мысль - стоит ли тратить так много времени, чтобы выяснить, что
услышали в музыке ученики. Не проще ли самой, рассказав программу
произведения, направить на музыкальное мышление ребят по строго
определенному руслу?» Да, - ответила Головина, - вне всякого сомнения, я
намного бы облегчила себе жизнь, окружив восприятие музыки всей богатой
информацией, связанной с содержанием и историей создания музыки. И, думаю,
сделала бы это ярко, увлекательно, так что ребята заслушивались бы. Все
это, конечно, будет обязательно, но не сейчас. Потому что сейчас передо
мной другая задача - увидеть, насколько способны сами ребята без всяких
пояснений в самой музыке услышать основное содержание. Мне нужно, чтобы они
до этого дошли сами. Услышали в самой музыке, а не втиснули в сюжет то, что
знали по истории, увидели по телевидению, прочитали в книгах».
Также с первых шагов надо учить осмысленному, прочувственному пению.
Наблюдая те моменты уроков, когда шло разучивание песни или работа над ней,
- пишет Т. Вендероваа, - невольно вспоминаешь более типичные уроки, когда
представление о выразительности музыки, о связи музыки с жизнью с началом
конкретной вокально-хоровой работы как-то незаметно испаряется, вроде бы
становится ненужным, лишним». Головина обладает качеством настоящего
музыканта, добивались органического единства, художественного и
технического в исполнении музыки. Причем способы, приемы разнообразятся в
зависимости от произведения, возраста детей, конкретной темы. «От слоговых
обозначений ритма я давно отошла, - говорит Головина, - считаю, что они в
большей мере механичстичны, т.к. расчитаны на исполение ритмических
рисунков, в которых или не заложено никакого музыкального образа, или самый
элементарный, ведь весь начальный релятив построен на элементарном».
Головина стремится, чтобы дети «пропускали через себя» любую песню.
Надо искать песни, которые нам раскрывают современные проблемы, надо учить
детей, подростков и в пении думать, размышлять.
«Я стараюсь, - говорит Маргарита Федоровна, - раскрывать ребятам, как
саму жизнь, бесконечно меняющуюся, способную к превращению, к тайне. Если
это настоящее произведение искусства - его невозможно познать до конца».
Головина старается сделать все, что в ее силах: человека, учителя музыки,
для того, чтобы заставить ребят приобщиться к высоки идеалам, к серьезным
проблемам жизни, к шедеврам искусства. Ученики Маргариты Федоровны видят,
как в произведении искусства любого жанра она ищет глубокий духовный смысл.
М.Ф. Головина сама впитывает живо все происходящее вокруг и не дает ребятам
замыкаться в рамках урока. Выводит их на сравнения, параллели,
сопоставления, без чего не может быть осмысление окружающего мира и себя в
нем. Она будит мысль, бередит душу. Она сама словно олицетворяет те
удивительные уроки музыки и жизни, которые дает детям.
Л.Виноградов считает, что «учитель музыки должен быть уникальным
специалистом, чтобы раскрыть ребенку музыку в ее целостности». Что же нужно
делать, чтобы у ребенка действительно сформировалось целостное
представление о музыке?
Музыка имеет общие законы: движения, ритма, мелодии, гармонии, формы,
оркестровки и многим другим, связанным с общим пониманием того, что такое
музыка. Осваивая эти законы ребенок идет от общего к частному, к конкретным
произведениям и их авторам. И ведет его по этапному пути читель музыки.
Итак, надо выстроить учебный процесс не от конкретного к общему, а
наоборот. И не говорить о музыке, а делать, выстраивать ее, не разучивать ,
а создавать свое на отдельном элементе. Здесь уместно выполнить завещание
великих музыкантов - сначала ребенка нужно сделать музыкантом, а уж затем
жать за инструмент. Но может ли каждый ребенок стать музыкантом? Да, может
и должен. В.Гюго говорил о трех «языках» культуры - о языке буквы, цифры и
ноты. Сейчас все убедились в том, что все могут читать, считать. Пришло
время, - считает Лев Вячеславович Виноградов, - убедиться в том, что все
могут стать музыкантами. Ибо музыка, как эстетический предмет
сформировалась не для избранных, а для всех однако, чтобы действительно
стать музыкальным, нужно что-то особенное, что называется музыкальным
чувством.
