независимым.
Он познакомил сына с теорией музыки, научил его играть на флейте и гитаре.
Одним из первых сильных музыкальных впечатлений Берлиоза было пение
женского хора в местном монастыре. Хотя интерес к музыке пробудился у
Берлиоза сравнительно поздно - на двенадцатом году, он был необычайно
сильным и вскоре перешел во всепоглощающую страсть. Отныне для него
существовала только музыка. География, классики литературы отошли на задний
план.
Берлиоз оказался типичным самоучкой: музыкальными знаниями он был обязан
себе и книгам, которые находил в библиотеке отца. Здесь он познакомился с
такими сложными трудами, как "Трактат о гармонии" Рамо, с книгами,
требовавшими глубокой специальной подготовки.
Мальчик показывал все большие музыкальные успехи. Он свободно играл на
флажолете, флейте и гитаре. Отец не разрешал ему обучаться игре на
фортепиано, опасаясь, что этот инструмент увлечет его в область музыки
далее, чем ему бы этого хотелось. Он считал, что профессия музыканта не
подходит для его сына, и мечтал, что Гектор, подобно ему, будет медиком. На
этой почве впоследствии между отцом и сыном возник конфликт. Молодой
Берлиоз продолжал сочинять, а тем временем отец продолжал готовить сына к
профессии медика. В 1821 году 18-летний Берлиоз успешно сдал экзамен на
степень бакалавра в Гре-нобле. Оттуда он вместе с двоюродным братом уехал в
Париж, чтобы поступить на медицинский факультет. Оба юноши поселились в
Латинском квартале - центре студенческой жизни Парижа.
Свободное время Берлиоз проводил в библиотеке Парижской консерватории,
изучая партитуры великих мастеров, прежде всего обожаемого им Глюка.
Понимая, что без серьезной подготовки нельзя стать композитором, он начал
заниматься изучением теорий композиции сначала с Жероно, а затем с Лесюэ-
ром - профессором консерватории, автором нескольких опер и хоровых
произведений.
По совету Лесюэра в 1826 году Берлиоз поступил в консерваторию. В течение
следующих двух лет, по словам Берлиоза, его жизнь озаряли "три удара
молнии": знакомство с творениями Шекспира, Гёте и Бетховена. Это дальнейшие
ступени духовного созревания. Но была еще одна молния, не имеющая отношения
к музыке.
В 1827 году Париж посетила новая английская драматическая труппа во главе
со знаменитым трагиком Кемблем и актрисой Смитсон. Берлиоза необыкновенно
взволновал талант и весь артистический облик Смитсон, он полюбил ее с
первого взгляда. Молодой английской артистке, ирландке по происхождению,
было в ту пору 27 лет. Современники отмечали искренность ее лирического
таланта, глубокую эмоциональную отзывчивость. Сохранившиеся портреты, в
особенности литография Девериа, воссоздают облик талантливой артистки,
одухотворенное лицо, задумчивый взгляд.
Любовь к знаменитой актрисе, избалованной триумфом в Лондоне и Париже,
заставила Берлиоза во что бы то ни стало добиваться творческого успеха.
Между тем Гарриет Смитсон не обращала на него внимания, а слава к нему не
приходила.
Легко воспламеняющийся, непрерывно находящийся в состоянии творческого
возбуждения, Берлиоз сочиняет, переходя от одного замысла к другому:
кантаты, песни ("Ирландские мелодии"), оркестровые увертюры и многое
другое. С 1823 года он выступает в печати с острополемическими статьями и
на долгие годы не расстается с пером журналиста. Так незаметно, но
интенсивно он втянулся в художественную жизнь Парижа, сблизившись с лучшими
представителями передовой интеллигенции: Гюго, Бальзаком, Дюма, Гейне,
Листом, Шопеном и другими.
По-прежнему жизнь его не обеспечена. Он дал авторский концерт, который
прошел с успехом. Но ему пришлось на свои деньги переписывать партии,
приглашать солистов, оркестр и потому влезть в долги. Так будет
продолжаться и впредь: подобно Бальзаку, ему никак не удается расплатиться
с кредиторами! Официальные власти ни в чем не идут навстречу. Более того,
консервативные музыкальные круги на каждом шагу чинят помехи. Например, три
раза по окончании консерватории ему было отказано в получении
государственной стипендии, которая выдавалась для поездки на три года в
Италию (так называемая Римская премия). Лишь в 1830 году его удостоили
высокой чести...
Берлиоз пишет в этот период и чисто симфонические произведения, и
сочинения, в которых свободно соединяются вокальные и оркестровые эпизоды.
Замыслы их всегда необычны и несут в себе заряд энергии. Неожиданные
литературные и живописные ассоциации, резкие контрасты образных
сопоставлений, внезапные смены состояний - все это передает в ярком,
красочном звучании конфликтность душевного мира художника, наделенного
пылким воображением.
5 декабря 1830 года состоялась премьера "Фантастической симфонии" - самого
знаменитого сочинения Берлиоза. Это своего рода музыкальный роман со
сложным психологическим подтекстом. В его основу положен сюжет, который
вкратце так изложен композитором: "Молодой музыкант, с болезненной
чувствительностью и горячим воображением, отравляется опиумом в припадке
любовного отчаяния. Наркотическая доза, слишком слабая для того, чтобы
причинить ему смерть, погружает его в тяжелый сон, во время которого
ощущения, чувства и воспоминания претворяются в его больном мозгу в
музыкальные мысли и образы. Сама же любимая женщина становится для него
мелодией и как бы навязчивой идеей, которую он находит и слышит повсюду".
В приведенной программе, разъясняющей замысел симфонии, легко усматриваются
и автобиографические черты - отзвуки пылкого увлечения Берлиоза Гарриет
Смитсон.
