часто им исполняются симфонические произведения, переоркестрованные для
духового состава. Есть и такие сочинения, в которых, наряду с симфоническим
оркестром, предусматривается участие духового, как, например, в увертюре
Чайковского <<1812 год>>.
Особый вид духового оркестра, так называемая <<эбанда>> (итальянское слово
banda означает отряд). Это ансамбль медных, духовых и ударных инструментов,
который иногда вводится дополнительно к симфоническому оркестру в оперных
спектаклях. Он появляется на сцене, когда происходит какая-то торжественная
церемония или движется шествие.
В 1887 году известный музыкант, энтузиаст изучения русского народного
творчества и народных инструментов В. В. Андреев организовал <<эКружок
любителей игры на балалайках>>. Первый концерт этого кружка состоялся в
1888 году. Вскоре приобретший европейскую известность, ансамбль стал
расширяться. Кроме балалаек в него вошли домры, гусли и другие
древнерусские инструменты. Возник <<эВеликорусский оркестр>> -- так стал он
называться. После Великой Октябрьской социалистической революции его
переименовали в Оркестр русских народных инструментов имени В. В. Андреева,
появилось и много других подобных коллективов. Главную роль в них играют
струнные щипковые инструменты (прочтите о них в рассказе <<эСтрунные
инструменты>>), есть баяны, флейты и другие духовые инструменты, большая
группа ударных. Музыку для этих оркестров пишут советские композиторы.
Играют они также переложения классических произведений и обработки народных
песен.
В наше время оркестры народных инструментов существуют во многих союзных и
автономных республиках. Конечно, они очень разные: на Украине в них входят
бандуры, в Литве -- старинные канклес, в кавказских оркестрах играют
зурны...
Эстрадные оркестры наиболее разнообразны по своему составу и размерам -- от
больших, похожих на симфонические, таких как, например, оркестры
Всесоюзного и Ленинградского радио и телевидения, до совсем маленьких,
похожих скорее на ансамбли. В эстрадные оркестры часто включаются
саксофоны, гавайские гитары, много ударных.
ОСТИНАТО. Вы, наверно, слышали Седьмую симфонию Д. Д. Шостаковича.
Средний раздел ее первой части изображает фашистское нашествие. Очень тихо
начинает звучать коротенькая примитивная мелодия с однообразным ритмом. Она
повторяется много раз и каждый раз -- все громче, у все большего количества
инструментов. Она словно разрастается до гигантских размеров, создавая
образ бездушной, бесчеловечной силы, которая надвигается, стремясь
задавить, загубить все живое. Такого впечатления композитор добивается с
помощью приема остинато. Этот прием использован и в <<эБолеро>> Равеля, где
неизменно повторяется одна тема лишь в другой оркестровке с усиливающейся
звучностью.
Итальянское слово <<эостинато>> (ostinato) означает упрямый, упорный. В
музыке так называют особый прием, при котором многократно повторяется один
и тот же мелодический оборот или ритмическая фигура. С его помощью можно
передать состояние тревожного ожидания, обрисовать комическую ситуацию и т.
д. * П *
ПАРТИТУРА. Пьесы для рояля или аккордеона записывают на двух строчках:
одна для правой руки, другая для левой. Произведения для голоса или
какого-нибудь инструмента с фортепиано пишутся на трех строчках: верхняя
для голоса, скрипки, виолончели и т. д., две нижние -- для рояля.
[Image]
СТРАНИЦА ПАРТИТУРЫ СЕДЬМОЙ СИМФОНИИ С. С. ПРОКОФЬЕВА
Но вот музыку исполняет струнный квартет, оркестр или даже еще больший
коллектив: оркестр, хор и несколько солистов. Как быть в таком случае?
Нельзя же писать отдельные строчки для каждого исполнителя.
Нельзя, да и не нужно. Ведь в каждом оркестре много одинаковых
инструментов, например, скрипок или виолончелей, а в хоре -- одинаковых
голосов. Для них достаточно одной нотной строчки.
Если на нотных строчках написать одну под другой партии разных
инструментов, получится то, что мы называем партитурой. На одной странице
нотной бумаги в двадцать четыре -- тридцать строк записывается все, что
играют вместе инструменты, поет хор. Понятно, что поместиться на такой
странице могут лишь несколько тактов.
