Серия натюрмортов: Природа, поэзия и искусство - вечны - Педагогика - Скачать бесплатно
МИНИСТЕРСТВО ОБЩЕГО И ПРОФЕССИОНАЛЬНОГО ОБРАЗОВАНИЯ РОССИЙСКОЙ ФЕДЕРАЦИИ
ИЖЕВСКИЙ ПЕДАГОГИЧЕСКИЙ КОЛЛЕДЖ
Аксенова Ксения Евгеньевна
студентка 4 курса 341 группы
очного обучения «дошкольное образование»
Серия натюрмортов на тему:
«Природа, поэзия и искусство – вечны»
Дипломная работа
Научный руководитель:
А.В. Аникина
Ижевск, 2001
План
Введение
1. Актуальность выбранной темы
I. Основная часть:
1. Краткая история развития натюрморта как жанра живописи.
2. Серия натюрмортов на тему: «Природа, поэзия и искусство – вечны».
Этапы работы.
3. Организация педагогической работы по ознакомлению детей с
натюрмортом.
II. Заключение.
III. Библиография.
Приложение
I. Введение
Впервые за много лет у нас появляются направления, концепции,
ставящие целью возрождение культуры, приобщение всех детей к нравственным,
духовным ценностям, в частности, через искусство. Назовем некоторые
комплексные программы. «Мир вокруг нас» (Попова Т.И.) – программа игровой и
художественной деятельности предполагает полихудожественные формы развития
и воспитания детей, которая позволяет приобщить детей к искусству разных
видов, понять их истоки, приобрести базовые представления об отдельных
формах художественной деятельности; программа «Семицветик» (Ашиков В.И. и
Ашикова Е.Г.) предполагает то же самое. Программа художественно
–эстетического развития дошкольников (Т. Фокина и В. Хитрова) ставит
несколько задач: развитие эмоциональной отзывчивости на произведения
искусства, знакомство со всеми видами искусства, формирование умения
высказывать свое отношение, умение сравнивать, анализировать, обобщать и
т.д. Наиболее разработанные разделы по изобразительной деятельности и
эстетическому восприятию произведений изобразительного искусства, на наш
взгляд, есть в программах «Радуга» и «Детство».
Тема диплома: «Серия натюрмортов «Природа, поэзия, искусство –
вечны»» выбрана не случайно, она содержит в себе проблему. Проблемой
является то, что эта тема недостаточно разработана в контексте новых задач
эстетического развития дошкольников. Следует отметить, что эстетическому
воспитанию детей средствами изобразительного искусства, приобщению их к
прекрасному, долгое время придавалось лишь второстепенное значение. Прежде
всего стремились развивать у детей высокую мыслительную активность, а
духовное их развитие оставалось на втором плане. Как понятна в этом плане
тревога художника и педагога Б.М. Неменского, смысл которой заключался в
том, чтобы с раннего детства успеть воспитать у ребят «невосприимчивость к
художественным суррогатам, привить им против этого иммунитет, выработать
художественный вкус, эстетическую взыскательность, самостоятельность
суждений, понимание подлинного искусства.»
Особая роль в эстетическом воспитании принадлежит искусству.
Характерная особенность искусства – отражение действительности в
художественных образах, которые действуют на сознание и чувства ребенка,
воспитывают в нем определенное отношение к событиям и явлениям жизни,
помогают глубже и полнее познавать действительность. Влияние искусства на
становление личности человека, его развитие очень велико. Душа ребенка
предрасположена к восприятию прекрасного, ребенок способен тонко
чувствовать живопись. Эстетическое образование предполагает ознакомление с
разными видами искусства, накопление эстетических впечатлений и образов,
пробуждение интереса к произведениям искусства, первые шаги к осознанному
творческому процессу, воспитание грамотного зрителя, способность понимать,
созерцать и оценивать произведения искусства, воспитание видения
прекрасного во всех жизненных проявлениях.
Произведения живописи, богатые по своему идейному содержанию и
совершенные по художественной форме, формируют художественный вкус,
способность понять, различить, оценить прекрасное не только в искусстве, но
и в действительности, в природе, в быту. Живопись воссоздает все богатство
и многообразие мира. Средствами живописи воссоздается реальный мир с
пространственной глубиной, объемом, цветом, светом, воздухом.