Задолго до окончания срока пребывания в Италии, в 1832 году, Берлиоз
вернулся в Париж. На концерте, который он дал, исполнялись Фантастическая
симфония в новой редакции и монодрама "Лелио". Произошла новая встреча с
Гарриет Смитсон. Жизнь актрисы в эту пору была трудной. Зрители,
пресыщенные новыми театральными впечатлениями, перестали интересоваться
спектаклями англичан, В результате несчастного случая актриса сломала ногу.
Ее сценическая деятельность закончилась. Берлиоз проявил трогательную
заботу о Смитсон. Год спустя она вышла замуж за Берлиоза. Молодому
композитору приходилось работать по 12-15 часов, чтобы прокормить семью,
урывая у ночи часы для творчества.
Забегая вперед скажем, что семейная жизнь не сложилась. Из-за отказа от
сцены характер Смитсон ухудшился. Берлиоз ищет утешения на стороне,
увлекается посредственной певицей испанкой Марией Ресио, которая сошлась с
ним не столько по любви, сколько из корыстных побуждений: имя композитора
тогда уже было широко известно.
Новым крупным произведением Берлиоза стала симфония "Гарольд в Италии"
(1834), навеянная воспоминаниями об этой стране и увлечением Байроном.
Симфония программна, но характер музыки менее субъективен, чем в
Фантастической. Здесь композитор стремился не только передать личную драму
героя, но и обрисовать окружающий его мир. Италия в этом произведении не
только фон, оттеняющий переживания человека. Она живет своей жизнью, яркой
и красочной.
Вообще, период между двумя революциями - 1830 и 1848 года - наиболее
продуктивный в творческой деятельности Берлиоза. Постоянно находясь в гуще
жизненных схваток, как журналист, дирижер, композитор, он становится
художественным деятелем нового типа, который всеми доступными ему
средствами отстаивает свои убеждения, страстно обличает косность и пошлость
в искусстве, борется за утверждение высоких романтических идеалов. Но,
легко загораясь, Берлиоз столь же быстро остывает. Он очень неустойчив в
душевных порывах. Это во многом омрачает его отношения с людьми.
В 1838 году в Париже состоялась премьера оперы "Бенвенуто Челлини".
Спектакль был исключен из репертуара после четвертого представления.
Берлиоз долго не мог оправиться от этого удара! Ведь музыка оперы брызжет
энергией и весельем, а оркестр увлекает своей яркой характеристичностью.
В 1839 году завершается работа над Третьей, самой обширной и наделенной
ярчайшими контрастами симфонией - "Ромео и Джульетта" для оркестра, хира и
солистов. Берлиоз и раньше привносил в свои инструментальные драмы элементы
театрализации, но в этом произведении в богатой смене эпизодов, навеянных
трагедией Шекспира, еще отчетливей проявились черты оперной
выразительности. Он раскрыл тему чистой молодой любви, выросшей вопреки
ненависти и злу и побеждающей их. Симфония Берлиоза - произведение глубоко
гуманистическое, исполненное пламенной веры в торжество справедливости.
Музыка совершенно свободна от ложного пафоса и неистового романтизма;
пожалуй, это наиболее объективное создание композитора. Здесь утверждается
победа жизни над смертью.
1840 год ознаменован исполнением Четвертой симфонии Берлиоза. Вместе с
ранее написанным Реквиемом (1837) это непосредственные отголоски
прогрессивных убеждений неистового романтика. Оба произведения посвящены
памяти героев Июльской революции 1830 года, в которой композитор принял
непосредственное участие, и предназначены для исполнения гигантскими
исполнительскими составами на площадях, под открытым небом.
Берлиоз прославился и как выдающийся дирижер. С 1843 года начались его
гастроли и за пределами Франции - в Германии, Австрии, Чехии, Венгрии,
России, Англии. Всюду он имеет феноменальный успех, особенно в Петербурге и
Москве (в 1847 году). Берлиоз - первый в истории исполнительского искусства
гастролирующий дирижер, исполнявший наряду со своими произведениями и
современных авторов. Как композитор, он вызывает разноречивые, часто
полярные мнения.
Каждый концерт Берлиоза завоевывал его музыке новых слушателей. Печальным
контрастом в этом отношении оставался Париж. Здесь ничто не изменилось:
небольшая группа друзей, равнодушие буржуазных слушателей, враждебное
отношение большинства критиков, злорадные усмешки музыкантов, безысходная
нужда, тяжелый подневольный труд газетного поденщика. Большие надежды
возлагал Берлиоз на первое исполнение только что законченной им в конце
1846 года драматической легенды "Осуждение Фауста". Единственным
результатом концерта был новый долг в 10 000 франков, которые потребовалось
уплатить исполнителям и за наем помещения. Между тем "Осуждение Фауста" -
одно из самых зрелых произведений композитора. Равнодушие и непонимание, с
которым оно было встречено, объясняется новизной музыки, разрывом с
традицией. Жанровая природа "Осуждения Фауста" ставила в тупик не только
рядовых слушателей, но и музыкантов.
Первоначальный замысел произведения восходит к 1828- 1829 годам, когда
Берлиоз написал "Восемь сцен из "Фауста"". Однако с тех пор замысел
претерпел значительные изменения и стал глубже. Эта драматизированная
оратория, еще в большей мере, чем драматическая симфония "Ромео и
Джульетта", сближается с театрально-сценическим жанром. И точно так же, как
Байрон или Шекспир, в своем последнем произведении Берлиоз очень свободно
трактует литературный источник - поэму Гёте, свободно добавляя ряд
измышленных им сцен.