Знаменитый русский пианист А.Рубинштейн на всех своих концертах играл
с огромным успехом, даже тогда, когда в его игре обнаруживались помарки, и
очень заметные. Другой пианист тоже концертировал, но не так успешно, хоть
и играл без помарок. Успех А.Рубинштейнв не давал ему покоя: «Может быть,
все дело в ошибках великого мастера?» - рассказывал пианист. И на одном
концерте решил сыграть с ошибками. Его освистали. У Рубинштейна были
ошибки, но была и музыка.
Очень важно при восприятии музыки положительная эмоция. В Кирове, в
мастерских дымковеной игрушки обращаешь внимание на то, что у всех мастериц
приятные, светлые лица (хотя условия их работы составляют желать лучшего).
Они отвечают, что, уже подходя к мастерским, они настраивают себя на
положительные эмоции, ибо глину не обманешь, будешь ее мять с плохим
настроением - игрушка получится гадкая, ущербная, злая. С ребенком точно
также. Строгий взгляд, недовольная физиономия взрослого не делает его
настроение хорошим.
Ребенок, издерганный родителями, воспитателями и другими взрослыми,
приходит на занятия с плохим настроением. Для этого ему необходимо
«разрядиться». И только разрядившись успокоиться и заняться настоящим
делом. Но у детей есть выход из такого положения. И этот выход должен
организовать взрослый. «На занятиях я проигрываю с детьми все эти ситуации,
- пишет Л.Виноградов. Например, плеваться неприлично, и ребенок это знает.
Но на нашем уроке мне надо проделать это как упражнение для дыхания.
(Плюемся мы, конечно, «всухую»). На уроке он может позволить себе это без
опаски. Может он и покричать, и посвистеть сколько угодно, и почавкать, и
полаять, и повыть, и многое другое». И все это использует Л.Виноградов
нацеленно, с пользой для урока, для полноценного общения с музыкой, для
целостного его восприятия.
Также очень важным Л.Виноградов считает ритмическую организацию
человеческого тела. Ритмическая организация - это ловкость,
скоординированность, удобство. При этих условиях легче учиться.
Л.Виноградов предлагает детям, например, также задания: изобразить телом,
как падают листочки. «Или, - рассказывает Виноградов, - моем пол, наблюдая,
что происходит с тряпкой, как она изгибается, как ее выжимают, как с нее
капает вода и т.д., а затем изображаем... половую тряпку». На занятиях с
детьми широко используется пантомима, т.е. дается детям задание изобразить
какую-то жизненную ситуацию (взять нитку и иголку и пришивать пуговицу и
др.). У многих детей очень хорошо получается. А это покажет тот ребенок, у
которого оказался скудный жизненный опыт, ограниченный в предметных
действиях? Если тело его двигать мало, то и мышление у него ленивое.
Пантомима интересна и полезна детям любого возраста, особенно тем, у кого
плохо с воображением. Система обучения Виноградова помогает детям глубже
проникать в «тайники» музыки.
Подготовка к восприятию музыки, может осуществляться в разных формах.
Более подробно остановимся на подготовке восприятия музыкального образа
образом другого искусства.
Наиболее отчетливо тенденция образной подготовки к восприятию музыки
проявляется тогда, когда эта подготовка опирается на образ другого
искусства. Такие параллели, как рассказ К.Паустовского «Старый повар» и
вторая часть симфонии «Юпитер» В.Моцарта, картина В.Васнецова «Богатыри» и
«Богатырская симфония» А.Бородина, картина Перова «Тройка» и романс
Мусоргского «Сиротка».
Подготовка восприятия музыкального образа образом другого искусства
имеет ряд неоспоримых преимуществ: настраивает ребят на живое, образное
восприятие музыки, формирует художественные ассоциации, очень важное при
восприятии любого искусства, в том числе и музыки. Подготовка восприятия
музыкального образа образом другого искусства не должна носить характера
программы последующего восприятия музыки. Рассказ, прочитанный перед
слушанием музыки, не пересказывает ее, точно также и музыка, звучащая после
рассказа, не следует за перепитиями рассказа. Картина, показанная перед
слушанием музыки, не рисует музыку, точно также и музыка, звучащая после
просмотра картины не изображает картинку. Вспомните гениальную «Троицу» А.