II. Основная часть
1. Краткая история развития натюрморта как жанра живописи
Мир искусства многогранен. Одной из прекрасных его граней является
изобразительное искусство и, в частности, живопись. А одним из
интереснейших и своеобразных жанров живописи – натюрморт. Приступая к
работе над натюрмортами, возникла необходимость познакомиться с историей
жанра натюрморт, работами известных художников. Кратко остановимся на
истории натюрморта как жанра живописи.
Натюрморт как жанр живописи возник в Европе на границе 16-17
столетий, но его предыстория началась значительно раньше. Наряду с бытовым
жанром, натюрморт долгое время считался второстепенным видом живописи, в
котором невозможно выразить высокие общественные идеи, гражданские
добродетели. Однако великие мастера доказали, что вещи могут
характеризовать и социальное положение, и образ жизни их владельца,
порождая, таким образом, различные ассоциации и социальные аналогии.
Древние авторы упоминают о первом мастере натюрморта – греческом
живописце Пернакосе, жившем в эллинистическую эпоху. Возможно, что его
картины послужили образцами для фресок в Помпеях. Это яркие и сочные
изображения цветов, фруктов, а также ритуальных сосудов, письменных
приборов, монет.
Наиболее распространенной разновидностью натюрморта является
изображение предметов домашнего обихода. Этот тип натюрморта, тесно
связанный с развитием бытового жанра, интерьера, пейзажа, ярко расцвел в
западно-европейском искусстве 17 века. Каждая национальная художественная
школа по-своему, самобытно решала эту проблему. Так, например, голландский
натюрморт 17 века поражает богатством тем. В каждом художественном центре
страны живописцы предпочитали свои композиции: в Утрехте – из цветов и
плодов, в Гааге – из рыбы. В Харлеме писали скромные «завтраки», в
Амстердаме – роскошные «десерты», а в университетском Лейдене – книги и
другие предметы для занятий науками и традиционные символы мирской суеты –
череп, свечу, песочные часы.
В натюрмортах относящихся к началу 17 столетия, предметы расставлены
в строгом порядке, словно экспонаты в музейной витрине. В подобных картинах
детали наделены символическим значением: яблоки напоминают о грехопадении
Адама, а виноград – об искупительной жертве Христа. Раковина – оболочка,
оставленная когда-то жившим в ней существом, увядшие цветы – символ смерти.
Бабочка, родившаяся из кокона, означает воскрешение. Таковы, например,
полотна Балтазара ван дер Аста (1590 – 1656 гг.)
У художников следующего поколения вещи уже не столько напоминают об
отвлеченных истинах, сколько служат для создания самостоятельных
художественных образов. В их картинах привычные предметы обретают особую,
не замеченную прежде красоту. Вид натюрморта, получивший название
«завтраков», приобрел наиболее совершенные и законченные черты в творчестве
живописцев харлемской школы Питера Класа и Виллема Хеды. Они стали
создателями национального натюрморта с изображением накрытых столов,
уставленных скромным набором предметов , типичных для семьи голландского
бюргера 1630 – 1640-х годов. Интимность, простота и серьезность этих
произведений отражают бытовой уклад, вкусы, симпатии и настроения первого
поколения голландского буржуа, выросшего в свободной, независимой стране.
Харлемский живописец Питер Клас (1597 – 1661 гг.) тонко и умело
подчеркивает своеобразие каждого блюда, бокала, горшка, найдя для любого из
них идеальное соседство. В натюрмортах его земляка Виллема Класа Хеды
(около 1594 – около 1680 гг.) царит живописный беспорядок. Чаще всего он
писал «прерванные завтраки». Смятая скатерть, перепутанные предметы
сервировки, еда, к которой едва притронулись, – все здесь напоминает о
недавнем присутствии человека. Картины оживлены многообразными световыми
пятнами и разноцветными тенями на стекле, металле, полотне («Завтрак с
крабом», 1648 г.)
Во второй половине 17 века место скромных «завтраков» Класа и Хеды
займут более богатые и эффектные «десерты» Адриана ван Бейерена и Виллема
Кальфа. На их полотнах изображены грандиозные пирамиды из дорогой посуды и
экзотических фруктов. Здесь и чеканное серебро, и голубой фаянс, и кубки из
морских раковин, цветы, виноградные гроздья, полуочищенные плоды. В этих
натюрмортах поражает любовное внимание к особенностям каждого предмета,
умение тонко сопоставить материал и фактуру, разнообразные композиции,
изысканные красочные сочетания, виртуозное мастерство в передаче каждого
предмета.