Закончился мятежный период в биографии Берлиоза. Остывает его буйный
темперамент. Он не принял революцию 1848 года, но одновременно ему душно в
тисках империи "жалкого племянника - великого дяди" (так Гюго прозвал
Наполеона III). Что-то надломилось в Берлиозе. Правда, он по-прежнему
деятелен как дирижер (в 1867-1868 годы вновь посетил Россию), как писатель
о музыке (издает сборники статей, трудится над мемуарами), сочиняет, хотя
уже не столь интенсивно.
Берлиоз перестал писать симфонии. Для. концертного исполнения предназначена
лишь небольшая кантата "Детство Христа" (1854), отличающаяся музыкальной
живописностью и оттенками настроений. В театре Берлиоз мечтает добиться
решающего успеха. Увы, и на этот раз тщетно... Не имела успеха ни его опера
в двух частях "Троянцы" (1856), в которой Берлиоз пытался возродить
величавую патетику Глюка, ни изящная комедия "Беатриче и Бенедикт" (по
пьесе Шекспира "Много шума из ничего", 1862). При всех своих достоинствах,
этим произведениям все же не хватало эмоциональной силы, которая так
впечатляет в сочинениях предшествующего периода. Судьба жестока к нему:
умерла Смитсон, разбитая параличом. Скончалась и вторая жена - Ресио,
погибает во время кораблекрушения единственный сын-моряк. Ухудшаются
отношения и с друзьями. Берлиоза сломили болезни. В одиночестве он умирает
8 марта 1869 года.
Конечно, в это двадцатилетие не все окрашивалось столь безрадостным светом.
Был и частичный успех, и формальное признание заслуг. Но величие Берлиоза
не понято было современниками на его родине. Лишь позже, в 1870-х годах его
провозгласили главой новой французской музыкальной школы.
Вольфганг Амадей Моцарт (1756 — 1791)
Австрийский композитор. Обладал феноменальным музыкальным слухом и памятью.
Выступал как клавесинист-виртуоз , скрипач, органист, дирижер, блестяще
импровизировал. Занятия музыкой начал под руководством отца — Л. Моцарта.
Первые сочинения появились в 1761. С 5-летнего возраста с триумфом
гастролировал в Германии, Австрии, Франции, Великобритании, Швейцарии,
Италии. В 1765 в Лондоне исполнены его 1-е симфонии. В 1770 Моцарт
некоторое время брал уроки у Дж. Б. Мартини и был избран членом Филармонии,
академии в Болонье. В 1769—81 (с перерывами) состоял на придворной службе у
архиепископа в Зальцбурге как концертмейстер, с 1779 как органист. В 1781
переехал в Вену, где создал оперы «Похищение из сераля». «Свадьба Фигаро»;
выступал в концертах («академиях») . В 1787 в Праге Моцарт закончил оперу
«Дон Жуан», тогда же получил назначение на должность «императорского и
королевского камерного музыканта» при дворе Иосифа II. В 1788 создал 3
наиболее известные симфонии: Es-dur, g-moll, C-dur. В 1789 и 1790 выступал
с концертами в Германии. В 1791 Моцарт написал оперу «Волшебная флейта»;
работал над реквиемом (закончен Ф. К. Зюсмайром). Моцарт был одним из
первых композиторов, избравших необеспеченную жизнь свободного художника.
Моцарт наряду с И. Гайдном и Л. Бетховеном является представивелем венской
классической школы, одним из основоположников классического стиля в музыке,
связанного с разработкой симфонизма как высшего типа музыкального мышления,
законченной системы классических инструментальных жанров (симфония, соната,
квартет), классических норм музыкального языка, его функциональной
организации. В творчестве Моцарта универсальное значение получила идея
динамичной гармонии как принципа видения мира, способа художественного
преобразования реальности, Одновременно в нём нашли развитие качества новых
для того времени психологической правдивости и естественности. Отражение
гармонической целостности бытия, ясность, светоносность и красота
сочетаются в музыке Моцарта с глубоким драматизмом. Возвышенное и
обыденное, трагическое и комическое, величественное и грациозное, вечное и
преходящее, общечеловеческое и индивидуально-неповторимое, национально-
характерное предстают в сочинениях Моцарта в динамичном равновесии и
единстве. В центре художественного мира Моцарта — человеческая личность,
которую он раскрывает как лирик и одновременно как драматург, стремясь к
художественному воссозданию объективной сущности человеческого характера.
Драматургия Моцарта основана на раскрытии многоплановости контрастных
музыкальных образов в процессе их взаимодействия.
В музыке Моцарта органично претворён художественный опыт разных эпох,
национальных школ, традиций народного искусства. Большое воздействие
оказали на Моцарта итальянские композиторы 18 в., представители мангеймской
школы, а также старшие современники И. Гайдн, М. Гайдн, К. В. Глюк, И. К. и
К. Ф. Э. Бахи. Моцарт ориентировался на созданную эпохой систему
типизированных музыкальных образов, жанров, выразительных средств,
подвергая их вместе с тем индивидуальному отбору и переосмыслению.
Стиль Моцарта отличается интонационной выразительностью, пластической
гибкостью, кантиленностью, богатством, изобретательностью мелодии,
взаимопроникновением вокальных и инструментальных начал. Моцарт внёс
огромный вклад в развитие сонатной формы и сонатно-симфонического цикла.
Моцарту свойственно обострённое чувство тонально-гармонической семантики,
выразительных возможностей гармонии (использование минора, хроматизмов,
прерванных оборотов и др.). Фактура произведений Моцарта отличается
разнообразием сочетаний гомофонно-гармонического и полифонического склада,
форм их синтеза. В области инструментовки классическая уравновешенность
составов дополняется поиском различных тембровых комбинаций,
персонифицированной трактовкой тембров.
Моцарт создал св. 600 произведений различных жанров. Важнейшая сфера его
творчества — музыкальный театр. Творчество Моцарта составило эпоху в
развитии оперы. Моцарт освоил практически все современные ему оперные
жанры. Для его зрелых опер характерны органичное единство драматургии и
музыкально-симфонических закономерностей, индивидуальность драматургии.