Рублева. По трем сторонам престола с жертвенной трапезой сидят трое.
Четвертая сторона престола пуста, она обращена к нам. «...И к сотворившему
мне войду и вечерять с ним буду, а он со мною». Таковой же должна быть и
природа вхождения ребенка в музыку в общеобразовательной школе: от
интонации слова («Вначале было слово») в интонац строй музыки, в ее
средцевину, в главный образ образ. И там, внутри ее, стараться раскрыть
свою душу. Не профессиональное, музыковедческое изучение, не разложение
музыкального произведения по полочкам на термины, строчки названия, а
целостное его восприятие. Постижение музыки и осознание того, как же ты,
именно ты, сможешь решить вечные проблемы человеческого бытия: добра и зла,
любви и предательства. Потому что она обращена к тебе, и для тебя в ней
оставлено место. «И к сотворившему мне войду».
Опыт работы показывает, что достаточно серьезным культурным пробелам
детей 5 - 7 классов является отсутствие основ музыкально-исторического
мышления. У школьников не всегда складывается достаточно четкое
представление об исторической последовательности рождения тех или иных
музыкальных шедевров, отсутствует нередко чувство историзма в составлении
родственных явлений в музыке, литературе, живописи, хотя современная
программа позволяет учителю более глубоко, нежели в других гуманитарных
дисциплинах, осуществлять межпредметные связи, показывать внутренне родство
музыки и других искусств.
В связи с этим хочется напомнить, что музыка как вид искусства
складывалась исторически в ряду других видов художественной деятельности,
включая танец, театр, литературу, в наши дни - кино и др. Все взаимосвязи с
другими видами искусств являются генетическими, а роль в системе
художественной культуры - синтезирующей, о чем свидетельствуют и
многочисленные музыкальные жанры, прежде всего - опера, романс, программная
симфония, мюзикл и т.д. Эти особенности музыки дают широкие возможности ее
изучения по эпохам, стилям, различным национальным школам в контексте всей
художетсвенной культуры, ее исторического становления.
Представляется важным, чтобы через восприятие, осмысление, анализ
собственно музыкальных образов у школьников складывались ассоциации с
другими видами искусства, на основе именноисторического развития
художественной культуры. Путь к этому, - считает Л.Шевчук, учитель музыки
шк. №622 гю Москвы, - в специально организованных внеклассных занятиях.
Необходимо, чтобы внеклассная работа была так построена, чтобы
картины художественной культуры прошлого воспринимались ребятами не «плоско-
фотографически», а объемно, в их внутренней логике. Хотелось бы, чтобы
ребята почувствовали особенности художетсвенного мышления той или иной
эпохи, в контексте которой создавались произведения музыкального искусства,
поэзии, живописи, театра.
Главными методическими приемами таких «Путешествий» стали два. Во-
первых, необходимо «погружение в эпоху, в историю, в духовную атмосферу,
способствующую рождению великих творений искусства. Во-вторых, необходимо и
возвращение в современность, в наши дни, т.е. известная актуализация
содержания произведений прошлых эпох в культуре современной,
общечеловеческой.
Например, можно организовать путешествие в «Древний Киев».
Художественным материалом послужили былины, репродукции древних киевских
храмов, колокольной звон, записи отрывков одноголосногознаменного пения.
Сценарий занятия включил в себя 3 части: сначала рассказ о ранней
средневековой русской культуре, о христианском храме и его неповторимой
архитектуре, о колокольном звоне и хоровом пении, о значимости городской
площади, где сказители - гусляры исполняли свои былины и народные игрища,
носящие отпечаток языческого культа. На этой части занятия звучат колядки,
которые ребята затем исполняют хором. Вторая часть посвящена былинам.