Резким контрастом к этим небольшим полотнам выглядят картины
фламандских художников того же времени. Это огромные декоративные
натюрморты с изображением сочных и спелых плодов, фруктов, битой птицы,
кабаньих и оленьих голов, разделанных мясных туш, разнообразных рыб, от
самых обычных до редких и экзотических пород. Автором этих картин был Франс
Снейдерс (1579 – 1657 гг.), а сами полотна составляют оригинальный и
своеобразный тип натюрморта, получивший название «лавки» («Рыбная лавка»,
«Фруктовая лавка», «Натюрморт с лебедем»). Снейдерс с любовью и мастерством
передает цвет, форму, фактуру предметов, располагая дары природы в
неожиданных сочетаниях и при резком освещении, и объединяет их в роскошные
декоративно-целостные циклы картин.
Художественная доктрина классицизма отнесла натюрморт к числу
низменных жанров, однако именно в 18 веке во Франции появляются
великолепные полотна Ж. Б. С. Шардена (1699 – 1779 гг.). Мастер был знаком
с голландской и испанской традициями этого жанра, но его отношение к
натюрморту неповторимо и оригинально. Для своих картин он выбирал несколько
очень простых предметов («Медный бак», «Трубки и кувшин»), составляя из них
строгую и ясную композицию. Краски художника или яркие, или приглушенные,
на манер рококо. Шарден первым стал писать саму плоть, материю вещей их
подлинным цветом, вместо того, чтобы раскрашивать их.
Интерес к натюрморту значительно усиливается во второй половине 19
века. Импрессионисты во Франции ставят акцент на живописном восприятии мира
вещей, решают проблемы свето-цветовых отношений, нередко трактуют натюрморт
как своеобразное декоративное панно.
Постимпрессионисты (П. Сезанн, В. Ван Гог, А. Матисс) в натюрмортах
акцентируют свежесть первого впечатления, разрабатывают сложные проблемы
композиционного и цветового решения картины. Необычайно колористическая
экспрессивность А. Матисса видна в работах: «Подсолнечники в вазах» –
теплая цветовая гамма; «Фрукты и кофейник» – холодная гамма; «Синий горшок
и лимон» – цветовая доминанта. П. Сезанн в своих натюрмортах великолепно
использовал свойства холодных тонов уходить в глубину, а теплых –
выдвигаться навстречу («Фрукты», «Натюрморт с яблоками», «Персики и
груши»). Он также утверждал, что «все в природе лепится в форме шара,
конуса, цилиндра…»; пространственное восприятие предмета зависит от его
цвета.
С начала 20 века натюрморт становится своего рода творческой
лабораторией живописи. Мастера фовизма идут по пути обостренного выявления
эмоциональных и декоративно-экспрессивных возможностей цвета и фактуры, в
то время как представители кубизма (П. Пикассо) утверждают новые способы
передачи пространства и предметов: конструируют объемы на плоскости,
расчленяют формы на простые геометрические тела, воспринятые с разных точек
зрения, применяют суровые, почти монохромные тона, в затем вводят в картины
коллажи – различные присыпки, куски газет и другие материалы.
В зарубежном натюрморте середины и второй половины 20 века выделяются
работы итальянского живописца Д. Моранди, отличающиеся мягким
созерцательным настроением, ясными композиционными построениями, блеклой
цветовой гаммой. Социальные тенденции нашли отражение в экспрессивных,
скупых по подбору предметов произведениях мексиканцев Д. Риверы, Д.
Сикейроса, итальянца Р. Гуттузо.
Первые русские натюрморты – «обманки» – работы Г. Теплова и Т.
Ульянова появились в России в 18 веке. «Обманные» натюрморты, изображающие
развешанные по деревянной стенке предметы и книжные полки отличаются тем,
что художники стремились довести до предела иллюзию – зритель должен был
обмануться, принять изображение за натуру. Натюрморт рассказывал о круге
занятий художников-интеллигентов (чтение, музицирование, увлечение
искусством, деловая переписка) и просто о предметах быта.
В начале 19 века появилась мода на «ботанический натюрморт» – это
были натюрморты Ф. Толстого: «Ягоды красной и белой смородины», «Букет
цветов, бабочка и птичка». В конце 19 века – в начале 20 века натюрморт
выходит из жанра пейзажа. Художники восхищаются предметами не столько за их
собственную красоту, сколько за причастность к прекрасному, полному
воздуха и света миру. Новые натюрморты появляются из под кисти известных
пейзажистов, например; И. Левитан «Одуванчики»; И.Э. Грабарь «Хризантемы»,
«Ваза с флоксами»; К. Коровин «Натюрморт. Розы», «Сирень», «Букет на берегу
моря».