Учитывая опыт Глюка, Моцарт создал свой тип героической драмы в «Идоменее»,
в «Свадьбе Фигаро» . На базе оперы-буффа пришел к реалистической
музыкальной комедии характеров. Зингшпиль Моцарт превратил в философскую
сказку-притчу, проникнутую просветительскими идеями («Волшебная флейта»).
Многоплановостью контрастов, необычным синтезом оперно-жанровых форм
отличается драматургия оперы «Дон Жуан».
Ведущие жанры инструментальной музыки Моцарта — симфонии, камерные
ансамбли. концерты. Симфонии Моцарта довенского периода близки бытовой,
развлекательной музыке того времени. В зрелые годы симфония приобретает у
Моцарта значение концепционного жанра, складывается как произведение с
индивидуализированной драматургией (симф. D-dur, Es-dur, g-moll. C-dur).
Симфонии Моцарта — важный этап в истории мирового симфонизма. Среди камерно
- инструментальных ансамблей выделяются по значению струнные квартеты и
квинтеты, скрипичные и фортепьянные сонаты. Ориентируясь на достижения И.
Гайдна, Моцарт разработал тип камерно - инструментального ансамбля,
отличающийся утончённостью лирико-философской эмоции, развитым гомофонно-
полифоническим складом, сложностью гармонии языка.
В клавирной музыке Моцарта отражены черты нового исполнительского стиля,
связанного с переходом от клавесина к фортепьяно . Сочинения для клавира,
главным образом концерты для фортепьяно с оркестром дают представление об
исполнительском искусстве самого Моцарта с присущей ему блестящей
виртуозностью и вместе с тем одухотворённостью, поэтичностью, изяществом.
Моцарту принадлежит большое число произведений других жанров, в т. ч.
песен, арий, бытовой музыки для оркестров и ансамблей. Из поздних образцов
наиболее известна «Маленькая ночная серенада» (1787). Хоровая музыка
Моцарта включает мессы, литании, вечерни, оффертории, мотеты, кантаты.
оратории и др.: среди выдающихся сочинений : мотет «Ave verum corpus»,
реквием.
Сочинения:
оперы - духовный зингшпиль (сценическая оратория) Долг первой заповеди (Die
Schuldigkeit des ersten Gebotes, 1-я часть коллективного сочинения, 1767,
Зальцбург), школьная опера (латинская комедия) Аполлон и Гиацинт, или
Превращение Гиацинта (Apollo et Hyacintus, seu Hyacinthi Metamorphosis,
либретто P. Видля по "Метаморфозам" Овидия, 1767, Зальцбургский
университет);
Импрессионизм (франц. impressionnisme, от impression - впечатление),
направление в искусстве последней трети 19 - начале 20 вв. И. сложился во
французской живописи конца 1860 - начала 1870-х гг. В пору его зрелости
(1870-е - 1-я половина 1880-х гг.)
Применение термина "И." к музыке во многом условно - музыкальный И. не
составляет прямой аналогии к И. в живописи и не совпадает с ним
хронологически (время его расцвета - 90-е гг. 19 в. и 1-е десятилетие 20
в.). Главное в музыкальном И. - передача настроений, приобретающих значение
символов, тонких психологических нюансов, тяготение к поэтической пейзажной
программности. Ему свойственны также рафинированная фантастика, поэтизация
старины, экзотика, интерес к тембровой и гармонической красочности. С
основной линией И. в живописи его роднит восторженное отношение к жизни;
моменты острых конфликтов, социальных противоречий в нём обходятся.
Классическое выражение музыкальный И. нашёл в творчестве К. Дебюсси; черты
его проявились и в музыке М. Равеля, П. Дюка, Ф. Шмитта, Ж. Ж. Роже-Дюкаса
и др. французских композиторов.
Музыкальный И. унаследовал многие особенности искусства позднего романтизма
и национальных музыкальных школ 19 в. ("Могучая кучка", Ф. Лист, Э. Григ и
др.). В то же время чёткому рельефу контуров, сугубой материальности и
перенасыщенности музыкальной палитры поздних романтиков импрессионисты
противопоставили искусство сдержанных эмоций и прозрачной, скупой фактуры,
беглую переменчивость образов.
Творчество композиторов-импрессионистов во многом обогатило выразитедьные
средства музыки, особенно сферу гармонии, достигшей большой красоты и
утончённости; усложнение аккордовых комплексов сочетается в ней с
упрощением и архаизацией ладового мышления; в оркестровке преобладают
чистые краски, капризные блики, ритмы зыбки и неуловимы. Красочность
ладогармонических и тембровых средств выдвигается на первый план:
усиливается выразительное значение каждого звука, аккорда, раскрываются
неизвестные ранее возможности расширения ладовой сферы. Особую свежесть
музыке импрессионистов придавало их частое обращение к песенно-танцевальным
жанрам, к элементам музыкального языка народов Востока, Испании, ранних
форм негритянского джаза.
В начале 20 в. музыкальный И. распространился за пределы Франции. Его
оригинально развивали М. де Фалья в Испании, А. Казелла и О. Респиги в
Италии. Самобытные черты присущи английскому музыкальному И. с его
"северной" пейзажностью (Ф. Делиус) или пряной экзотикой (С. Скотт). В
Польше экзотическую линию музыкального И. представлял К. Шимановский (до
1920), тяготевший к ультрарафинированным образам античности и Древнего
Востока. Влияние эстетики И. на рубеже 20 в. испытали и некоторые русские
композиторы, в частности А. Н. Скрябин, на которого воздействовал
одновременно и символизм; в русле русского И., причудливо сочетавшегося с
влиянием школы Н. А. Римского-Корсакова, начинал свой путь И. Ф.