В партитуре партии всех инструментов размещены в строгом порядке. Внизу --
строчки для струнных инструментов, над ними помещается группа ударных, выше
-- медные духовые, еще выше -- деревянные. Если в исполнении участвуют хор
и солисты, то строчки с их партиями размещаются под ударными, выше струнных
инструментов.
И внутри каждой группы места тоже строго распределены. Нижние строчки --
для самых низких инструментов группы: контрабасов у струнных, фагота -- у
деревянных, тубы -- у медных. Чем выше строка, тем выше <<эголос>>
инструмента.
ПАРТИЯ. Это слово вы и пишете, и говорите сами, наверное, очень часто.
<<эВ магазин поступила большая партия новых товаров>>; <<эШахматист выиграл
партию>>; <<эРуководящая сила нашего общества -- Коммунистическая партия>>,
-- в каждой из этих фраз слово <<эпартия>> имеет иное значение. И вам оно,
конечно, понятно без объяснений.
А как же в музыке?
И в ней слово <<эпартия>> имеет не одно, а два различных значения. С одним
вы, наверняка, сталкивались. Во время концерта объявляют: <<эПартию
фортепиано исполняет...>>; <<эПартию Хозе в опере "Кармен" исполнил...>> и
так далее. Партией в этом случае называется составная часть музыкального
произведения, исполняемая одним музыкантом или несколькими -- в унисон.
Так, любой струнный квартет (мы имеем в виду квартет -- произведение)
состоит из партий первой скрипки, второй скрипки, альта и виолончели. В
операх у каждого солиста своя партия. В романсе вы слышите партию голоса и
партию фортепиано.
Из партий басов, теноров, сопрано и альтов состоит и хоровое произведение.
Но можно услышать и такую фразу: <<эГлавная партия этой сонаты мне очень
понравилась, а вот побочная кажется не такой удачной>>. В данном случае
слово <<эпартия>> обозначает один из разделов сонатной формы. Подробнее об
этом значении вы можете прочесть в рассказах о сонате и об экспозиции.
ПАССАЖ. Слушая игру выдающихся пианистов или скрипачей, вы, наверное, не
раз восхищались их удивительной техникой. Вспомните: бывают в музыкальных
произведениях эпизоды, где звуки несутся с огромной скоростью. Кажется,
будто они рассыпаются как жемчуг или сливаются в один непрерывный поток.
Такие места в музыке называются пассажами. Это слово часто встречается на
страницах этой книжки. В переводе с французского passage означает проход,
переход. Действительно, исполняя тот или иной пассаж, музыкант, во-первых,
словно переходит в очень быстром темпе из одного регистра своего
инструмента в другой, а во-вторых, пассажи часто служат и для перехода от
одной музыкальной темы к следующей. Правда, в музыке XIX века и в наши дни
пассажей, которые были бы просто <<эпереходами>>, осталось мало. Композиторы
придают им все большую значительность, выразительность, мелодичность.
Помните, как начинается <<эПолет шмеля>> в опере Римского-Корсакова <<эСказка
о царе Салтане>>? Стремительным <<эсвистящим>> пассажем композитор
изображает догоняющего корабль шмеля. Но в этом <<эсвисте>> заключена
мелодия. Насквозь пронизаны прекрасными мелодиями пассажи фортепианных
сочинений Шопена.
ПАССАКАЛЬЯ -- см. Вариации.
ПАУЗА. О различных звуках, о свойствах музыкального звука вы, наверное,
многое прочли на страницах этой книжки. Однако музыка, музыкальные
произведения состоят не только из звуков. Очень важной их частью являются
паузы.
Греческое < > означает прекращение, перерыв. Так называется
временное молчание, прекращение звучания, возникающее между частями
произведения, между разделами внутри одной части, или в каком-то элементе
музыкальной ткани. Например, в партии одного или нескольких инструментов в
оркестровом произведении; в партии певца или, напротив, в аккомпанементе
романса или песни; в одном из голосов полифонического произведения и т. п.
Как и длительность звуков, длительность пауз измеряется и изображается в
нотах условными значками:
[Image]
Так же, как у ноты, точка справа от значка паузы увеличивает ее
длительность в полтора раза. Если пауза длится больше одного такта, над ним
ставится соответствующая цифра, например:
[Image]
Одновременная пауза всех участников ансамбля или оркестра
продолжительностью не менее целого такта называется генеральной паузой и
обозначается сокращенно латинскими буквами G. р.