Говорится о том, что это песни о старине (в народе - старины), появились
очень давно и передавались из «уст в уста». Многие сложились в Киевской
Руси. Ребята зачитывают отрывки из полюбившихся былин и Святогоре, Добрыне,
Илье Муромце и др. Последний фрагмент «Путешествия» носит название «Древняя
Русь глазами художников других эпох». Здесь звучат отрывки из «Всенощной»
С.Рахманинова, «Перезвонов» А.Гаврилина, используются репродукции
В.Васнецова, Н.Рериха.
Искусство зародилось на заре цивилизации как отражение чувств и
мыслей человека. Сама жизнь было его источником. Человека окружал огромный
и многообразный мир. События, происходившие вокруг, влияли на его характер,
жизненный уклад. Искусство никогда не существовало отдельно от жизни, не
было чем2то иллюзорным, оно слито с языком людей, обычаями, особенностями
темперамента.
С первого урока 1 класса мы размышляем о месте музыки в жизни людей,
ее способности отразить самые неуловимые состояния человеческой души. С
каждым годом дети все глубже воспринимают мир музыки, полный чувств и
образов. А какие чувства испытывает человек, когда шьет себе костюм,
украшает его вышивкой, строит жилище, слагает сказку? А могут ли эти
чувства радости или глубокой грусти и печали, выразиться в кружевах,
изделиях из глины? Может ли музыка как отражение жизни во всех ее
проявлениях, выразить эти же чувства и превратить какое-нибудь историческое
событие в былину, песню, оперу, кантату?
Русский человек всегда любил мастерить игрушки из дерева. Истоки
любого промысла уходят в глубокую древность, и мы не знаем, кто первый
сотворил игрушку, давшую жизнь промыслу «Богородская резьба». На Руси по
дереву резали все мальчишки, оно кругом - рука сама тянется. Возможно
умелец долго служил в армии и, вернувшись пожилым человеком, стал на
радость соседских ребят делать забавные игрушки, и, конечно, в них
отразилась жизнь. Так песня «Солдатушки» с широкими, размашистыми ходами в
мелодии, яркой сильной долей перекликается с грубоватой, резкой манерой
резьбы деревянного солдатика. Это сравнение помогает глубже понять силу,
смекалистость, твердость русского характера, истоки музыки.
Точные, яркие, лаконичные характеристики на уроке, интересный
наглядный материал помогут показать детям, что музыка русская и музыка
других народов тесно связана с жизнью. Музыка отражает быт, природу,
обычаи, исторические события, чувства и настроения.
По традиции, каждое из искусств, дается школьникам раздельно, слабо
скреплено с их общими знаниями, представлениями и деятельностью. Слабо
развита и общая теория художественного воспитания и становления личности
ребенка под воздействием искусств, в том числе и в процессе их
взаимодействия.
Разработанные методические приемы больше рассчитаны на художественный
профессионализм, чем на развитие образного мышления и чувственного
восприятия окружающего мира. Но исследовательский опыт и моя собственная
практика, - пишет Ю.Антонов, педагог школы-лаборатории детского творческого
объединения Литвы «Муза», - подтверждают, что напраленность на узкий
профессионализм не способствует развитию творческой мысли детей, особенно в
начале обучения.
В связи с этим возникла идея создания структуры, где взаимодействуют
искусство во главе с музыкой и изобразительным искусством. Занятия
проводились таким образом , что стержнем всей работы была музыка, ее
содержание, эмоциональная окраска, круг ее образов. Именно музыка давала
толчок изобретательности и пластике, она передавала состояние персонажей.
Заниятия включали разные виды художественного творчества, от графики и
живописи до хореографии и театрализации.
Как потом рассказывали сами ребята, - пишет Ю.Антонов, - установка на
выражение содержания в линиях и цвете мобилизовала их на иное слушание, а
впоследствии та же музыка в движении выражалась уже легче и свободнее.
Л. Бурал, педагог ДМШ, размышлял о содружестве искусств, пишет: «Я
поняла что очень важно обдумывать подачу материала. Иногда уместно вставить
поэтическое слово вместо беседы или анализа, но очень точным должно быть
это слово, созвучным с темой, не отвлекающим и не уводящим от музыки».
К. Ушинский утверждал, что педагог, желающий что-нибудь прочно
запечатлеть в сознании детей, должен позаботиться о том, чтобы как можно
больше чувствприняли участие в акте запоминания.