Стравинский, в последующие годы возглавивший антиимпрессионистскую
тенденцию в западноевропейской музыке.
Ференц Лист (1811-1886)Очень яркая и многогранная романтическая личность 2-
й половины 19-го века. Гениальный пианист и композитор. Новатор.
Музыкальный критик, который написал много статей о музыке (“Письма
странствующего бакалавра”, “Исследование музыки венгерских цыган”). Лист –
педагог огромного масштаба. За жизнь у него было около 300 учеников из
разных стран. Будучи бескорыстным по натуре, он посвятил большую часть
своей жизни пропаганде других композиторов. Всего у Листа около 1200
произведений. Примерно половина из них – транскрипции и парафразы на темы
других композиторов. Он поддерживал композиторов разных национальных школ:
Шопена, Сметану, Грига, Шумана, Вагнера, Берлиоза, Бородина, Римского-
Корсакова. Лист очень любил кучкистов.
Родился Лист в Венгрии. По национальности – венгр. Многие его произведения
связаны с Венгрией. Элементы народных танцев и песен вошли в его
произведения, обогащённые общеевропейскими достижениями, но есть и элементы
венгерского фольклора. Произведения, связанные с Венгрией: кантата
“Венгрия”, симфоническая поэма “Венгрия”, героический марш в венгерском
стиле, несколько тетрадей национальных венгерских и рапсодий, а также ещё
19 венгерских рапсодий, “Венгерская коронационная месса”.
Лист был страстным пропагандистом идеи программности в музыке. Он воплотил
в музыке образы произведений Данте, Петрарки, Гёте. Он передавал в музыке и
содержание живописи Рафаэля (“Обручение”), скульптуры Микеланджело
(“Мыслитель”). Лист – композитор-новатор. В связи с программностью он
переосмыслил классические жанры и формы и создал свой новый жанр –
симфоническая поэма. Симфоническая поэма – одночастное симфоническое
произведение, которое сочетает в себе черты цикличности и других форм,
например сонатной. У Листа 13 симфонических поэм. Метод развития материала
в них монотематический (из одной темы вырастают другие). Музыка Листа
отличается особой патетикой, приподнятостью, ораторским пафосом, т.к. он
всегда пытался воздействовать на большую массу людей. Большинство его
произведений – произведения для фортепиано. “Годы странствий” – это
фортепианный цикл из программных пьес. В нем 3 части: “Год первый” –
Швейцария, “Год второй” – Италия, “Год третий” - Рим.
Лист написал 13 симфонических поэм. Почти все они написаны в центральный
Веймарский период. В этом жанре он обращается к шедеврам мировой
литературы. У Листа есть симфонические поэмы - “Орфей”, “Гамлет”, “Тассо”,
“Что слышно на горе?”, “Мазепа”, “Прелюды”.
Лист – создатель жанра симфоническая поэма. Это – одночастное произведение
для симфонического оркестра, в котором сочетаются черты разных форм,
например, сонатной и циклической формы. Это – программное произведение.
Программность эта более обобщенная, а не сюжетно-описательная, как у
Берлиоза. В центре всегда один герой - героическая личность. Заканчиваются
симфонические поэмы обычно апофеозом. Наличие одного главного героя рождает
принцип монотематизма. Все темы симфонической поэмы происходят из первой
начальной темы. Преобразование тем часто жанровое. Например: менуэтные,
маршеобразные, ноктюрновые и т.д.
“Прелюды” – симфоническая поэма. Программой служит стихотворение Ламартина
с одноименным названием – “Прелюды”. Смысл в том, что земная жизнь человека
является лишь прелюдией к основной – небесной жизни. Человек проходит через
жизнь, встречая радости и невзгоды, и уходит на небо. Лист выразил в поэме
этапы земной жизни человека.
Морис Равель(1875—1937)
Французский композитор. В 1889—1905 занимался в Парижской консерватории , в
т. ч. у Ш. В. де Берио (фортепьяно), Г. Форе (композиция). Художник высокой
культуры, Равель уделял особое внимание французской литературе (как
классической, так и современной) и живописи (увлекался импрессионистами).
Он проявлял большой интерес к фольклору (французскому, испанскому и др.).
Существенное место в творчестве занимает испанская тематика (мать Равеля —
испано-баскского происхождения ; его педагог Берио был почитателем
испанского искусства). Многое воспринял Равель от музыки Э. Шабрие, Э.
Сати, особенно К. Дебюсси, а также русских композиторов — А: П. Бородина,
Н. А. Римского-Корсакова и особенно М. П. Мусоргского (работал совместно с
И. Ф. Стравинским над партитурой «Хованщины» для постановки оперы в Париже,
оркестровал «Картинки с выставки», в опере «Испанский час» Равель , по его
собственным словам, наследовал принципам «Женитьбы» Мусоргского).
Равель давал концерты как пианист и дирижёр, исполнял преимущественно свои
сочинения (в 20-х гг. совершил концертное турне по странам Европы и
Северной Америки), выступал с музыкально-критическими статьями. Во время 1-
й мировой войны 1914—1918 вступил добровольцем в действующую армию. Война
вызвала к жизни глубоко драматические произведения Равеля , в т. ч.
фортепьянный концерт для левой руки, написанный по просьбе австрийского
пианиста П. Витгепштейна, потерявшего на фронте правую руку; погибшим
друзьям он посвятил фортепьянную сюиту «Гробница Куперена» (1917). В
последние годы жизни из-за тяжёлой прогрессирующей болезни (опухоль мозга)
прекратил творческую деятельность.
Ярчайший представитель мировой музыкальной культуры 1-й половины 20 в.,
Равель продолжил и развил искания Дебюсси в области импрессионистической
звукописи, колористической гармонии и оркестровки, экзотической ритмики.