ПЕРЕЛОЖЕНИЕ -- см. Транскрипция.
ПЕСНЯ. <<эПесня -- душа народа>>, -- слышим мы от музыкантов. Одним из
трех китов, на которых держится вся музыка, назвал песню Дмитрий Борисович
Кабалевский.
Очень разные бывают песни. Например, народные, у которых нет определенного
автора. Это колыбельные, детские прибаутки, считалки, дразнилки. Свадебные
песни. Протяжные лирические, рассказывающие о женской доле. Былины,
повествующие о подвигах древних богатырей...
Невозможно даже перечислить все виды народного песенного творчества,
настолько оно многообразно. В нем, как в своеобразной народной
энциклопедии, рассказана вся жизнь человеческая.
Во все времена песня играла и сейчас играет очень большую роль в жизни
людей.
И песня,
И стих --
Это бомба и знамя...
писал Маяковский. Таким знаменем в далекие дни начала XX века были для
героев-подпольщиков революционные песни. <<эМы пели очень много, в разных
жизненных случаях, -- рассказывал видный революционер Петр Анисимович
Моисеенко, -- и часто песня была нам просто необходима, без нее мы не могли
обойтись. Она звучала на досуге, как развлечение, поднимала настроение,
воодушевляла на борьбу, помогала организовывать наши ряды>>.
<<эИнтернационал>>, <<эМарсельеза>>, <<эВаршавянка>>, <<эКрасное знамя>>,
<<эСмело, товарищи, в ногу>>, <<эВы жертвою пали...>>, <<эВперед, без страха и
сомненья...>> -- эти и многие другие песни становились грозным оружием.
Вот, например, что писала в начале 1917 года большевистская газета
<<эПравда>>: <<эНа фронте, в окопах и везде, где русские войска соприкасаются
с неприятельскими, должно быть поднято красное знамя. Такое же значение,
как красное знамя, имеет песня "Интернационал"... Ее поют европейские
рабочие, должны петь и мы при всяких пролетарских выступлениях. Мотив песни
-- родной мотив для рабочих всех стран... Русская революционная армия...
должна обучиться хоровому пению "Интернационала">>.
В газете <<эПравда>> регулярно печатались тексты песен, их сборники
выпускало партийное издательство. И песни начинали звучать все шире,
привлекать к себе все больше сердец. Пелось в них о тяжелой жизни народа, о
несправедливости и угнетении; песни содержали в себе страстный призыв --
бороться с царизмом, бороться за лучшую долю, и, если понадобится, с честью
погибнуть.
Очень разными были эти песни. Некоторые пришли в Россию издалека. Из
революционной Франции -- <<эМарсельеза>>, возникшая во время Великой
французской революции (в России ее стали петь с новыми словами, написанными
революционером А. Я. Коцем), <<эИнтернационал>> (текст его родился в дни
Парижской коммуны). Из Польши -- <<эВаршавянка>> и <<эКрасное знамя>>.
Большую роль сыграли в годы революции и русские народные песни, такие как
<<эДубинушка>>. Часто революционеры сами создавали стихи или брали стихи
известных поэтов и распевали их на знакомые мотивы.
Создавались и оригинальные песни. Например, любимая и сейчас многими песня
<<эУтес Стеньки Разина>> (<<эЕсть на Волге утес...>>) на стихи А. Навроцкого
была написана революционеркой А. Рашевской.
Разные эти песни не только по рождению своему, но и по характеру. Некоторые
-- решительные, бодрые, словно зовущие в бой. Иные -- печальные, порою даже
скорбные, как, например, <<3амучен тяжелой неволей>> или <<эВы жертвою
пали>> -- траурные марши русских революционеров. Есть среди них и
широкораспевные, эпические, как <<эУтес Стеньки Разина>>, и веселые,
жизнерадостные, как <<эПольская первомайская песенка>>, звучащая в
прихотливом ритме мазурки.
Очень любил революционные песни Владимир Ильич Ленин. Он с удовольствием
слушал их, а часто, в свободные минуты, и сам пел в кругу друзей и
единомышленников, соратников по борьбе.