На начало 20 века приходится расцвет русского натюрморта. К. Коровин
и мастера объединения «Бубновый валет» создают мажорные, сочные
произведения, воспевающие полнокровную красоту бытия. Произведения Ильи
Машкова прекрасно демонстрируют особенности «русского сезаннизма». Его
натюрморты – это куски жизни, это предметы самые обычные, но поданные с
самой лучшей их стороны. В натюрморте «Синие сливы» художник стремился
передать сочную синеву плодов и их упругую форму. В других работах «Снедь
московская. Хлебы» мастер стремился привлечь внимание к красоте самих
красок – густых и очень ярких.
В советском искусстве 20-30 годов и в последующие годы над
натюрмортами работали такие художники: П. Кончаловский, А. Куприн, А.
Лентулов, М. Сарьян, А. Остернин, А. Герасимов. Своеобразные по манере,
отражающие существенные особенности современной эпохи, натюрморты были
созданы в 40-50 годах П. Кузнецовым, Ю. Пименовым. В 60-80 годах тяготение
к повышенной предметности изображения, стремление к эстетизации окружающего
человека мира вещей наблюдалось в натюрмортах В. Стожарова, А. Никич.
Весьма своеобразные натюрморты представителей поп-арта,
провозгласивших после засилья абстракционизма «возвращение к реальности».
Их работы воспроизводят предметы домашнего обихода, упаковку товаров,
детали машин и рассчитаны на многообразные ассоциации у зрителя.
2. Серия натюрмортов на тему: «Природа, поэзия и искусство – вечны». Этапы
работы.
Кратко ознакомившись с историей натюрморта, мы поняли, что этот
термин появился в начале 19 века во Франции и означает «мертвая натура».
«Натюрморт – это жанр, в котором художник выражает свое отношение к
действительности посредством изображения предметов, которые он объединяет
сначала в натуре, а затем на полотне смысловыми и эстетическими связями, не
обязательно обусловленными, жизнеподобными; бытовыми, пространственными
отношениями между этими предметами» (Г.К. Черлинка, «Натюрморт в советской
живописи» // Искусство, 1988 г., №5, с. 13).
Жанр натюрморта многогранен, его основной объект – интимная, частная
жизнь человека, его простые будничные дела и потребности, выраженные в
предметах – еде, питье, домашней утвари, элементах растительного мира,
произведениях прикладного и изобразительного искусства, объектах и
инструментах труда. Художник изображает внешний мир: форму, цвет, фактуру
предметов, плотность, мягкость, сочность, влажность, прозрачность,
хрупкость. Одна из основных тем жанра – тема любви к природе, тема её
познания и освоения, восхищения изобилием её даров, в бесконечной красоте и
разнообразии. Функция этого жанра – придать неизменность изменчивому,
закрепить нестойкую красоту, сдержать ход времени, сделать тленное вечным.
Это придает натюрмортам философскую глубину.
Творческий процесс над серией натюрмортов начинался не с первых
штрихов карандаша или мазков краски, а с задумывания и постановки
натюрморта, выбора его темы.
На выбор темы повлияло знакомство с натюрмортами: Клас «Завтрак», В.
Хеда «Ветчина и серебрянная посуда», И. Репин «Яблоки и листья», Е. Романов
«Цветы в интерьере», Г. Нисский «Сенеж. Синие сумерки», М. Кугач «Ветка
яблони», В. Мухина «Натюрморт с геранью», И. Ромадин «Северный интерьер»,
М. Шагал «Окно на даче», О. Бусыгина «Красный май», Е Кузнецов «Двенадцатый
этаж». А также знакомство со стихами:
Ф. Тютчева о весне:
«…Еще природа не проснулась,
Но сквозь редеющего сна
Весну прослышала она
И ей невольно улыбнулась…»;
об осени:
«… Пустеет воздух, птиц не слышно боле,
Но далеко еще до первых зимних бурь –
И льется чистая и теплая лазурь
На отдыхающее поле…»;
А.К. Толстого о весне:
«… Юный лес, в зеленый дым одетый,
Теплых гроз нетерпеливо ждет;
Всё весны дыханием согрето,
Всё кругом и любит и поет…»;
Д. Кедрина о зиме:
«… На окнах, сплошь заиндевелых,
Февральский выписал мороз
Сплетенье трав молочно-белых
И серебристо-сонных роз…»;
И. Бунина о зиме:
«…Зимним холодом пахнуло
На поля и на леса.