Вместе с тем в ряде произведений проявились неоклассицистские тенденции. В
творчестве Равеля представлены разнообразные жанры: «Испанская рапсодия»
(1907), «Вальс» (1920), а также Болеро (1928) для оркестра — одна из вершин
французского симфонизма 20 в., опера «Испанский час» (1907), опера-балет
«Дитя и волшебство» (1925) и др. Равелю подвластна стихия танцевальных
ритмов разных времён, что нашло отражение в «танцевальных» сочинениях —
балет (хореография, симфония) «Дафнис и Хлоя» (на либретто М. М. Фокина,
1912), Болеро, «Благородные и сентиментальные вальсы» (для фортепьяно ,
1911) и др., а также в таких произведениях , как Соната для скрипки и
фортепьяно (2-я часть — блюз), опера «Дитя и волшебство» (фокстрот Чайника
и Чашечки) и др. Творчество , открытия Равеля в области гармонии, ритма,
лада, оркестровки привели к новым стилистическим течениям в музыкальном
искусстве 20 в. В 1975 в Лионе открыт концертный зал «Аудиториум М.
Равеля».
Сочинения:
оперы-
Испанский час (L'heure espagnole, комическая опера, либретто М. Франк-
Ноэна, 1907, поставлена 1911, театр "Опера комик", Париж), Дитя и
волшебство (L'enfant et les sortilиges, лирическая фантазия, опера-балет,
либретто Г. С. Колет, 1920-25, поставлена 1925, Монте-Карло);
балеты-
Дафнис и Хлоя (хореографическая симфония в 3 частях, либретто М. М. Фокина,
1907-12, поставлен 1912, театр "Шатле", Париж), Сон Флорины, или Матушка-
гусыня (Ma mire l'оуе, на основе фортепианных пьес того же названия,
либретто P., поставлен 1912 "Театр искусств", Париж), Аделаида, или Язык
цветов (Adеlaide ou Le langage des fleurs, на основе фортепианного цикла
Благородные и сентиментальные вальсы, либретто P., 1911, поставлен 1912,
театр "Шатле", Париж).
Франц Шуберт 1797 - 1828
Шуберт относится к первым романтикам (заря романтизма). В его музыке ещё
нет такого сгущённого психологизма, как у более поздних романтиков. Это
композитор – лирик. Основа его музыки – внутренние переживания. Передаёт в
музыке любовь и многие другие чувства. В последнем произведении главная
тема – одиночество. Он охватил все жанры того времени. Внёс очень много
нового. Лирическая природа его музыки предопределила его главный жанр
творчества – песню. У него более 600 песен. Песенность повлияла на
инструментальный жанр двумя путями:
Использование песенных тем в инструментальной музыке (песня “Скиталец”
стала основой фортепианной фантазии, песня “Девушка и смерть” стала основой
квартета).
Проникновение песенности в другие жанры.
Шуберт – создатель лирико-драматической симфонии (неоконченной). Тематизм
песенный, изложение песенное (неоконченная симфония: I-я часть – г.п.,
п.п.. II-я часть – п.п.), принцип развития – форма, как и у куплета,
законченная. Это особенно заметно в симфониях и сонатах. Кроме лирической
песенной симфонии он ещё создал эпическую симфонию (C-dur). Он – создатель
нового жанра – вокальной баллады. Создатель романтической миниатюры
(экспромты и музыкальные моменты). Создал вокальные циклы (у Бетховена был
к этому подход). Творчество огромно: 16 опер, 22 фортепианных сонаты, 22
квартета, другие ансамбли, 9 симфоний, 9 увертюр, 8 экспромтов, 6
музыкальных моментов; музыка, связанная с бытовым музицированием – вальсы,
ленглеры, марши, более 600 песен Вокальный циклЫ “Прекрасная мельничиха”,
«Зимний путь», Шуберт написал 9 симфоний. При жизни ни одна из них не была
исполнена. Он является основоположником лирико-романтической симфонии
(неоконченная симфония) и лирико-эпической симфонии
Роберт Александр Шуман1810 - 1856
Относится ко 2-му поколению романтиков. Ещё острее чувствовал разницу между
тонкой, чувствительной натурой художника и окружающим миром. Он всю жизнь
восставал против мещанства. Это проявляется и в музыке. Музыка Шумана
отличается особо острым психологизмом, глубоко проникает в состояние души
человека. Он очень тонко отразил в музыке смену этих состояний. У него
присутствует непосредственное соприкосновение страстного порыва и
погружения в мир грёз. Во многом он отразил свойства своей натуры –
двойственность.
Важное свойство музыки Шумана – фантазия, но это – не народная фантастика,
а как бы мир его души, видения, грёзы, очень индивидуализированная. Это
проявляется и в музыкальной критической деятельности. Он был очень одарён в
области литературы. Писал романы, повести, а также статьи в жанре новеллы,
пьесы, писем, диалогов и другие произведения. Героями этих статей были
очень необычные персонажи. Он придумал для себя “Давидово братство” –
общество. Его члены – давидсбюндлеры. Туда он включил Моцарта, Паганини,
Шопена, а также Клару Вик (его жену), а также: Флорестан и Эвзебий.
Флорестан и Эвзебий – это выдуманные имена (это – как бы две половины его
личности, которые спорили между собой). Он использовал их, как псевдонимы.
Маэстро Раро мирил мечтательного Эвзебия и бурного Флорестана.