Свершилась Великая Октябрьская социалистическая революция. Но еще далеко
было до полной победы народа: со всех сторон на только что родившуюся
советскую республику наступали интервенты.
В феврале 1918 года для защиты завоеваний революции была создана Красная
Армия. В ответ на воззвание Ленина -- <<эСоциалистическое отечество в
опасности!>> -- шли полки на фронт. И рождались песни. <<эСмело мы в бой
пойдем за власть Советов...>> -- пели солдаты революции.
Множество песен, новых, посвященных свершающимся событиям, возникало в
разных краях страны. <<эОт Урала к высоким Байкальским горам>> звучала в
Сибири, на Дальнем Востоке. Говорят, песню эту сочинил герой Гражданской
войны Сергей Лазо. <<эПо долинам и по взгорьям>>, <<эГулял по Уралу
Чапаев-герой>>, <<эМарш Буденного>> Дм. Покрасса -- с этими песнями шли в
бой, преодолевали трудности походов.
Часто в песнях-маршах использовались старые мотивы. Так, походная
<<эВзвейтесь, красные знамена>> распевалась на мелодию солдатской песни
<<эВзвейтесь, соколы, орлами>>.
Пелись песни-гимны, полные революционной героики, романтизма, такие, как
<<эКрасная армия всех сильней>>, <<эМарш коммунаров>> (<<эМы за всемирное
братство меч обнажали святой...>>). А на отдыхе, в часы затишья, звучали и
другие напевы. То задумчивые, то шуточные, сатирические, такие, как живущее
до сих пор веселое и задорное <<эЯблочко>>.
В наше время в дни больших праздников -- в годовщину Октябрьской революции,
в День Победы, на Первомай -- на улицах звенят песни. Они несутся из
репродукторов, их поют демонстранты. Их знают все. Всем известны такие,
созданные еще в 50-е годы, массовые песни, как <<эКомсомольцы -- беспокойные
сердца>>. <<эМарш демократической молодежи>>, <<эЕсли бы парни всей земли>>.
Еще с 30-х годов живут и поются нами такие поистине неумирающие песни, как
<<эПесня о Родине>> (<<эШирока страна моя родная...>>), <<эКатюша>>, <<эМосква
майская>>. Все они, такие разные, сходны в одном: их хочется не только
слушать, но и петь самим, петь вместе с друзьями, хором, объединяясь одним
чувством, в одном порыве. Такие песни, созданные для пения на празднике, во
время коллективного шествия, в воинском быту называются массовыми. Эти
массовые песни близки народным, о которых Н. Г. Чернышевский писал, что их
поют <<эне из желания блеснуть и выказать свой голос и искусство, а из
потребности излить свое чувство>>. Не случайно многие из них стали
народными: их поют, часто по-своему, слегка изменяя мелодию, не зная имени
композитора.
Быть может самые распространенные среди массовых песен -- лирические,
рассказывающие о любви и дружбе, воплощающие в себе чувства молодых, их
раздумья, их мечты.
Многие композиторы писали и пишут такие песни. Имена их широко известны.
Это братья Д. и Дм. Покрасс, М. Блантер, И. Дунаевский, В. Захаров, В.
Соловьев-Седой, Б. Мокроусов, В. Мурадели, А. Новиков, А. Островский, А.
Петров, А. Пахмутова, С. Туликов, А. Долуханян, Э. Колмановский и другие.
Массовые детские песни -- это песни пионерские. Они имеют свою славную
историю, начавшуюся еще в 20-х годах песней <<эВзвейтесь кострами>> С. Ф.
Кайдан-Дешкина. Прекрасные пионерские песни написаны И. Дунаевским, Д.
Кабалевским, М. Красевым, Ю. Чичковым, О. Хромушиным и другими советскими
композиторами. А для детей младшего возраста существуют песни М.
Раухвергера, В. Витлина, В. Герчик, Т. Попатенко, Е. Тиличеевой и многих
других авторов.
В последние годы большое распространение получили эстрадные песни -- те,
которые поются исполнителями-профессионалами с эстрады. Они тоже имеют
большую и славную историю. Во Франции издавна существовало искусство
шансонье -- поэтов-певцов. В своем творчестве шансонье обращались к простым
людям, пели о том, что им близко. Владимир Ильич Ленин, находясь в
эмиграции в Париже, очень любил посещать маленькие театрики и кабачки
рабочих окраин, где выступали шансонье, высмеивавшие власть богачей, быт и
нравы обывателей-буржуа, обличавшие несправедливость и зло.