Многие педагоги применяют на уроке музыки в школе фотографии,
репродукции произведений изобразительного искусства. Но все они при этом
помнят, что восприятие образа, эмоциональный отклик в душе каждого ребенка
зависят от того, как преподносит репродукцию или портрет композитора
учитель, в каком формате, цвете, в каком эстетическом виде. Не вызовет
должного отклика неопрятная, потертая репродукция, с гнутыми, потрепанными
краями, просвечивающимся текстом обратной стороны, жирными пятнами...
Сочетание музыки, поэзии, изобразительного искусства дает учителю
безграничные возможности сделать урок увлекательным и интересным для
учеников.
Можно использовать, например, при изучение творчества А. Бетховена
строки стихотворения Вс. Рождественского:
Где брал он эти сумрачные звуки
Сквозь плотную завесу глухоты?
Соединенье нежности и муки,
Ложащиеся в нотные листы!
Касаясь верных клавиш лапой львиной
И встряхивая гривою густой,
Играл, не слыша ноты ни единой
Глухою ночью в комнате пустой.
Текли часы и оплывали свечи,
Шло мужество наперекор судьбе
А он всю совесть муки человечьей
Рассказывал лишь самому себе!
И убеждал себе и верил властно,
Что и для тех, кто в мире одинок,
Есть некий свет, рожденный не напрасно,
А музыка - бессмертия залог!
Большого сердца шорохи и скрипы
Вели свой разговор сквозь полусон,
И слышали в окне раскрытом липы
Все то, чего не слышал он.
Луна над городом встает все выше
И глух не он, а этот мир вокруг,
Который вещей музыки не слышит,
Рожденной в счастье и горниле мук!
С.В.Рахманинов - обладатель замечательного композиторского таланта и
мощного дарования художника - исполнителя: пианиста и дирижера.
Творческий облик Рахманинова многогранен. Его музыка несет в себе
богатое жизненное содержание. Встречаются в ней образы глубокого душевного
покоя, Озаренные светлым и ласковым чувством, полные нежного и кристально
чистого лиризма. И вместе с тем ряд произведений Рахманинова насыщен острым
драматизмом; здесь слышится глухая мучительная тоска, чувствуется
неотвратимость трагических и грозных событий.
Такая острота контрастов не случайна. Рахманинов был выразителем
романтических тенденций, во многом характерных для русского искусства конца
ХIХ и начала ХХ века. Искусству Рахманинова свойственна эмоциональная
приподнятость, которую Блок определил как «жадное стремление жить
удесятеренной жизнью...»Особенности рахманиновского творчества коренятся в
сложности и напряженности русской общественной жизни, в огромных
потрясениях, которые пережила страна за последние 20 лет перед Октябрьской
революцией. Определяющими для мироощущения композитора стали: с одной
стороны, - страстная жажда духовного обновления, упования на грядущие
перемены, радостное предчувствие их (что было связано с могучим подъемом
всех демократических сил общества в канун в годы первой русской революции),
а с другой стороны, - предчувствие приближающейся грозной стихии, стихии
пролетарской революции, по своей сущности и историческому смыслу непонятной
для большинства русской интелегенции того времени. Именно в период между
1905 и 1917 годами в произведениях Рахманинова стали учащаться настроения
трагической обреченности...Я думаю, что в сердцах людей последни поколений
залегло неотступное чувство катастрофы; - писал об этом времени Блок.
Исключительно важное место в творчестве Рахманинова принадлежит
образам России, родины. Национальный характер музыки проявляется в глубокой
связи с народной русской песней, с городской романсо - бытовой культурой
канца ХIХ и начала ХХ века, с творчеством Чайковского и композиторов
«Могучей кучки». В музыке Рахманинова отразилась поэзия народной песенной
лирики, образы народного эпоса, восточный элемент, картины русской природы.
Впрочем, он почти не использовал подлинных народных тем, а лишь чркзвычайно
свободно, творчески их развивал.
Дарование Рахманинова - лирическое по своей природе. Лирическое
начало находит выражение в первую очередь в господствующей роли широкой,
протяжной, по своему характеру мелодии. «Мелодия - это музыка, главная
основа всей музыки. Мелодическая изобретательность, в высшем смысле этого
слова, - главная цель композитора, -« уутверждал Рахманинов.