Шуман поддерживал всё лучшее в искусстве. Он первый заговорил о Шопене,
поддержал Берлиоза, писал статьи о Бетховене. Последней его статьёй была
статья о Брамсе. В 1839 г. он отыскал симфонию Шуберта – C-dur и исполнил
её, а в 50-м году стал одним
из организаторов Бетховенского общества. Творчество Шумана связано с
немецкой романтической литературой. Его любимый поэт – Жанн Поль (настоящая
фамилия – Рихтер). Под впечатлением от произведений этого писателя была
написана пьеса – “Бабочки”. Любил поэта Гофмана. Под влиянием его
произведений была написана “Крейслериана”. Большое влияние оказал Гейне. На
его стихи были написаны вокальные циклы – “Круг песен” и “Любовь поэта”.
Шуман любил использовать в своих произведениях карнавал (потому, что есть
смена персонажей). Музыкальный язык Шумана очень тонкий. Связь с народной
музыкой не такая, как у Шуберта. Нет явного примера. Мелодии более
декламационные. Усложняется гармонический язык. Фактура тонкая,
мелодизированная и полифоническая. Ритм капризен, прихотлив.
Шуман написал много произведений: около 50 сборников пьес для фортепиано,
вариации на тему Абегг, “Бабочки”, “Карнавал”, симфонии, этюды, “Танцы
давидсбюндлеров”, фантастические пьесы, “Крейслериана”, “Венский карнавал”,
новеллетты и др., 3 сонаты для фортепиано, фантазия, более 200 песен,
вокальные циклы: “Любовь поэта”, “Круг песен” на Гейне, “Мирты”, “Круг
песен” на стихи Эйхендорфа, “Любовь и жизнь женщины” на стихи Шамиссо,
испанские любовные песни, песни из “Вильгельма Мейстера” (Гёте), 4
симфонии, концерты для фортепиано, виолончели и скрипки с оркестром,
концерт Штюк для фортепиано с оркестром, концерт Штюк для 4-х валторн с
оркестром, 3 струнных квартета, фортепианный квартет, фортепианный квинтет,
3 фортепианных трио, 2 сонаты для скрипки, другие камерные ансамбли,
оратория “Рай и Перри”, опера “Геновева”, музыка к драматическим
спектаклям, около 200 критических статей – избранные статьи о музыке и
музыкантах.
СКРЯБИН Александр Николаевич (1871/72—1915) —русский композитор, пианист,
педагог. Его отец был дипломатом, мать — пианисткой. Учился в Московском
кадетском корпусе (1882—89). Музыкальное дарование проявилось рано. Брал
уроки (фортепьяно) у Г. Э. Конюса, Н. С. Зверева. В 1892 окончил Московскую
консерваторию по классу фортепьяно у В. И. Сафонова, занимался также у С.
И. Танеева (контрапункт) и А. С. Аренского (композиция). Концертировал в
России и за рубежом, был выдающимся исполнителем собственных сочинений .
Существенную поддержку оказал ему М. П. Беляев (издавал сочинения молодого
композитора, субсидировал его концертные поездки). В 1904—10 (с перерывом)
жил и работал за рубежом (в европейских странах, гастролировал также в
США). Занимался педагогической деятельностью : в 1898—1903 профессор (класс
фортепьяно) Московской консерватории , одновременно преподавал в
музыкальных классах Екатерининского института в Москве. Среди учеников: М.
С. Неменова-Лунц, Е. А. Бекман-Щербина.
Скрябин — один из крупнейших представителей художественной культуры конца
19 — начала 20 вв. В творчестве представлены фортепьянные и симфонические
жанры. В 90-х гг. созданы прелюдии, мазурки, этюды, экспромты, 1—3-я сонаты
для фортепьяно , концерт для фортепьяно с оркестром, в 1900-х гг. — 3
симфонии, 4—10-я сонаты и поэмы для фортепьяно (в т. ч. «Трагическая»,
«Сатаническая», «К пламени»), а также такие симфонические произведения ,
как «Поэма экстаза» (1907), «Прометей» («Поэма огня», 1910) —этапное
сочинение позднего периода творчества. Музыка Скрябина отразила бунтарский
дух своего времени, предчувствие революционных перемен. В ней соединились
волевой порыв, напряжённая динамическая экспрессия, героическое ликование,
особая «полётность» и утончённая одухотворённая лирика. В творчестве
Скрябин преодолел идейную противоречивость, свойственную его теоретическим
философским концепциям (около 1900 Скрябин стал членом московского
Философского общества, занимал субъективно-идеалистические позиции).
Произведения Скрябина , воплотившие идею экстаза, дерзновенного,
устремленного к неведомым космическим сферам порыва, идею преобразующей
силы искусства (венцом таких творений, по мысли Скрябина , должна была
стать «Мистерия», в которой объединяются все виды искусства — музыка,
поэзия, танец, архитектура, а также свет), отличаются большой степенью
художественного обобщения, силой эмоционального воздействия. В творчестве
Скрябина своеобразно сочетаются позднеромантические традиции (воплощение
образов идеальной мечты, пылкий, взволнованный характер высказывания,
тяготение к синтезу искусств, предпочтение жанрам прелюдии и поэмы) с
явлениями музыкального импрессионизма ( тонкий звуковой колорит),
символизма (образы-символы: темы «воли», «самоутверждения», «борьбы»,
«томления», «мечты»), а также экспрессионизма. Скрябин — яркий новатор в
области средств музыкальной выразительности и жанров, в поздних сочинениях
основой гармонической организации становится доминантовая гармония
(наиболее характерный тип аккорда—т. н. прометеевский аккорд ) . Он впервые
в музыкальной практике ввёл в симфоническую партитуру специальную партию
света («Прометей»), что связано с обращением к цветному слуху.
Творчество Скрябина оказало существенное воздействие на фортепьянную и
симфоническую музыку 20 в. Получили дальнейшее развитие идеи синтеза музыки
и света. В 1922 в помещении последней квартиры Скрябина в Москве
организован музей.