Во многих странах мира песня, звучащая с эстрады, зовет людей на борьбу за
мир, восстает против насилия. Все вы, конечно, слышали имя Виктора Хары,
замечательного чилийского патриота, погибшего в застенках Пиночета. Его
убили фашисты, потому что боялись его песен -- грозного оружия искусства.
Один из главных секретов могущества песни -- ее простота. Даже о самых
серьезных вещах -- о борьбе за свободу, за мир на земле, за счастье, о
верной дружбе, о героических подвигах -- песня умеет говорить простыми
словами, соединенными с несложной, легко запоминающейся мелодией.
Песня, как и подавляющее большинство других вокальных произведений, -- дитя
музыки и поэзии. Но отношения этих искусств между собой здесь несколько
иные, чем, скажем, в романсе или арии. В песне разные стихотворные строфы
поются на одну мелодию, которая повторяется несколько раз. Строфа песни
называется куплетом. Обычно он состоит из двух частей -- запева и припева.
В запеве слова каждый раз меняются, а в припеве -- нет. Вспомните, к
примеру, песню <<эПусть всегда будет солнце>>, созданную А. Островским.
ПИАНИНО -- см. Фортепиано.
ПИЦЦИКАТО. Итальянским словом pizzicato обозначается особый прием игры на
струнных смычковых инструментах. Вы знаете, конечно, что на скрипке, альте,
виолончели и контрабасе играют при помощи смычка, которым водят по струнам.
Но если композитор около нотной строчки струнного инструмента пишет pizz.,
то есть сокращение слова pizzicato, то исполнитель убирает смычок и играет
пальцами, защипывая струны, как это делается у струнных щипковых
инструментов. Звук при этом получается специфический, похожий на звук
гитары или балалайки.
Есть произведения, в которых прием пиццикато использован для подражания
народным инструментам. Лядов в <<эПлясовой>> для оркестра ввел пиццикато
струнных, чтобы изобразить игру балалайки. Римский-Корсаков в <<эИспанском
каприччио>> имитировал таким образом звучание гитары.
Бывают случаи, когда композитор применяет пиццикато не для звукоподражания,
а в выразительных целях. У Чайковского, например, в скерцо Четвертой
симфонии вся струнная группа оркестра играет пиццикато. Легкое, отрывистое
звучание большого количества инструментов придает музыке таинственный,
призрачный колорит.
Полька-пиццикато братьев Иоганна и Иозефа Штраусов потому так и называется,
что струнные все время играют в ней пиццикато.
ПЛЕКТР -- см. Медиатор.
ПОЛИФОНИЯ -- см. Многоголосие.
ПОПУРРИ. Этот музыкальный термин заимствован из... кулинарии. В самом
деле: французы с давних времен пользуются репутацией лучших поваров в мире.
И вот по-французски <> -- сборное блюдо. По-другому -- смесь.
Что же это за <<эсборное блюдо>> в музыке?
Попурри -- пьеса, довольно большая по размерам, чаще всего -- оркестровая
или фортепианная, составленная из заимствованных мелодий. Существуют
попурри на темы известных опер и оперетт, на темы популярных песен. Вам,
наверное, не раз приходилось слышать попурри на темы песен Дунаевского или
Соловьева-Седого. Иногда их называют фантазиями.
ПРИПЕВ -- см. Рефрен.
ПРОГРАММНАЯ МУЗЫКА. Как вы думаете, чем отличается фортепианный концерт
Чайковского от его же симфонической фантазии <<эФранческа да Римини>>?
Конечно, вы скажете, что в концерте солирует фортепиано, а в фантазии его
нет вовсе. Может быть, вы уже знаете, что концерт -- произведение
многочастное, как говорят музыканты -- циклическое, а в фантазии всего одна
часть. Но сейчас нас интересует не это.