Ярким пурпуром зажглися
Пред закатом небеса…»;
Н. Грекова об осени:
«Приметы осени во всем встречает взор:
Там тянется, блестя на солнце, паутина,
Там скирд виднеется, а там через забор
Кистями красными повиснула рябина…»
Работы художников и стихи русских поэтов-классиков подтолкнули меня к
выбору основной темы – «Природа, поэзия и искусство – вечны».
После выбора темы начался этап эскизов – поиск изобразительного
решения обозначенной темы. Было решено, что это будет триптих под условным
названием «Осень, зима, весна». Затем начался предварительный анализ
натюрмортов, были сделаны эскизы-наброски на отдельных листах. Так как, на
наш взгляд, натюрморт вышел из жанра пейзажа, через пейзажное восприятие
мира, было решено, что главным связующим звеном будут окно и пейзаж за
окном. Началась проработка в эскизах композиционного решения каждого
натюрморта и его схематическое решение, а также поиски соотношения общих
масс предметов натюрморта, изучение характера предметов и уточнение
пропорциональных соотношений между частями отдельных предметов,
конкретизация формы. Наиболее удачные эскизы были использованы для работы
над этюдами.
Этюды – это работы, выполненные с натуры. Они служат подготовительным
материалом при создании произведений. С помощью этюдов конкретизируется
замысел произведения, прорабатываются детали, находятся цветовые и тоновые
решения натуры, а также способы и приемы письма. На первоначальном этапе
было сделано 3 этюда, решенные в приблизительной цветовой гамме и
написанные акварелью и гуашью.
Акварелью были написаны этюды с осенними и весенними пейзажами за
окном, потому что важнейшими свойствами акварельных красок являются
прозрачность, чистота цвета, мягкость тончайшего красочного слоя. Акварель
прекрасно передает ясность небесной лазури, серебро и легкость облаков,
игру водяных струй дождя, нежность цветочных лепестков, молодых зеленых
листьев. Возможности акварели широки – её краски то сочны и звонки, то
воздушны, едва уловимы, то плотны и напряжены. Акварель незаменима в
передаче стремительно меняющихся состояний природы, эффектов освещения и
яркий впечатлений. Ничем, на наш взгляд, кроме акварели невозможно было
передать свежесть впечатления от пробуждающейся природы и сиюминутность
желтизны и красоты золотой осени.
Для достижения выразительности были использованы различные техники
акварельной живописи, которые сочетались в одной работе – это приемы «по
сухому», «по сырому» и лессировка. Первый слой работ под условным названием
«Осень», «Весна» писался «по сырому», то есть перед нанесением красочного
слоя бумага смачивается с двух сторон водой. Этой техникой были написаны
весенние и осенние пейзажи за окном. Для окончания работы использовала
лессировку – наложение одного цвета на другой, работала почти сухой кистью,
которая обогатила цветовое и фактурное решение работ.
Этюд под условным названием «Зима» был выполнен в технике гуаши.
Выбор этой техники был не случаен, так как гуашь – краска непрозрачная,
плотная и, высыхая, она приобретает матовую бархатистость, что напоминает
фактуру снега. Гуашь содержит белила, которые так необходимы в передаче
зимнего состояния природы.
Завершив работу над тремя этюдами, обозначились названия трех работ:
«Первоосенье», «Зимний натюрморт», «Весточки весны». Эпиграфами к этим
работам стали стихи И.С. Никитина, Ф. Тютчева, А. Векслера.
К работе «Весточки весны» – стихи И.Никитина:
«… Зимы-матушки царство прошло,…
Пробудись и умойся росою,
В ненаглядной красе покажись,
Принакрой свою грудь муравою.
Полюбуйся: весна наступает…»;
К работе «Первоосенье» – стихи Ф. Тютчева:
«… Как увядающее мило!
Какая прелесть в нем для нас,
Когда, что так цвело и жило,
Теперь так немощно и хило
Последний улыбнется раз!..»;
К работе «Зимний натюрморт» – стихи А. Векслера:
«Дожив до нынешней поры,
|