Сочинения:
для оркестра -
3 симфонии (№ 1 E-dur, ор. 26 1899- 1900; № 2 c-moll, op. 29, 1901; .№ 3
Божественная поэма с-mоll, op. 43, 1903-04), Поэма экстаза (С-dur, ор. 54,
1905-1907), Прометей (Поэма огня, op. 50, 1909-10), пьесы для
симфонического оркестра- Симфоническое Allegro (без ор., 1896-99, нe
окончено, издано посмертно под названием Симфоническая поэма), Мечты
(Reverie, ор. 24, 1898), скерцо (для струнного оркестра, без ор., 1899),
Andante (для струнного оркестра без ор., 1899);
для фортепьно с оркестром -
концерт (fis-moll, op. 20, 1896-97), фантазия (без ор., 1888-89, издано
посмертно);
для фортепьно-
10 сонат
ШОПЕН (Chopin) Фридерик (1810—49) — польский композитор, пианист.
Первоначальное музыкальное образование получил у В. Живного, затем обучался
под руководством Ю. Эльснера в Высшей музыкальной школе в Варшаве. На
формирование мировоззрения композитора оказали влияние борьба за
независимость Польши (восстание под рук. Т. Костюшко в 1794, в котором
принимал участие отец композитора — Николай Шопен, выходец из Франции), а
также идеи польского литературного романтизма (К. Бродзиньский, А.
Мицкевич, Ю. Словацкий). Рано проявившаяся гениальность композитора и
пианиста (первые полонезы издавались в 1817) развивалась в творчески
насыщенной атмосфере предреволюционной Варшавы, где Шопен усваивал опыт
польских композиторов (Ф. Островского, М. Шимановской, М. Огиньского и др.)
и венской классической школы. В ранних произведениях органично использованы
обработки народной мелодий (Большая фантазия на польские темы B-dur для
фортепьяно с оркестром ), освоены жанры фортепьянных миниатюр (в т. ч.
ноктюрн ), а также крупные формы (соната для фортепьно № 1, фортепьянные
трио). Вершины раннего периода — 2 концерта для фортепьяно с оркестром.
Шопен - виртуоз получил признание в Вене, где выступал с концертами в 1829
и 1830—31. После поражения польского восстания (1830—31) Шопен связанный с
участниками восстания, не смог вернуться на родину и остался до конца жизни
в Париже, куда прибыл осенью 1831. Париж обогатил его новыми впечатлениями
литературной , художественной и музыкальной жизни (знакомство с Г. Гейне,
Ж. Санд, А. Мюссе, О. Бальзаком, Э. Делакруа, В. Беллини, Г. Берлиозом, Ф.
Листом, Ф. Мендельсоном и др.) Отказавшись от карьеры виртуоза (Шопен много
выступал в открытых концертах только в первые годы жизни в Париже), он
сосредоточил свои поиски в области композиторского творчества, создав в
1830—40-х гг. выдающиеся произведения в различных жанрах фортепьянной
музыки. Их объединяет тема Родины, приобретающая то героико-драматический и
трагедийный характер (этюд № 12, прелюдии а-moll и d-moll, скерцо № 1,
баллада № 1, соната b-rnoll с траурным маршем, полонезы es-moll, fis-moll),
то глубоко лирический (ноктюрны, мазурки), народно-жанровый (мазурки) или
торжественно-триумфальный (полонезы A-dur, As-dur). В произведениях 1840-х
гг. эти образы находят гармоничное единение (фантазия f -moll, соната h-
moll и др.).
В 1835 и 1836 Шопен выезжал в Германию, в 1837 — в Лондон. Зиму 1838—39
провёл на острове Майорка (Испания). В последние годы жизнь Шопен
осложнилась необеспеченным материальным положением, разрывом с Ж. Санд и
тяжёлой болезнью. После кончины Шопена его сердце (по желанию композитора)
было перевезено на родину, в Желязову-Волю.
Глубоко национальное и подлинно народное творчество Шопена — родоначальника
польской музыкальной классики, выдающегося пианиста своего времени —
уникальное явление в истории музыки. Ограничив себя почти исключительно
рамками фортепьянной музыки, он сконцентрировал в ней разнообразнейшие и
наиболее перспективные художественные тенденции времени. Художественный мир
Шопена отличается универсализмом: глубочайшая психологичность и сокровенный
лиризм сочетаются с постоянным ощущением объективной жизненной реальности,
тонкость в передаче отдельных настроений — с крупным рельефом
драматического развития, мечтательная созерцательность — с активной
действенностью. Характерная особенность его музыкального языка —
новаторский синтез. Композитор-романтик, Шопен в своих сочинениях развивал
принципы бетховенского симфонического метода, а также (в миниатюрах)
баховских импровизационных форм. В то же время его произведения отличает
моцартовское совершенство пропорций. Мелодика Шопена соединила вокальность
и инструментальность, песенность и танцевальность, кантиленное и речевое
начала, претворила характерные черты польского народного мелоса и
итальянского оперного бельканто. В ладово-гармонической сфере опора на
диатонические лады соединилась с утончённой хроматикой, ладовая
переменность — с развитой модуляционной (вт. ч. и энгармонической)
техникой, предвосхитившей многие открытия в области гармонии Ф. Листа, Р.
Вагнера, К. Дебюсси, А. Н. Скрябина. Шопен раскрыл богатейшие возможности
фортепьянной фактуры, создав выразительные типы фигурационного тематизма ,
«поющей» гармонии. Фортепьянный стиль Шопена,тесно связанный с его
исполнительским стилем, отличается всепроникающим мелодизмом, гибкостью и
пластичностью, сочетанием крупного штриха с тончайшей отделкой деталей,
поэтической одухотворённостью целого. Влияние разнообразнейших жанровых
связей у Шопена сказалось на всех выразительных средствах (в т. ч. и на
ритмике). Разные типы польских деревенских
|