Вы слушаете фортепианный или скрипичный концерт, симфонию Моцарта или
сонату Бетховена. Наслаждаясь прекрасной музыкой, вы можете следить за ее
развитием, за тем, как сменяют одна другую разные музыкальные темы, как они
изменяются, разрабатываются. А можете и воспроизводить в своем воображении
какие-то картины, образы, которые вызывает звучащая музыка. При этом ваши
фантазии наверняка будут отличаться от того, что представляет себе другой
человек, слушающий музыку вместе с вами. Конечно, не бывает так, чтобы вам
в звуках музыки почудился шум битвы, а кому-то другому -- ласковая
колыбельная. Но бурная, грозная музыка может вызвать ассоциации и с
разгулом стихии, и с бурей чувств в душе человека, и с грозным гулом
сражения...
А во <<эФранческе да Римини>> Чайковский самим названием указал точно, что
именно рисует его музыка: один из эпизодов <<эБожественной комедии>> Данте.
В этом эпизоде рассказывается, как среди адских вихрей, в преисподней,
мечутся души грешников. Данте, который спустился в ад, сопровождаемый тенью
древнеримского поэта Вергилия, встречает среди этих несомых вихрем душ
прекрасную Франческу, которая рассказывает ему печальную историю своей
несчастной любви. Музыка крайних разделов фантазии Чайковского рисует
адские вихри, средний раздел произведения -- горестный рассказ Франчески.
Существует много музыкальных произведений, в которых композитор в той или
иной форме разъясняет слушателям их содержание. Так, свою первую симфонию
Чайковский назвал <<эЗимние грезы>>. Первой ее части он предпослал заголовок
<<эГрезы зимней дорогой>>, а второй -- <<эУгрюмый край, туманный край>>.
Берлиоз, кроме подзаголовка <<эЭпизод из жизни артиста>>, который он дал
своей Фантастической симфонии, еще очень подробно изложил содержание каждой
из ее пяти частей. Это изложение по характеру напоминает романтическую
новеллу.
И <<эФранческа да Римини>>, и симфония <<эЗимние грезы>> Чайковского, и
Фантастическая симфония Берлиоза -- примеры так называемой программной
музыки. Вы, наверное, уже поняли, что программной музыкой называется такая
инструментальная музыка, в основе которой лежит <<эпрограмма>>, то есть
какой-то совершенно конкретный сюжет или образ.
Программы бывают различными по своему типу. Иногда композитор подробно
пересказывает содержание каждого эпизода своего произведения. Так,
например, сделал Римский-Корсаков в своей симфонической картине <<эСадко>>
или Лядов в <<эКикиморе>>. Бывает, что, обращаясь к широко известным
литературным произведениям, композитор считает достаточным лишь указать
этот литературный источник: имеется в виду, что все слушатели хорошо его
знают. Так сделано в <<эФауст-симфонии>> Листа, в <<эРомео и Джульетте>>
Чайковского и многих других произведениях.
Встречается в музыке и программность иного типа, так называемая картинная,
когда сюжетная канва отсутствует, а музыка рисует один какой-то образ,
картину или пейзаж. Таковы симфонические эскизы Дебюсси <<эМоре>>. Их три:
<<эОт зари до полудня на море>>, <<эИгра волн>>, <<эРазговор ветра с морем>>.
А <<эКартинки с выставки>> Мусоргского потому так и называются, что в них
композитор передал свое впечатление от некоторых картин художника Гартмана.
Если вы еще не слышали этой музыки, постарайтесь непременно познакомиться с
ней. Среди картинок, вдохновивших композитора, -- <<эГном>>, <<эСтарый
замок>>, <<эБалет невылупившихся птенцов>>, <<эИзбушка на курьих ножках>>,
<<эБогатырские ворота в древнем Киеве>> и другие характерные и талантливые
зарисовки. * Р *
РАЗМЕР -- см. Такт.
РАЗРАБОТКА. Этим термином называется тот раздел музыкальной формы
произведения, в котором его тематический материал подвергается наиболее
сильным изменениям, то есть разрабатывается. Осуществляться это может
по-разному: или путем вариационного развития ранее звучавших тем, или при
помощи активного мотивного развития, то есть дробления темы на небольшие, а
то и мельчайшие отрезки, которые затем подвергаются различным изменениям.
Встречаются разработки, построенные на новом, ранее не звучавшем
музыкальном материале. Объем разработки бывает произвольным; она может
состоять из одного или нескольких эпизодов. Основной признак разработки --
это тональная неустойчивость. Ее функция -- возвращение в главную
|