Искусство Рахманинова - исполнителя - это подлинное творчество. Он
неизбежно вносил нечто новое, свое, рахманиновское в музыку других авторов.
Мелодичность, мощь и полнота «пения» - вот первые впечатления от его
пианизма. Надо всем царит мелодия. Нас поражает не память его, не его
пальцы, не пропускающие ни одной детали целого, а то целое, те
вдохновенные образы, которые он восстанавливает перед нами. Его гигантская
техника, его виртуозность служат лишь уточнением этих образов,» - так
глубоко и верно охарактеризовал сущность пианистического искусства
Рахманинова его друг, композитор Н.К.Метнер.
Раньше всего были признаны и получили известность фортепианные и
вокальные произведения композитора, значительно позже - симфонические.
Романсы Рахманинова по своей популярности соперничают с его
фортепианными произведениями. Рахманиновым написано около 80 романсов на
тексты русских поэтов - лириков второй половины ХIХ и рубежа ХХ веков и
всего лишь немногим более десятка на слова поэтов первой половины ХIХ века
(Пушкина, Кольцова, Шевченко в русском переводе).
«Сирень» (слова Е.Бекетовой) - одна из самых драгоценных жемчужин
рахманиновской лирики. Музыка этого романса отмечена исключительной
естественностью и простотой, замечательным слиянием лирического чувства и
образов природы, выраженных посредством тонких музыкально - живописных
элементов. Вся музыкальная ткань романса певуча, мелодична, вокальные фразы
непринужденно льются одна за другой.
«В молчании ночи тайной» (слова А.А.Фета) - весьма характерный образ
любовной лирики. Господствующий чувственно - страстный тон определяется уже
в инструментальном вступлении. Мелодия певучая, декламационно -
выразительная.
«Полюбила я на печаль свою» (стихи Т.Шевченко в переводе
А.Н.Плещеева). По содержанию песня - романс
связана с темой рекрутчины, а по стилю и жанру - с плачами. Характерны для
мелодии скорбные обороты в окончаниях мелодических фраз, драматичные,
несколько надрывные распевы в кульминациях. Это усиливает близость
вокальной партии к причитанию - плачу. «Гусельные» арпеджированные аккорды
в начале песни подчеркивают ее народный склад
Ференц Лист (1811 - 1866) - гениальный венгерский композитор и
пианист, величайший художник - музыкант венгерского народа. Прогрессивная,
демократическая напр+авленность творческой деятельности Листа связана в
значительной степени с освободительной борьбой венгерского народа.
Национально - освободительная борьба народа против ига Австрийской
монархии. Слилась с борьбой против феодально - помещичьего строя в самой
Венгрии. Но революция 1848 - 1849 годов потерпела поражение, и Венгрия
снова оказалась под гнетом Австрии.
В значительной части произведений Ференца Листа использован
венгерский музыкальный фольклор, отличающийся большим богатством и
своеобразием. Характерны ритмы, ладовые и мелодические обороты, а то и
подлинные мелодии венгерской народной музыки (преимущественно городской,
типа «вербункош») получили творческое претворение и обработку в
многочисленных произведениях Листа, в их музыкальных образах. В самой
Венгрии Листу пришлось жить не долго. Его деятельность в основном протекала
за пределами родины - во Франции, Германии, Италии, где он играл выдающуюся
роль в развитии передовой музыкальной культуры.
О тесной связи Листа с Венгрией говорит и его книга о музыке
венгерских цыган, а также факт назначения Листа первым президентом
национальной музыкальной академии в Будапеште.
Противоречивость творчества Листа складывалась в стремлении к
програмности, конкретной образности музыки, с одной стороны, и иногда в
отвлеченности решения этой задаяи, с другой стороны. Иными словами,
програмность в некоторых произведениях Листа носила отвлеченно -
философский характер (симфоническая поэма «Идеалы»).
Поразительная многогранность характеризует творческую и музыкально -
общественную деятельность Листа: гениальный пианист, принадлежавший к
величайшим исполнителям ХIХ века; великий композитор; общественно
|
